Los Vengadores – Primeras Impresiones

 

 

Los Vengadores - Primeras Impresiones - Universal Music Spain - 2008

 

Quizás las primeras impresiones sean equivocadas, pero nadie puede evitarlas, sino no serían primeras impresiones. La música de Los Vengadores tiene ese aspecto que puede causar un frenazo por estos primeros impulsos. A quien no le guste Melón Diesel (tiempo ha), toda la onda de Pereza y demás grupos, con Los Vengadores lo tiene un poco difícil ya que su música gira alrededor del pop/rock español característico de los últimos años.

Los Vengadores no tienen nada que ver con la mítica serie de los 60, es un grupo de Madrid que ahora presenta su segundo disco con Universal tras Sí. El sonido está bastante trabajado (detrás de ellos se encuentra Fernando Montesinos, productor de bandas como Pereza, El Hombre Gancho, La Pulquería…) pese a que las canciones se hacen un poco repetidas una tras otra, en las que las letras de amor y desamor se suceden con apariencia de mini hits vía 40 Principales.

Como decía DJ Yoda en la Rockdelux de mayo, de todo se puede sacar algo de provecho, y aquí el tema que más destaca es “Si No Vuelves Hoy” donde la combinación con los coros está bien lograda y el ritmo igual. Quizás “Verde” también se destaque algo más del resto con la voz de Coque Martín más tranquila.

Pero otros temas como “Perdón” o “Nadie Como Tú” son la repetición de lo mismo todo el rato, bien hecho sí, pero falta una mejoría en las letras que parecen las típicas cartas de amor de un adolescente a su novia. Canciones con estribillo y ritmo fácil, que tendrán en determinado público una buena acogida.

 

para Hipersónica

 

Los Vengadores -  Mañana

Tarántula – Esperando a Ramón

 

 

Tarántula - Esperando a Ramón - Not Label – 2006

 

Con la publicación en solitario de la aventura de Joe Crepúsculo en Escuela de Zebras, volví a rescatar la presentación en largo con su grupo Tarántula, hacía mucho que no lo escuchaba y es un placer volver a él. Tarántula se arriesgó, evitó el mercado, las discográficas, la distribución y todo lo relacionado con el mecanismo para finalmente publicar un LP y prefirió apostar por Internet para el acceso gratuito a Esperando a Ramón; es más, en su propia web facilitan todo (carátulas incluidas) para hacerse una copia de su disco como si fuese original. Sólo la maniobra ya les vale un aplauso.

El proyecto que firman los barceloneses es un sonido que parte desde el rock con buenas influencias y bastante presentes. Esto no significa un menor valor, sino todo lo contrario, la chulería que a veces toman desde el rock and roll tradicional, la manera de afrontar los temas como unos Derribos Arias modernos y la apariencia de haberse empapado de todo la generación del post-punk y cierto sonido de Madchester, les hace sonar con una buena mezcla pero (lo más importante) desde su punto de vista, algo no tan habitual cuando se habla de tantas influencias. Tarántula reavivan la magia del sonido inglés oscuro y deprimente de grupos como PIL o Bauhaus pero sin caer en la fórmula de Interpol & CIA, sino con unas letras buenas y la preferencia por el español.

Los puntos fuertes se encuentran con “Empresarios y Secretas”, un hit desde la primera ocasión, rápido y directo, con crudeza y oscuridad, la fuerza del post-punk bien entendida en la letra y complementada con partes instrumentales en medio; “Hay Que Ser Hombre” irónica y graciosa como pocas, destrozando el estereotipo de hombre duro; “Tarántula” más alegre y propia de la new wave además de la Movida madrileña vía Derribos; y “Amarraje”, otro dardo directo que abre bien el disco. Cuatro destacadas aunque podrían ser la mayoría.

Tarántula siguen en vivo y esperemos que en no mucho podamos disfrutar de la segunda entrega, porque ahora somos nosotros quienes les esperamos. Un buen rock para tirar del carro como hacen Standstill y ahora Triángulo de Amor Bizarro, necesarios como los que más para no olvidar que las guitarras tienen un gran valor. Como dice su grito de batalla: “Larga vida a Tarántula”.

