Hidrogenesse – Entrevista

 

 

Hidrogenesse es un grupo que si no existiera habría que inventarlo. Indispensables y marcianos. Inteligentes y graciosos. Sencillez y eclecticismo. Los polos opuestos se ven en su música tan unidos como los versos sobre animales o de máquinas. Genís Segarra tiene en Carlos Ballesteros a su pareja idílica para tener un elegante affaire mientras Manolo Martínez, la otra mitad de Astrud, decide descansar. Son ambos componentes quienes nos responden a un buen número de preguntas, explicando su filosofía o confirmando que no existe ningún rumor sobre una posible separación de Astrud. Bestiola es su última maniobra de locura presentada este año.

Para mí, los mejores grupos son los que crean su propio universo y sonido y experimentan con él. Vosotros sois uno de esos y cada canción es algo única. ¿Cómo entendéis vosotros la música?

Nos gustan los grupos que cuando los escuchas sólo puedes compararlos con cosas que han hecho ellos, que te hacen creer que no necesitas más, ni otros grupos ni otras canciones que las ellos hacen.

¿Y qué es Hidrogenesse? ¿Cuál es su filosofía?

Hidrogenesse es Carlos y Genís haciendo canciones juntos, pensando en la música y pensando en los demás. Queremos hacer canciones memorables, que la gente las use y las sienta como suyas. Nuestro rollo es el anti-autor.

¿Cuándo os comprasteis el primer vinilo de Kraftwerk y cuál fue?

El Trans-Europe Expresse o el Electric Cafe… Aunque nuestro favorito es Radioactivity.

¿Qué veis en la música alemana para que sea tan importante en vuestra música?

Cosas nuevas que no salen de los putos Beatles. Ideas, sonidos y estructuras endémicas de ese país, pasando de la tradición anglosajona. Es lo más cercano al folklore que puede interesarnos. Pero todo esto sólo se dio del 72 al 82, y sólo en algunos discos concretos de algunos artistas. No tenemos un conocimiento enciclopédico de la música alemana.

Ahora publicáis Bestiola tras el buen recibimiento que tuvo Animalitos. Decís que no es un nuevo disco, sino que es: Animalito: 39 minutos de música sin interrupción. Sintetizadores y baterías. Glam drone rock electrónico. Al principio entra como un disco menor, de canciones con menos calidad que las publicadas y parece que la maniobra es de reírse un poco del oyente tras el éxito anterior. Luego las canciones se antojan incluso mejores que las primeras, yo ahora no paro de escucharlo y me fascina ¿A qué se debe entonces este lanzamiento?

El disco lo hemos hecho con la misma ilusión, el mismo trabajo y el mismo cariño que los anteriores. No tiene temas nuevos, ni canciones inmediatas, pero precisamente queríamos escapar de la tiranía del álbum que tiene que tener 10 singles potenciales. Queríamos hacer música porque sí. Si además sirve de antídoto al hype, mucho mejor.

¿Y por qué nuevas versiones en vez de temas nuevos? ¿Teníais la necesidad de revisar algunas canciones que antes no tenían el sonido que os gusta ahora?

La idea era sacar un single de Animalitos con unas caras B, pero nos parecía pobre volver a meter la misma versión que en el disco, y esto se ha ido complicando hasta completar un álbum entero de 10 temas. Hemos preferido tardar más y hacer cosas nuevas con las canciones.

¿Cuál es vuestro tema favorito que ha quedado mejora ahora que antes?

Para nosotros Vuelve conmigo a Italia, con las baterías de Alfonso Melero y los nuevos pianos, por fin tiene un sonido a la altura del mito (la discoteca italiana).

Habéis compuesto una canción a partir de Morrissey, otra para unos animales, otra para unos tejanos, a Góngora e incluso a una máquina. ¿Qué os queda por reflejar en vuestras letras?

Los temas en los que estamos trabajando son: los viejos, las tormentas, las hermanas y el siglo XVIII. Tenemos material para toda una carrera.

A veces me he preguntado qué pasaría si no existiese Hidrogenesse, como no encuentro respuesta, os paso la pregunta a vosotros. ¿Qué pasaría?

Si te refieres a que no hay nadie parecido, estamos de acuerdo. De eso se trata. Si hubiera otros, si no cambiara nada sin nosotros, no habría necesidad de que nosotros existiéramos.

