The Raconteurs – Consolers Of The Lonely

 

 

The Raconteurs – Consolers Of The Lonely – XL Recordings – 2008

 

A Jack White se le ve desde hace un tiempo como a un tipo sin ataduras, feliz de todo lo que le rodea y despreocupado a su vez de posibles repercusiones a sus últimos lanzamientos. Cuando se tiene la carrera (y la cartera) cubierta como el joven guitarrista, sólo queda disfrutar y experimentar si se es un tipo curioso que rechaza el estatismo tantos otros abrazan. Entonces se ve a un Jack White amante de los toros y lanzándose a la plaza a torear como si de un Manolete patoso se tratase. Prueba de ello es el videoclip “Conquista”, avanzado por Gallego hace un mes, y en el que mencionaba la futura publicación de un single bajo el pseudónimo de Las Rayas Blancas; el resultado era desastroso, pero White sigue siendo feliz.

Esta forma de afrontar cualquier reto ahora la ha plasmado en The Raconteurs, proyecto que lidera junto a otros tres amigos suyos –Brendan Benson, Patrick Keeler y Jack Lawrence–, a cual más peculiar. Sin esperar más de dos años tras el éxito de su anterior álbum, Broken Boy Soldier (2006, V2), los cuatro se vuelven a juntar para darle más juego a la fama alcanzada.

La apuesta es arriesgada desde un inicio. Riéndose de los rumores, de las habladurías y especulaciones de la prensa sobre la fecha de éste disco, van y lo publican con sólo una semana de antelación al anuncio. Su intención era “hacer llegar el disco a los fans y a la prensa exactamente al mismo tiempo”. XL Recordings no habrá estado muy de acuerdo en esta opción, pero ya se sabe que Jack White tiene suficiente personalidad para arriesgarse con lo que sea.

Con unas ventas que hablarán dentro de unos meses, Consolers of the Lonely tendría que centrarse en la música de calidad de la que habla la NME (como el mismo Gallego recordó). Por desgracia, no lo hace. Con ello la controversia está servida, pero da igual, Jack White sonríe y hará otro numerito de torero cuando le apetezca.

La sombra de The White Stripes está siempre presente, y eso no se puede separar del guitarrista, bien se junto con Loretta Lynn o intervenga en la banda sonora de The Rolling Stones. Así que su proyecto en paralelo tiene dicha sombra como una losa pesada, hasta el punto que la posible separación de los White por la ansiedad de Meg White podría llevar a pensar un futuro reconvertido de dúo a cuarteto. No es descabellada la idea, el sonido cada vez se acerca más en ciertos cortes al Elephant (2003, V2).

Entonces el disco qué ofrece. Un inicio espectacular, de los que hacen quitarse el sombrero y hacer mil reverencias al genio de White y su guitarra. “Salute Your Solution” es asombrosa, con unas subidas apoyadas en los riffs de guitarras únicas, perfecta elección como single inicial. “Consolers Of The Lonely” es más de lo mismo, fuerza y guitarras. Y “You Dont Understand Me” demuestra la influencia que ejerce el grupo de Mick Jagger en una balada donde prima más el piano.

Después llegan bajones entre buenos temas, pero ya se sabe que los primeros siempre ocultan a los segundos. De los primeros: “Old Enough” y“Pull This Blanket Off”, por citar solo dos. De los segundos: “The Switch And The Spur” y “Five On The Five”.

En conclusión, un trabajo que tendría que haber sabido seleccionar mejor los temas y no poner varios temas menores junto a otros buenos. Son mejores cuando tiran del garage y lo revitalizan con fuerza, que cuando apuestan por el folk o el blues y dejan las guitarras en casa de la abuela.

 

para Hipersonica

 

The Raconteurs – Salute Your Solution

Vampire Weekend – Vampire Weekend

 

 

Vampire Weekend - Vampire Weekend – XL Recordings – 2008

 

Un cuarteto de estudiantes universitarios, al parecer, pertenecientes a la alta sociedad, son quienes se esconden tras Vampire Weekend, el grupo que más ha “revolucionado” Internet en los últimos meses (si se puede hablar aún de este efecto como “revolución”, cuando no, de táctica habitual de ahora en adelante). Neoyorquinos, pijos declarados, y con un humor en el que se ríen primero de ellos mismos y después quieren que te rías tú con ellos.

El primer motivo para la risa puede ser la constante negativa de asociarse con el Graceland de Paul Simon en todas las entrevistas, además de evitar también los últimos discos de Talking Heads. Al parecer es mejor no tener referentes y mantener una pose apartada lo máximo posible del pasado. Ellos nacieron, escucharon un tambor africano y dijeron, probemos a hacer este disco. ¿Fela Kuti? Sí, ese sí les gusta y lo citan como sus comienzos en esta andadura. ¿Qué hay del músico africano en ellos? Nada, pero queda mejor que Simon.