 

para Retro Música

 

Tarantula – Empresarios y Secretas (Live)

The World/Inferno Friendship Society – Speak of Brave Men

 

 

The World/Inferno Friendship Society – Speak of Brave Men – Gern Blandsten - 2004

 

Algunos grupos sólo necesitan publicar un maxi con aspiraciones de EP para conseguir una gran obra. The World/Infierno Friendship Society se encuentra entre estos grupos, defendiendo la valía del concepto single entre tanto largo que corre ahora mismo por ahí y olvidamos a la mínima. Si no tienen más que tres canciones buenas, no busquen otras nueve para aburrir al personal, saquen mejor un maxi.

La trayectoria de este grupo de Brooklyn es muy solida, y son una de las referencias en la mezcla entre ska, punk y rock. Con siete discos a sus espaldas ya, el recorrido lo tienen hecho más que de sobra, ahora sólo les queda disfrutar de los logros conseguidos, y cómo no, aumentar su presencia en otro tipo de circuitos en los que no son muy conocidos.

Una de sus grandes bazas es la preferencia por letras comprometidas, característica que pocos grupos (si vemos el cómputo general de bandas actuales) tienen ya entre sus fuertes. Así que hay que aprovechar que estos chicos hacen hincapié en este hecho porque siempre es bueno unir cierta temática social y protesta con la música.

Para este maxi vuelven a recuperar a Pete Lorre con una de las escenas de M (1931) ilustrando el cedé, aunque la portada se la dejan a Cassius Klei (y si no es él, es un doble suyo). Así la fuerza del título (Speak of Brave Men) la plasman también en imágenes.

Lo bueno llega desde el comienzo, “Brother Of The Mayor Of Bridgewater” coge el momento álgido con las trompetas y ahí no para el baile, rematando con un final festivo y buenas partes de solos. “Friend In Wien” recupera la influencia del folklore irlandés en un tema muy pegadizo. Y por su parte, “Paul Robeson” prefiere el constante intercambio entre subidas y bajadas.

Un buen maxi y unas canciones que luego también usarían para otros trabajos suyos, repitiéndolas y cambiando ciertas cosas.

 

para AbsolutZine

 

World/Inferno Friendship Society – Secret Service

Xabel Vegas & Las Uvas de la Ira – El Óxido

 

 

Xabel Vegas & Las Uvas de la Ira - El Óxido – Mushroom Pillow – 2008

 

Por aquí el término cantautor está muy denotado. No hay casi ningún artista que se autodenomine a sí mismo como tal ahora mismo, y en cambio sí que suelen atribuirse la denominación de songwriter. El concepto anglosajón sí, el original no. Los motivos pueden verse en toda la generación de cantautores que ha tenido España y que durante décadas triunfaron tanto. Por desgracia, la unión entre estos artistas y ciertos criterios, como ver en ellos estatismo u obsolescencia, están a la orden del día. Es el propio Xabel Vegas quien aclara que no es ningún cantautor en el dossier: “Soy muy cobarde y me gusto muy poco como para cantar sólo con la guitarra acústica; quiero hacer rock.” Pero cuando empieza a sonar El Óxido no se ve ese disco de rock tal y como se entiende “rock”, lo que sí que se ve es el folk propio de una persona que dota de una gran importancia la letra por encima de la melodía acompañante de éstas últimas.

Y es que las letras es lo mejor que tiene este trabajo, versos que ahondan en actitudes y vivencias personales, pero que como todas las buenas letras, se pueden personalizar en cada persona. Xabel Vegas dota a cada verso de un fraseo característico iniciado por su hermano en España, y que ha variado respecto a su primer EP, Canciones Sobre Traiciones y Mentiras (2007, Mushroom Pillow). En él se veían cinco canciones muy próximas a la discografía de Nacho Vegas, y ahora consigue una distinción mayor. Quizás un paso más que le separe de tanta sombra familiar, siempre pesada.