¿En Animalitos qué se esconde tras la aparente inocencia de los animales?

La inocencia es una idea humana. No procede pensar así en los animales. Es como el mito de que los niños son inocentes. Lo que es verdad es que los animales, a diferencia de las personas, no son capaces de ser malvados.

En vuestra web ofrecéis una completa información de vuestras canciones, desde la explicación pormenorizada de las letras hasta los programas que habéis usado para componerlas. Muchos músicos no quieren explicar sus canciones porque les parece innecesario, como desnudar y explicar un cuadro de arte moderno. Vosotros en cambio parecéis al revés. ¿A qué se debe tanta información y explicación?

En parte, Hidrogenesse es un método de autoayuda, y nos parece muy bien que la gente sepa cómo lo hacemos, aunque nuestras explicaciones sean bastante caprichosas. En el fondo, es un entretenimiento más que damos a la gente.

Empezasteis un poco tanteando terreno y ahora estáis como uno de los referentes dentro de vuestro género. ¿El ascenso ha sido imparable, no?

Hemos decidido usar más el grupo (sacar más discos, dar más conciertos) y la gente de momento está en sintonía, y está usando mucho el grupo también.

¿Ahora Hidrogenesse puede vivir de la música o sigue siendo imposible?

Tocando una media de dos conciertos al mes podemos vivir de la música.

¿Qué será de Hidrogenesse en el futuro? ¿Cuándo algo nuevo como disco?

El futuro será bastante parecido al presente, en general, no sólo respecto a Hidrogenesse. Estamos componiendo nuevas canciones, pero no tenemos agenda.

¿Con Astrud está todo bien? La caída del cartel de la 4º Edición del Low Club On Stage daba nos motivos un tanto intrigantes.

Los motivos que dieron los del Low Club On Stage deben ser una confusión o un malentendido. Astrud decidió entrar en un periodo de vacaciones, que puede llegar a año sabático, o quedarse en semestre académico.

Carlos, tú te dedicas bastante a dibujar. ¿Cómo surge este placer? Tus dibujos varían bastante de unos a otros, pero sobre todo prima la búsqueda de unas formas simples, claridad en el diseño. ¿Qué te inspira para hacer los grabados u otros dibujos que ilustran las canciones?

Dibujar no es un placer. Verlos acabados a veces sí. Para hacerlos no me inspira nada. Sólo tengo que encontrar una imagen que me guste pero la quiera ver simplificada en trazos, o composición, etc.

En 2003 hubo una exposición en Madrid que recogió la obra de varios músicos bajo el título “Los colores de la música”. Carlos Ballesteros tenía dos. ¿Cómo es tu faceta de pintor? ¿Cuáles son tus pintores claves?

Hace ocho años que no pinto. El último que pinte fue dos hombres en una piscina, que usamos para la portada de nuestro primer single “Así se baila el siglo XX”. Mis pintores favoritos son: Andy Warhol, Francis Bacon, Alex Katz, Ribera, Zurbarán, John Currin y David Hockney.

 

para Hipersonica

 

Hidrogenesse – Fuig llop fuig llop fuig

La Mode – El Eterno Femenino

 

 

La Mode - El Eterno Femenino - Nuevos Medios - 1982

 

Otro de los nombres que no se olvidan de la Movida madrileña es La Mode, un grupo que, para no romper los cánones del momento, contaba con una gran personalidad y otros músicos de la escena de la capital. También se disolvió igual de rápido que se creó, aunque entre medias quedaron varios singles, EPs y nada menos que tres discos en sólo cinco años de formación como banda. Todo un logro si escuchamos su material y observamos cómo hoy sigue siendo imperecedero.

Los nombres que ocultaban su cara tras La Mode se centraban en uno de los ideólogos de tal escena: Fernando Márquez, más conocido como “El Zurdo”. Un personaje que removió la cultura de aquella época y entre otras cosas, dejó libros importantes que favorecieron el mantenimiento del legado de Vainica Doble, a quienes escribió en 1983 su biografía bajo el mismo título que el de la pareja. La sombra de su carrera está relacionada con el aspecto político, debido a su militancia en partidos de extrema derecha como Falange o Alianza Popular. No sólo del ex Paraíso y ex Kaka de Luxe vivía La Mode, sino que también contó con la guitarra de Antonio Zancajo y los teclados de Mario Gil; después, en 1984, Daniel Ballester sustituiría a Márquez tras su abandono, pero ya no fue lo mismo.