El segundo motivo puede ser el intento de vender un estereotipo de nuevo como otros tantos grupos antes que sus canciones. Chicos a la moda y aíres de estrellas antes de llegar. Es un tema tan manido que mejor pasemos al bueno.

El tercer motivo es el musical, aquí la risa se convierte en alegría, y no porque sea malo el trabajo y nos riamos a carcajada suelta, sino porque es un trabajo vitalista, lleno de alegría que contagia desde un primer momento. Como no tengo que negarles su afiliación para conseguir más ventas, los dos referentes anteriores aparecen al instante, entre los que no se encuentra Kuti y el afrobeat por ningún lado, aquí más bien se lleva a terrenos denominados por algunos como afropop o por la propia banda, y que la prensa especializada ha ido utilizando (ya se sabe, si te lo dan hecho, para qué pensar y gastar tiempo en la búsqueda de otra definición), como Upper West Side Soweto (de no haber firmado un trabajo como el presente, a la banda ahora habría que recogerla del suelo por este particular “humor”). Un pop tan orquestado que llega a niveles barrocos en muchos temas (“M79”, con un tempo pausado, es un encanto), primando unos arreglos de los que, por cuestiones lógicas, carecía su maqueta homónima que les dio la fama el año pasado por la red. Además en otros temas es mayor el predominio de algunos instrumentos africanos, como los tambores en “One (Blake’s Got A New Face)”.

De todo el trabajo lo que promete es la mitad inicial, la segunda, quizás por el desgaste, llega a cansar y es donde se encuentran los temas de menor nivel, abiertos por “Campus”, con una sombra demasiado evidente de The Strokes, tan grande que bien podría aparecer la banda original y sustituirles.

Pero las primeras son al revés, delicadeza en pop y ritmo jovial. Temas como “Mansard Roof”, “Oxford Comma” y “A-Punk”, abren un disco que les hará llevarse más de un premio y alguna que otra palmadita de agradecimiento. No es una obra tan grande como muchos se están apremiando a encumbrar, pero saben hacer las cosas bastante bien y sobre todo, cuentan con el apoyo de un sello tan importante como es XL Recordings. En definitiva, hits en busca de relevancia.

 

para Retro Música

 

Vampire Weekend – A-Punk

Aluminium – Aluminium

 

 

Aluminium – Aluminium – XL Recordings – 2007

 

Pocas veces surgen artistas que cambien una parte de lo establecido, pero cuando salen, es para quedarse y dar guerra. En 1997 cuando la pareja White decidió formar la banda y empezar a dar de qué hablar en esto de la música, no se imaginaban lo que diez años después les iba a proponer uno de sus máximos apoyos en el mercado discográfico. La propuesta llegó, era innovadora y puro riesgo, sin viaje a ninguna parte, con un límite de difusión bajo el cual se podía ver un simple divertimento oculto o la creación una obra de colección recóndita. Cuando Richard Russell, nada menos que una de las cabezas pensantes del sello británico XL Recordings, propuso al joven Jack White convertir todo lo que había hecho hasta ese momento en música para orquesta, a éste último se le abrió otro campo para experimentar su creatividad.

La carrera de diez años reducida a 34 minutos con 18 segundos, todo un reto a conseguir. Nada de guitarras, nada de riffs pegadizos a través de la mano del líder de la pareja, la batería con Megg White desaparecía, ahora sólo existía una orquesta con todos sus miembros detrás de los instrumentos propios de este estilo y una idea muy clara: revisionar la obra de The White Stripes, aunque el resultado final es más bien otro, crear arte.

El nombre del efímero grupo creado para la ocasión, y desaparecido tras la grabación, es una de las primeras piezas crípticas sobre las que se construye todo. Las demás se dejan ver con el material, el diseño de Rob Jones –diseñador ya habitual de los proyectos de Jack White– escogido para el proyecto, se basa en diez imágenes que ilustran cada canción, desde un diamante hasta una cerradura. El significado de estas piezas escapa a cualquiera, como el por qué de la predilección por el número tres por parte de la banda. Todo tenía que llevar un tres implícito, desde la cantidad de la tirada en vinilo, hasta el día de la publicación.

Dicha cifra del material publicado nos muestra cómo esto es más bien un juego, un placer otorgado por parte de grandes figuras, que un lanzamiento con miras a una comercialización mayor. Los 999 LPs que se distribuyeron estaban vendidos antes de llegar el día de su lanzamiento, y al igual pasó con las 3.333 copias en formato CDs de Aluminium. Como pieza de coleccionista se encuentran ya a precios desorbitados, aunque el material con que nos encontramos bien merezca hacer ese gasto.