Para poner en pie las canciones se vale de nuevo de la banda Las Uvas de la Ira, está vez formada por: Jon Álvarez, Eras Sánchez, Eva Díaz y Alfredo González. Aunque la parte melódica tampoco está tan explotada, es más bien un soporte, muy bien trabajado, pero soporte. A veces se intercambia el papel protagonista de quién lleva a quién en la canción, si la letra o la propia melodía, pero suele ser la primera quien se haga con el dominio.

Todo primer largo es un examen para cualquier artista, y más si tiene detrás el peso de la gran obra hecha con Manta Ray, se busca en él un sello distintivo para seguir su obra. Este sello, el toque personal del músico bueno, Xabel Vegas lo consigue en su primera obra; sobre todo con dos canciones: “Dios Salve Al Rey” y “Aida ‘La Carbonera’”. Ambas son dos buenos ejemplos de letra y fuerza en el que sí puede verse ese “rock” que busca el gijonés, aunque se busque más bien el espíritu del género mítico y no su sonido propio. La primera es una letra perfecta, enrevesada, con juegos de significados, con un gran cambio de ritmo y con una ironía propia de los buenos escritores de canciones (que no cantautores). Y la segunda, sigue el mismo camino, las guitarras mantienen su papel protagonista, y el estilo de la narración recuerda a “Maldición” de su hermano, con personajes como Ezequiel, perdedores y olvidados por el resto de la sociedad.

Esta pareja no son las únicas que dejan un buen sabor de boca, también “Dulce Sangrar”, más templada con leves subidas y una duración de nada menos que siete minutos, “Exilio, País Natal”, compuesta de una letra que todos alguna vez sentimos como propia, y “Plan Num. #3#”, un buen broche final para el trabajo.

Entre medias quedan otras como la intimista “Encadenado”, voz, piano y amor, o “Enciéndeme”, con un buen ritmo, pero les falta un punto más que les impulse como las anteriores. Al igual que le pasa a “Junto Al Mar” con su constante repetición del estribillo.

Todo ello da pie a un álbum sólido, que le lleva por un camino construido en buenas canciones y buenas letras, sin referentes anglosajones (él prefiere su propia experiencia) pese a estar muy cercanos buenos nombres del género, e iniciando con él su (esperemos) prometedora carrera de fondo.

 

para Retro Música

 

Xabel Vegas – Neu!Club 17/02/07

The Right Ons – 80.81

 

 

The Right Ons – 80.81 – 2Fer Records – 2007

 

Baile, alegría y funk por todos los costados. The Right Ons presentan su puesta en largo de la mejor manera que podían hacer: Transmitiendo su fuerza en cada tema. La confianza otorgada por el reciente sello 2Fer Records en ellos, tras verles en directo y quedarse alucinados, no ha sido en balde. Los madrileños han firmado una propuesta muy destacable entre las diferentes apuestas nacionales del año pasado.

Aunque la influencia negra sea menor en directo, donde prefieren la contundencia de unas buenas guitarras rockeras, aquí la mezclan con el rock en mayores o menores dosis. Así los mejores temas, en los que hay mayor pegada, son los rápidos, como: “Do Your Thing Babe”, una elección infalible como single de presentación, combinan muy bien las tres voces de la banda Alvaro Guzmán (guitarra), Ramiro Nieto (batería), y Rafa Fernández (guitarra); “Get On Up” crea el ritmo con un riff propio del funk y una subida potente; “Pretty Suck” se mantiene con el vacile hasta la llegada del estribillo donde ya deciden cambiar para dejar paso a un buen instrumental; “Tell me bout the good times” prefiere también el bajo como referencia antes de dar la nota alta como “Easy If You Try”. El resto se divide en tempos más lentos como “I’ll Be There”, “Some Trime” y “Lyman Pt.”. Tres canciones para nivelar el álbum y no ofrecer sólo rapidez.