Un disco que fue determinante en el desarrollo de todo lo que aconteció, fue El Eterno Femenino (1982, Nuevos Medios), justo el mismo año en que sus ex compañeros de Kaka de Luxe, con Alaska al frente de los Pegamoides decidían separarse y publicar un recopilatorio de sus éxitos de la efímera, pero creativa carrera (“Bailando” u “Horror en el Hipermercado” quedarán desde ese momento como hits de la música española). Las influencias de todos estos grupos eran claras: bastante glam, un techno-pop más tranquilo en el caso de La Mode, donde prefieren apostar más por el sonido de Roxy Music y evitar bases tan marcada, y todo bajo los parámetros de grabación de la época, con producciones más oscuras.

El punto fuerte de El Eterno Femenino es la calidad de sus letras tan bien logradas, construyendo singles que tienen un buen estribillo pero que no llegan nunca a caer necesitadas tanto de él. “Cita en Hawaii”, “Aquella canción de Roxy”, apostando más por sonidos de los mencionados y una mayor electrónica por tanto; y sobre todo, la canción que da título al disco, “El Eterno Femenino”, pausada y buenos versos recreando a ciertas mujeres.

El resto andaba entre la graciosa “Las chicas de la Inter”, la oscura “El único juego en la ciudad” que luego romper arriba genial, propia del mejor Berlanga, y “La teoría de la relatividad”, otra de las mejores y encerradas del trabajo. Chicas, chicas y más chicas. La Mode tenía puestas sus esperanzas en el sexo femenino para pasar al futuro de forma eterna, y la jugada salió de matrícula.

 

para Retro Música

 

La Mode – El eterno femenino

L-Kan – Entrevista (Segunda Parte)

 

 

Continuación de la primera parte

 

Una gran baza de vuestras canciones es que se convierten rápidamente en himnos por la frescura y gracia de vuestras letras. ¿Puede llegar a ser cansino estar repitiendo los mismos temas en cada concierto?

“Quiero Ser Siniestra” la hemos cantado muy poco en directo porque lo pasábamos muy mal. Era una voz muy grave y Luis nos dijo: ‘no la cantéis mas porque cada día va a peor’, y nos la prohibió (Risas). “Gayhetera” la hemos cantado hasta hace nada todo el rato, sólo que ya nos parecía que ya estaba un poco quemada. Pero no nos gusta el rollo de no quiero cantarla, sólo estamos dando un tiempo a la canción. Estábamos un poco cansados de tener que acabar siempre con ella, así que ahora toca descansar. Por ejemplo, en el lado contrario, está “Humor Idiota” la cual seguimos cantando porque creemos que ha envejecido muy bien.

Como ya sabéis hay muchos estereotipos y más con música como la vuestra en los últimos años. Se os ha relacionado en espacial con el mundo gay, ¿cómo lo veis vosotros?

Es verdad que tenemos bastante público gay, por un lado por “Gayhetera”. Sí que es verdad que en algunas canciones hemos hablado de cosas gays, por ejemplo en “Tu novio y el mío” era de un chico y una chica que se peleaban por el mismo chico. En nuestro mundo estamos muy rodeados de gays y nos ha salido siempre muy natural hablar de eso. Pero vamos, que también tenemos mucho publico hetero (Risas). Hubo una época que si había falta de cosas gays, pero ahora ya todo da lo mismo.

Son casi ocho años presentes y mantenéis la frescura y la diversión en los temas. ¿Cómo se consigue esto? ¿Cómo fue el inicio?

Nosotros es que somos muy pesados e insistimos en el tema. Realmente son ocho, o siete y medio. Cuando ya nos pusimos al tema pasó un tiempo, Luis hizo la canción para Clercks, que ahora la volvemos a hacer por cierto, y la cantó Verónica de Meteosat. Empezó a venir gente a pedir la maqueta y formamos el grupo porque no teníamos más que esto.

Por último, otra de mis canciones favoritas del último trabajo es “Mi iPod y Yo”, ¿Qué pensasteis para escribirla?

Es una letra real. Yo muchas veces me meto en la cama con el iPod pensando como bueno, lo pongo así bajito y me voy quedando dormida… Sólo que hay veces que funciona y en otras que te da el subidón y no consigues dormirte y empiezas como a bailar en la cama.