Para los seguidores de la banda de Detroit y para todo aquel amante de la buena música cuando se acerca a este proyecto experimenta una gran sorpresa. La fuerza con que se inicia el trabajo impacta y no te separa hasta el final. “Aluminium” parece acercarse a terrenos de orquesta duros, avant garde, experimentando con acercamientos al ruido siempre desde la melodía más cuidada. Pero este tema es el único que va a producir este efecto, los demás tienen otro sonido bien diferente. “I’m Bound to Pack It Up” baja la intensidad inicial a través de la suavidad de las cuerdas, del viento y sobre todo del arpa que tan bien templa el sonido. Ya puestos en caliente llega lo bueno, “Why Cant You Be Nicer To Me?” sigue con la elección de De Stijl (2000, Sympathy for the Record Industry) como el trabajo donde han salido la mayoría de los temas para esta revisión. Cercanos a terrenos más del jazz, las trompetas y el piano componen un ritmo que nadie es capaz de parar, hace hasta olvidarnos de qué aquí había otro sonido. Al igual que pasa con “Astro”, composición propia de orquesta clásica.

Por desgracia no todo guarda el gran nivel de las mencionadas. “Never Far Away” y “Little Bird” se pierden en la tranquilidad de las melodías, dejando la sensación de que falta un cambio de registro. Cambio que sí que llega con la sorprendente “The Hardest Button to Button”, la percusión hace tener presente la canción original, como si el garage que les caracteriza estuviese ahí en vez de los diferentes instrumentos de viento. Las restantes consiguen también hacer olvidar que hubo en su momento guitarras y bajos marcados para poner la orquesta en temas como “Who’s a Big Baby?”.

Una obra impresionante, de principio a fin, que si no contase con la leve bajada del intermedio, sería completa. Hace incluso dudar a uno de si prefiere el grupo original o un futuro orquestado en blanco.

 

para Retro Música

Devendra Banhart – Smokey Rolls Down Thunder Canyon

Devendra Banhart – Smokey Rolls Down Thunder Canyon – XL Recordings – 2007

No hay barreras para algunos artistas. El cerco de un género o una etiqueta es inútil a la hora de concebir su obra. Devendra Banhart es quizás uno de los más representativos del inconformismo musical hoy en día. Evitando el estancamiento, evitando definirse y a la vez repetir hasta la saciedad una fórmula dentro de un género concreto. Al igual que otros grandes músicos desmonta cualquier idea con cada nuevo lanzamiento, si algún día creíamos que era folk, otro día podremos concebir su figura dentro de la música brasileña, del góspel o incluso del rock.

La quinta propuesta en largo que nos presenta escapa a cualquier planteamiento. Es un mosaico de géneros, de sentimientos y de expresiones. Intimista o bailable, gracioso o triste. Guitarra o piano. Cada canción transmite un mundo diferente a la anterior. La variedad con que el músico de Houston se lleva nutriendo desde joven parece estar saliendo a la luz en sus últimas referencias. Le veíamos cantar en un español horrendo la extrañamente pegadiza “Ay Mama” en “Niño Rojo” (2005) y ahora con una pronunciación más correcta, las canciones que beben de la música sudamericana o brasileña parecen ser cantadas por músicos nativos. Consigue transmitir el ritmo propio de éstas en la electrizante samba “Carmencita”, en “Samba Vexillographica” donde intercala español y portugués con total naturalidad, y en “Cristobal”, con la sorprendente colaboración de Gael García Bernal, la cual comienza muy lenta para abrir el disco y rompe en un ritmo pegadizo que cuesta asimilar en principio. El culmen de la mezcla llega con “Seahorse”, una de las mejores, donde hay ritmos jazzy evocando la música brasileña de fusión para dejar paso en el último tramo a una muestra de rock ácido californiano, como si Jefferson Airplane, The Doors y demás participantes de esa generación se mezclasen para dar origen a lo que se escucha. Si no teníamos bastante variedad el góspel se introduce en “Saved”, el pop de Lou Reed en Transmorfer (1972) se contagia de los Jackson 5 en “Lover” con un ritmo pegadizo de base. No deja a Reed con “Tonada Yanomaminista” que bien podría haber pasado por la No Wave neoyorquina y no haber desentonado en absoluto.

Samba, doo-woop, folk, góspel, rock ácido… El cóctel es explosivo, apreciando nuevos matices en cada escucha, inagotable frente al tedio. Devendra Banhart ha firmado otro gran trabajo, posiblemente uno de los mejores del año, que le lleva a confirmarse una vez más como gran músico, sobre todo como artista ecléctico.

para Popchild