Ya para el final guardan dos de las mejores, oscuros con “Walking On the River” recuperando el rock más clásico, y “We Gotta Get Together” donde se suma todo lo ofertado en las anteriores canciones. Con este final el disco gana enteros, consiguiendo el disfrute que se proponen The Right Ons como objetivo. Demuestran que no son un simple grupo paralelo de sus otros proyectos principales (Jet Lag…), a lo que Paco Loco ha tenido que ver de nuevo.

 

para AbsolutZine

 

The Right Ons – Get On Up (Live at Radio3)

The Ettes – Shake the Dust

 

 

The Ettes – Shake the Dust – Sympathy For the Record Industry – 2006

 

Cuando les vi en directo en la sala El Sol hace unos meses me quedé asombrado, me vino rápidamente a la cabeza el DVD en directo de The White Stripes con su contundencia. Una canción tras otra y sonaban cada vez mejor, más hechizantes, algo tenían que no podías dejar de moverte y de prestar atención al sonido. La aparente tranquilidad con que permanecía Lindsay “Coco” Hames era contrarrestada por la locura de María “Poni” Silver a la batería, quien no descansa nunca. Fue tremendo. Con el buen gusto de su directo como teloneros de The Right Ons había que prestar atención al disco nada más llegar a casa.

Si la primera experiencia de acercamiento a The Ettes se saldó con un notable muy alto, la segunda lo mantiene. Una vez que das al play y comienza “Reputation” olvídate de todo, ya no puedes salir de la espiral de su sonido. Un sonido que mezcla el punk con el garage y con mucha chulería. No hay concesiones a florituras, lo que está presente es lo que estamos oyendo, un sonido crudo y directo como si las grabaciones de garage sesenteras volviesen a cobrar vida. Este hecho no es espontáneo ni arbitrario, detrás, a la producción, está el encargado de revitalizar el garage como pocos. Liam Watson, nombre que cogió a los chicos de blanco y les facturó el completo Elephant (2003, XL Recordings), retoma su buen hacer consiguiendo plasmar la misma fuerza que tienen en su directo en un estudio, algo que muchos parecen ignorar.

Así la potencia de “No More Surprise” lo contagia todo, subidas pegadizas, la batería que da pie a ello y unas guitarras que se reparten el protagonismo con la voz de Coco, la cual no falla en ninguna subida, o desentona por no llegar a su registro. Se ve el porqué de la rápida asociación con The White Stripes en un primer momento, la contundencia es la misma, esa fuerza de convertir los dos minutos en píldoras directas, lo único que no consiguen es la perfección de la guitarra de Jack White, pero eso ya son palabras mayores. Como si fuera un primer disco de Yeah Yeah Yeahs, o de la pareja de Detroit mencionada, cuando todavía no sabían el concepto de cuidar la imagen de cara al público y firmaban discos tan electrizantes como su homónimo en 1999, todo ello con referencias al pasado.

Y por si acaso nos cansábamos de tanta fuerza el disco hace un parón a partir de “Soft Focus”, se baja el ritmo, pasan a los medios tempos y lo siguen clavando. Aunque las mejores son las del inicio con “Dead And Gone”, un acierto en la elección como single, con los constantes breaks; “Alright” que rompe arriba genial y no para.

Todo esto lo disfrutamos un año más tarde de su salida por tierras anglosajonas y gracias al apoyo de 2Fer Records, este disco tenía que llegar como fuera a nuestras manos. Como escribió Rubén García para la Ruta 66: ¿Quién ha dicho que el rock ha muerto?

 

para Retro Música

 

The Ettes – Dead and Gone

 

Vancouvers – Quintessential

 

 

Vancouvers – Quintessential – Mondo – 1992

 

Otro de los buenos trabajos que andan ocultos a día de hoy por este país es el segundo trabajo de Vancouvers, la banda madrileña liderada por Marta Romero y Juan Santander (actualmente en Jet Lag). Como bien acostumbramos, dejamos de lado los buenos discos y aupamos otros varios años después que sólo repiten la fórmula sesentera con una notable producción, y lo más importante en la actualidad, con una sobresaliente promoción, pero sin contar con canciones que valgan la pena. El caso de Vancouvers es otro que añadir a la lista de grupos “malditos” –es decir, sin ni un mínimo de atención por la mayoría y olvidados por casi todos– que tanto aumenta por estas tierras.