 

para Retro Música

 

L-Kan – Bailan

L-Kan – Entrevista (Primera Parte)

 

 

L-Kan es una de las bandas que han permanecido invariables en la escena española de techno-pop. Desde la publicación de Cosas Que Miden Poco en el 2000, han ido mejorando en las letras, en las bases, y en la gracia de sus canciones. Si ellos se reían de todos al titular su segundo largo Superenserio (2003, Subterfuge Records) frente a la generalización del “tonti pop” como etiqueta, ahora parece que la banda gana un punto de madurez sonando como nunca. Las canciones evitan reiterar su fórmula de siempre con la modernidad como tópico, y prefieren centrarse en temas cotidianos pero desde un punto de pista irónico. Ya lo dicen con su título: Son otra cosa. Belén, “vocecita” del grupo, es quien responde a nuestras cuestiones.

Somos Otra Cosa suena mejor que los discos previos, parece un salto de calidad respecto a lo hecho hasta ahora. ¿Os habéis vuelto más serios? ¿En qué se basa este cambio de sonido?

Por un lado, el disco se ha masterizado y mezclado en otro estudio al de siempre, el sonido es más contundente y más elaborado. Luis ha estado trabajando con un programa de orquestas, y hay mucho viento y cuerda. En cuanto a las letras, son un poco las temáticas de siempre. Seguimos teniendo las dos partes: una más festiva y otras más tristonas, como “Todo Lo Que No” y “Pobrecilla”. En éste último hemos introducido alguna más en ese sentido.

¿El cambio dado se ha visto en todos los aspectos? Ya que no hay una canción que sea otra continuación de “Aburrida de estar tan salida”, sino que preferís otros temas.

Después de ocho años, si no evolucionas qué vas a hacer; si no se evoluciona mejor cerrar. No es una evolución buscada ni no buscada. En algunas cosas veíamos que no hay una canción tipo “Aburrida de Estar Tan Salida”, quizás la más cercana pueda ser “Señora”, pero tampoco hablamos de los modernos en este disco. Es algo que ya hemos hecho y para qué lo íbamos a repetir otra vez. No es que no queramos hablar de eso, sino que cuando tengamos algo que decir volveremos por ahí.

Cada canción vuestra lo que sí transmite es alegría, además de ser muy vitalistas pese a las letras tristes de algunos temas. ¿Es mejor afrontar los temas así?

Hay muchísimas canciones nuestras que nos parecen tristes y nos sorprendemos cuando la gente nos dicen que son muy alegres, por ejemplo “Yo Os Comprendo a Todos”. Siempre hemos tenido esa parte. También es verdad que aunque los temas sean tristes, nosotros le damos un toque de que podemos salvarnos al final, por eso es como si nunca nos regodeamos en la tristeza, aunque traten de cosas tristes.

Una de mis favoritas es el ya himno “Aburrida de estar tan salida”, ¿cómo surgió?

Aquí sí que pretendimos hacer una letra sobre el tema del modernismo. Era para el disco Elektrospain (Subterfuge. 2004), con el apogeo del electroclash. Todos los grupos salían al escenario medio desnudos, y como siempre nos gusta llevar la contraria, hicimos “Aburrida de estar tan salida”.

La escena española ha tenido bastante movimiento de grupos similares al vuestro, La Monja Enana, Astrud… La explosión pasó y habéis quedado los mejores, ¿cómo veis esto?

Es cierto que ahora mismo no es el momento; hubo una explosión a finales de los noventa y luego a principios del 2000. Al principio era todo como el rollo del tonti pop, o como lo quieran llamar, y después el rollo del electroclash. De todos los grupos que había cantando en español este tipo de música quedamos pocos, pero algunos grupos como La Monja Enana, La Casa Azul, Los Fresones Rebeldes, reconvertidos ahora en Cola Jet Set, seguimos estando muy presentes.