La obra que dejaron no fue del todo un nuevo tótem, un nuevo sonido, o una reformulación notable de algo ya existente. Más bien hicieron todo lo contrario, tomar prestado unas referencias y después expandirlas hasta donde buenamente se pudiese con los medios disponibles. El sonido de los sesenta con el garage efectista se mezclaba según mejoraban con la No Wave, y con el grunge que se practicaba por estas fechas, todo ello a veces con dosis de una mezcla de power-pop y punk en la que los Ramones o los Stooges estaban presentes. El resultado final estuvo muy condicionado por lo ya mencionado: los medios disponibles. Firmaron por dos compañías independientes como fueron Polar y Mondo, la primera de ellas quebró tras la publicación de No Particular Place (1990, Polar), mientras que con la segunda volvieron a acabar enfrentados por la nula promoción de su trabajo. Finalmente cansados de estos roces y de estar a expensas de terceros, se deciden a crear su propio sello: Mojave, con el que publicarían sus siguientes álbumes.

El hecho de una promoción pésima plantea la incógnita de qué habría pasado si a este grupo lo hubiese impulsado otro sello, en este caso alguna major nacional. Hay que recordar que por 1990 estalla el boom de fichajes independientes y no había ni siquiera una mínima estructura como hay en la actualidad para otros grupos fuera de este negocio. De haberse dado este hecho los madrileños Vancouvers quizás seguirían hoy en activo, o como poco como un grupo a destacar de la década de los 90.

Con Quintessential (1992, Mondo) el paso es percibido, suenan más contundentes, con una pegada mayor. No Particular Place había sido una buena carta de presentación sin relevancia externa y a un nivel no acostumbrado por grupos nacionales en ese momento. Sin embargo faltaba otro paso, algo que definiese el sonido más allá de esa fórmula cercana al estereotipo sesentero oscuro, con reminiscencias a tantos grupos extranjeros y sin una aportación mayor. A penas en dos años esto cambió, se presentó otro sonido más cuidado, en el que las guitarras cambiaban la monotonía que a veces llevaban sin casi variaciones durante los temas, a mayores instrumentales en todas las canciones, la voz de Marta Romero se acerca a Deborah Harry y mejora el registro, así como el ritmo más pegadizo y alegre de todas las canciones.

Destacan cuando tiñen de distorsión la mayor parte del resultado, –“Finest Young Lady”, “Porno”– lo llevan a terrenos en los que mezclan toda la influencia extranjera de Sonic Youth o Sebadoh, –“The Comer”–, y los mismos sonidos oscuros que les caracterizaban pero mejorados en la presentación –“Well Bred”, “In My Garage”–.

El resto del trabajo combina canciones buenas pero sin tanto acierto final, de las que agradeces escuchar pero que no te quedas con ellas una vez terminadas. Así culminan su segundo disco a la espera de firmar un tercero con Paco Loco y rematar con su mejor obra. Un grupo que no tendría que ser olvidado de forma tan simplona. Esperemos que en un futuro se vuelva a reivindicar para que no caiga en el olvido y se reconozcan así sus buenos momentos.

 

para Retro Música

Two Gallants – The Throes

 

 

Two Gallants – The Throes – Alive Records– 2007

 

La pareja formada por Adam Stephens y Tyson Vogel han conseguido poco a poco irse creando su sitio, tal es así que su primer LP publicado por Alive en 2004 se ha reeditado este año con una canción extra y una tirada mayor de lo que fue en su momento. Hay que aprovechar la fama conseguida este año por la pareja de San Francisco, y sobre todo hay que rentabilizar ese posible puesto, bien merecido, de su trabajo homónimo entre lo mejor del 2007.

The Throes (2007, Alive Records) es de sobra conocido por los amantes de un género donde es imposible establecer barreras, debido a que los mejores grupos mezclan características desde el folk hasta el blues, incluso derivando al rock en muchos momentos. Two Gallants en ese sentido no tiene problema alguno, consigue rematar las lentas igual que las rápidas, no hay un hilo constante en el que dormirse con el álbum de fondo, sino que consiguen dar a sus formidables letras lo que necesitan: una carga melódica hecha a medida para cada ocasión.

Pese a la variedad en el sonido hay una constante que remite a los orígenes del blues o del folk ya sea en el fraseo o en la forma de contar las historias; son una pareja de jóvenes de 26 años pero conscientes de las raíces de esta música, lo que les ha llevado a recibir elogios por cualquier lado por una música que no peca de superficial buscando el sonido a cualquier coste.

Para ello comienzan con “You Losin’ Out” en la que la armónica juega un papel fundamental; “Two Days Short Tomorrow” con subidas y breaks donde recogen un blues electrificado; y cambiando el registro en la autobiográfica “Crow Jane”, quizás la mejor del trabajo; para volver a la mezcla con “Fail Hard To Regain” la cual impregna un ritmo alegre a una buena historia sobre el amor.

Empezaron por todo lo alto con The Throes y se han ido superando en los siguientes trabajos, algo difícil hoy en día. Letras trágicas, poéticas, y buena música, es imposible pedir más.

 

para AbsolutZine

 

Two Gallants – Crow Jane (Live at Houston, 2004)

Quique González – Entrevista

Quique González vuelve con su séptimo disco Avería y Redención

Calidad ante todo

Pocos artistas pueden mirar atrás ahora mismo y contemplar con orgullo siete discos publicados. Desde Personal (1998) el madrileño ha ido creciendo firmando grandes discos y creando un sonido propio.

“Nunca he tenido un público masivo pero sí muy selectivo y especial” comenta Quique González; bien podría ser este el resumen de su carrera, una carrera de fondo que le ha llevado poco a poco a confirmarse como uno de los mejores cantautores rock que hay en este país. Rechazando el éxito, pese a iniciarse con él tras presentar algún hit a las radiofórmulas, González ha sabido cuándo decir basta e irse por su cuenta para publicar grandes discos como Kamikazes Enamorados (2003). Ahora volvemos a tener la oportunidad de escucharle en directo este sábado en la sala Cabaret gracias a las Jornadas Musicales. Antes respondió a algunas preguntas con motivo de la publicación de su último álbum Avería y Redención.

Son siete discos y al pie del cañón, pocos pueden decir eso ahora mismo. ¿Cómo ves tu carrera?

Uno no es muy consciente de su propia evolución porque tampoco tiene perspectiva, lo está viviendo uno mismo. Para mí es un orgullo haber ido poco a poco creciendo disco a disco, con un nivel de producción casi a uno por año, algo que ahora no es muy habitual, lo cual no significa que sea siempre así. Durante este período he tenido las canciones y lo he aprovechado, ellas me han ayudado a seguir creciendo. Estoy orgulloso, pero es mi trabajo, es lo que me gusta.

Avería y Redención plantea un cambio y a la vez una continuación en algunas canciones con el sonido de La Noche Americana. Un buen rock alegre pero también la parte lenta más sentimental. ¿En la mezcla está la calidad? ¿En qué vía te sientes más ágil?

Siempre he hecho canciones más explícitas, quizás autobiográficas, y otras más narrativas, que contaban otras historias. Tampoco estoy seguro de que siga un estilo continuista de La Noche Americana, precisamente hemos intentado cambiar un poco el registro y la instrumentación para que sonara un poquito distinto. Creo que lo hemos conseguido. Pese a ello algunas canciones pueden estar más cerca ya que tienen dos años, fueron compuestas en el periodo del anterior disco, tanto musical como narrativamente.

Leyva, de Pereza, colabora en la canción “Avería y redención” ¿Cómo salió esta colaboración?

Es mi mejor amigo en esto, le admiro mucho como persona, como músico es un fuera de serie. Llega un nivel de amistad entre las dos bandas que ya no es una mera colaboración sino que es algo más casual. Nos vemos por el estudio, somos amigos y nos gusta lo que hacemos. No es de cara a la galería, es casi muchas veces por una cosa nuestra.