 

para Retro Música

 

L-Kan – Todo lo que no

Hidrogenesse – Bestiola

 

 

Hidrogenesse - Bestiola - Astrohúngaro - 2008

 

Bestiola es la maniobra que te hace amar u odiar al artista, aquella que te pinta unos rectángulos con diferentes colores primarios cuando habías visto la belleza de sus cuadros naturalistas, aquella que decide pasar del surrealismo hacia el arte moderno con difuminados, aquella en la que las películas ya no se entienden si no sueñas, o aquella obra literaria que no puedes disfrutar del significado total porque ni el propio autor lo conoce. Así es Bestiola, una marisma de maquinas y juegos electrónicos que no van a ninguna parte pero a su vez van a todas.

La primera barrera nos la encontramos nosotros mismos, se rechaza el álbum por ser extravagante, por estar de vuelta de todo desde la primera canción hasta la última. No es un sonido listo para consumir y luego poner a los amiguetes de turno. Con ello, tampoco se justifica en qué es, incluso ellos mismos dicen de este trabajo “Animalito: 39 minutos de música sin interrupción”. ¿Entonces qué hay tras Bestiola?

Detrás están dos personajes tan inquietos como peculiares, Genis Segarra (mitad de Astrud) y Carlos Ballesteros. Dos individuos que no conocen el significado extravagante. Este no es su primer disco ni su último, sólo es una parada en el camino y quizás una maniobra para reírse de sí mismos con la gente. Su Animalitos (2007, Astrohúngaro) fue un bombazo para algunos, un disco que según lo ibas despedazando ibas adueñándote de las canciones como propias, tenía sus baches, pero también sus techos (”Caballos y ponis”, “El Árbol”, etc.). Así que Hidrogenesse puede haber seguido su maniobra de reírse de todo desde un puesto privilegiado (sólo ríen con clase los que pueden tenerla) y publicar Bestiola, es decir, el disco que los demás grupos incluirían en una versión deluxe.

La pareja se va a los 70 y cogen Alemania como ciudad para vivir y sonar. El techno alemán invade todo el disco; que nadie espere encontrar geniales letras como nos tenían acostumbrados, ahora lo que prima es la melodía y el experimento por el experimento. Kraftwerk se impone como máxima referencia y luego ellos añaden el glam.

“Schloss” es el nexo de unión más próximo a su obra, pero aún así todo cambia: la base, el ritmo, la fuerza que tiene el tema; ya no estamos ante el mismo corte de su segundo disco, es otro mundo diferente. Las demás también plantean revisiones pero más extremas, algunas ni siquiera tienen la parte vocal. “Estamos Aquí” revisa el tema de Feria; “Fuig llop fuig llop fuig” elimina el aspecto delicado de la original y la lava la cara; y “Vuelve Conmigo a Italia” va por la misma línea. La parte instrumental corre a cargo de “Stock Aitken Waterman And Me” y “Night To Night And Day To Day”, entre otras.

Hidrogenesse es un grupo necesario para la música española, irreverentes e inquietos. Si un grupo le dedica una canción a una máquina como “Disfraz de tigre”, merece cualquier premio. Bestiola, posiblemente, se quede en pocas manos, pero es el cuadro clásico que pide a gritos un desgarro para ver qué hay dentro.

 

para Hipersonica

 

Hidrogenesse – Disfraz de Tigre

Alaska y Dinarama – Deseo Carnal

 

 

Alaska y Dinarama - Deseo Carnal - Hispavox – 1984

 

¿El mejor disco de la Movida? Probablemente ¿El mejor disco de pop español? Entre los primeros ¿Tótem para el techno-pop de por aquí? Ninguno lo ha superado y será difícil que lo hagan. Alaska y Dinarama se juntaron por compromiso, porque se necesitaban los unos a los otros, porque Alaska tenía tanto ego que eclipsaba a todos y a su vez necesitaba un grupo para eclipsar. Relación de conveniencia, como se diría ahora. Y esta unión dejó clásicos, canciones inolvidables y largos míticos. Deseo Carnal (1984, Hispavox) fue su segundo trabajo y parecía su quinto por el sonido tan bien trabajado y por la buena unión de todas las piezas.