El nuevo disco lo forman diecisiete canciones, son muchas para un disco actualmente, ¿a qué se debe la selección de tantos temas?

En principio quería hacer un disco doble. Que el primer volumen fuese Avería y el segundo Redención. Grabamos un montón de temas, y al final creí que estaba bien dejarlo en diecisiete, todo guardaba un concepto común. En todos ellos había un sonido, un estilo de la banda y dejé los otros tres temas fuera. También me gusta ser generoso con mi público, nunca he tenido un público masivo pero sí muy selectivo y especial. Considero que cuanto más generoso sea más cerca van a estar de mí y más lo disfrutarán.

A Segovia has venido varias veces a actuar, ¿Cómo te ha acogido el público de esta ciudad? ¿Te gusta?

He ido bastantes veces; incluso mi pareja anterior vivía allí, conozco a su familia. La ciudad me gusta mucho, no sólo por la cercanía que tiene por Madrid, donde nací, sino por la gente que he conocido por allí. Tengo una conexión, en este sentido, segoviana. Siempre que he venido el público me ha acogido muy bien, han sido conciertos muy especiales.

para El Adelantado de Segovia

Quique González & Enrique Urquijo – Aunque tú no lo sepas (live)

Igloo – Una Luz de Estío Glaciar

Igloo – Una Luz de Estío Glaciar – Junk Records – 2007

Al parecer poco a poco se apuesta por parte de las discográficas, independientes en su mayoría por no decir en exclusiva, en los nuevos talentos que hay en este país. Grupos que pueden tener una calidad suficiente e incluso mejor que algunos extranjeros, y que por A o por B nadie confía en su propuesta musical a la hora de ventas. Ya sea por complejos o prejuicios absurdos, de lo que pasa por aquí estamos desinformados frente al boom constante del extranjero con vidas y milagros de los cantantes.

Aún así, siguen saliendo discos, discos que podrán quedarse en el olvido por la poca repercusión y la imposibilidad de los componentes a vivir de la música y mejorar en ella. El ejemplo actual es el primer mini-cd tras el largo homónimo publicado el año pasado por Igloo. Una luz de estío glacial trae consigo un sonido bueno, sin romper barreras y sin pedir que lo haga. Es un rock muy cercano al hardcore en las bases usadas, bases que se mantienen constantes con escasas variaciones durante todos los temas sobre los que la voz de Beni casa a la perfección. Acompañando a Beni están la pareja que creó la idea del proyecto: Diego Castro (bajo) y Juan Gil López (sintetizadores y programaciones) (ambos coincidieron en Moop y Deluxe), junto a David (Batería) y Selín (guitarra). Un grupo procedente de Vigo y derivando a sonidos que dejaba entrever con su “Igloo” (2006) entre un ambiente suave, con el pop de telón de fondo y las guitarras entre medias.

Ahora las guitarras son lo principal, situándose cerca de grupos a nivel nacional como los barceloneses Standstill, sin llegar a niveles tan herméticos, también a los últimos álbumes de La Habitación Roja con canciones como “Nadie Más”, la más cercana al pop, y en desvaríos instrumentales cuando suena “Shibuya” próximos a Lavadorama.

Una pena que no haya más discos que presenten propuestas similares a Igloo. Un mini-cd que si dejamos de lado la cover de la banda sonora de Twin Peaks, presenta cinco canciones con un buen sonido con el que disfrutar.

para Popchild

Devastations – Yes, U

Devastations – Yes, U – Beggars Banquet – 2007

Tercer largo de la banda australiana afincada entre Berlín y Londres. Ya con Coal (2006) entraron en Europa por la puerta grande, recibiendo elogios de toda la crítica y de grupos como Yeah Yeah Yeah hasta Einstuerzende Neubauten, lo tenían todo listo para convertirse en la banda más prometedora del momento.
Una larga gira por Estados Unidos y Europa, telonear a The National y a Tindersticks, grupo del que más toman en su sonido, les hizo llamar la atención de Beggars Banquet.Ya fichados por la discográfica británica se pusieron a componer su nuevo trabajo y en poco tiempo contaban con material de sobra para firmar otro disco. Si con el anterior consiguieron ser nominados al Australian Music Prize (AMP), con Yes, U conseguirán cualquier cosa que se propongan.