Estas piezas eran el talento a la sombra de Carlos Berlanga, harto de que se le tratase como a un don nadie en Alaska y los Pegamoides decidió irse y formar Dinarama en un época en que los grupos crecían, se reproducían y morían sin casi dar tiempo a ver si habían publicado algo decente o no (en la mayoría de los casos esto último era la opción más probable). Con su grupo, Berlanga quería empezar una carrera que se inició errada desde un principio, debido a que su figura era tal que no aguantaba mucho en contacto con otros músicos y quería experimentar más de lo que una banda puede hacer. Aún así, encontró a un compañero de batallas, Nacho Canut, quien también dejó a los Pegamoides en la lucha de egos y decidió juntarse con el madrileño. El dúo por si solo podían haber hecho una de las mejores colecciones de temas, pero ellos sabían que necesitaban el carisma mediático de Alaska y así vino Olvido Gara, para añadir la parte vocal y la imagen a un grupo sin imagen.

El precedente había sido un trabajo de presentación en el que se dejaba entrever está separación entre los miembros del grupo y su participación en él. Canciones Profanas (1983, Hispavox) era el disco de Dinarama + Alaska, un trabajo enfocado a la oscuridad del movimiento gótico y más encerrado. Ya para este segundo decidieron unificar el nombre y poner a la popular figura como primera en la formación, algo que había conseguido ya desde que se separasen Kaka de Luxe, ser la chica de las portadas. La verdad, es que la unión era perfecta, Berlanga y Canut a las letras y melodía, y Alaska a la voz, porque por esa época en el plano femenino no tenía sombra.

Este trabajo fue uno de los primeros discos pop en mayúsculas, construidos como una unión global y no hits sueltos para lanzar después en las radiofórmulas. Y eso que singles no le faltaban, es uno de los puntos fuertes del disco, con “Ni Tú Ni Nadie” como cabeza de cartel, mezclando el descaro y la provocación de una melodía en apariencia demasiado simple pero con una letra y un estribillo que era muy pegadizo; “Un Hombre De Verdad” otro himno que cantar que se ha mantenido intacto hasta hoy; “¿Cómo Pudiste Hacerme Esto A Mí?” con Berlanga haciendo el dúo a Alaska, al igual que en “Victima De Un Error”, un precedente a la carrera de Berlanga en solitario. Tres singles que tuvieron una pegada mediática enorme, situando el álbum con unas ventas muy altas para la época, tanto aquí, como cuando se publicó en Latinoamérica.

Aunque lo mejor no sólo se dejaba ver en los singles, sino que Berlanga en cuanto podía sacaba su as de la manga y firmaba un tema tan oscuro y tétrico como “Sólo Por Hoy”, propio de la escena post-punk pero bajo la influencia de Adam & The Ants, de la que tanto bebieron en su sonido. Letras como las que construían el final del disco en “Carne, Huesos y Tú”, bellas desde el tenebrismo y el poderío que cogen bajo unos arreglos –la producción la llevó a cabo Nick Patrick– y la voz de Olvido Gara.

Desde la portada hasta la última trompeta añadida en la melodía, desde el dúo de voces hasta el orden elegido de los temas; todo ello hace de Deseo Carnal un clásico a rescatar cada cierto tiempo, donde se comprueba su atemporalidad y su gran calidad.

 

para Retro Música

 

Alaska y Dinarama – Ni tú ni nadie

L-Kan – Directo Sala El Sol

 

 

L-Kan – Directo Sala El Sol – Madrid – 09-02-2008

 

Todo grupo se desenvuelve mejor dentro de unas circunstancias idóneas y L-Kan no iban a ser menos. Si el concierto se retrasa casi 50 minutos, su público casi ni lo nota; si el sonido no llega ni por asomo al ofrecido en los discos, da igual, lo importante es la fiesta, la alegría que desprenden, y ahí son imparables. El grupo madrileño decidió seleccionar un buen repertorio entre sus canciones más conocidas y muchas de su último disco, “Somos Otra Cosa”. Las primeras, entre las que destacaron su gran hit “Aburrida de Estar Tan Salida”, uno de los mejores momentos de la noche, y “Modern Talking”, añadiendo más broma a la letra con disfraces, fueron de nuevo las más disfrutadas por el público, aunque sin restar importancia a sus recientes temas que también van camino de convertirse en importantes dentro de su repertorio: “Todo lo que no”, “Señora”, “Mi iPod y yo”, o “Me Hago Buzo”, un bis donde se disfrazaron de un pez y un pulpo. Buen concierto, alegre, divertido, y con una premisa clara que no paró de ser recordada por su grupo de fans más fieles: “!L-Kan a Eurovisión!”. Próxima estación: Belgrado.

 

para Mondo Sonoro

 

L-Kan – Todo lo que no