Los elogios no son en balde, no se busca un nuevo hype australiano en la línea de Wolfmother para poner singles a anuncios, lo que hay aquí es un grupo de una calidad excepcional, posiblemente de lo mejor que ha salido en unos cuantos años.

Yes, U atrapa en la primera escucha, destroza cualquier planteamiento de disco sencillo y consumible hecho para venderse bien, ahonda en un sonido oscuro, donde las letras parecen cobrar vida bajo la voz de Conrad Standish, muy parecida a la de Stuart Staples (Tindersticks), las melodías no intentan mantenerse en riff pegadizos sino en variaciones donde la batería bien puede mantenerse constante con los platillos levemente golpeados o bases construidas mezclando sintetizadores y teclados apagados.

Ya “Black Ice” engancha, consigue meterte dentro del disco con una subida distorsionada a mitad de tema, pero lo que llega después es perfecto, un hit oscuro donde perderse pensando en Tindersticks, Suicide o unos Velvet Underground del siglo XXI. La batería manda, la guitarra sólo se mantiene en segundo plano entre punteos, y la voz repitiendo el verso que da título al tema mientras que intercala un registro diferente, hiela cualquier vestigio alegre. Después de esto no hace falta más, ya vale la pena el trabajo por sí solo con ese único hit.

Por suerte no para ahí la cosa, el trío australiano tiene más que decir, “Rosa” sigue oscura, manteniendo un ritmo constante, subiendo hasta el final donde rompe en un instrumental alocado; “Pest” podría continuar en la línea de “Oh Me Oh My” pero prefiere intercalar solos de guitarra entre medias; “As Sparks Fly Upwards” se decanta por una línea más ambiental. “Mistakes” más tranquila en apariencia mantiene la distorsión con intermedios instrumentales; “Face of Love” muestra la cara más pop del grupo, en una balada preciosa entre el teclado y un tarareo pegadizo; “Avalanche Of Stars” nos ofrece otro medio tempo tranquilo; “Saddest Sound” hace honor al nombre y se marca la canción más triste e intimista del trabajo; y “Misericordia” finaliza con una instrumental basada en la distorsión y con Morricone como principal influencia.

En sólo dos años la evolución de Devastations ha sido enorme, Coal queda a años luz de Yes, U por no hablar de su debut homónimo en el 2003. Si han conseguido firmar éste trabajo casi en sus comienzos la proyección futura puede ser admirable, o por lo menos confiamos que así sea en pro de la buena música. Una obra que encumbrará al grupo más aún, que se situará entre lo mejor de éste año por motivos propios.

para AbsolutZine

Madee – L’Antarctica

Madee – L’Antarctica – BCore – 2007

Cuando el pop se hace bien siempre va impreso un sello de calidad en el trasfondo del sonido. El género más reformulado, más usado, más saturado de propuestas diferentes. El objetivo de hacer bien lo fácil es sin duda uno de los más difíciles. Ésta tarea es conseguida por los barceloneses tras cuatro discos habiendo mejorado en cada uno de ellos. De sonido propio podríamos hablar cuando se escucha L’Antarctica, de una esfera personal creada por ellos; resulta extraño pensar que alguna vez (cuando se llamaban Madison) éste sonido tenía el rock de Superchunk como grupo más cercano.

Podría dividirse el disco en dos mitades, una más cercana al pop y otra con el rock más centrado en las guitarras. La primera es donde más se lucen, con melodías intimistas con mínimo acompañamiento de base a veces, dejando la voz de Ramón Rodríguez suelta, libre, pudiendo expresarse por sí misma cargándose el peso de la canción sobre ella. Gran peso también es el que se deposita sobre los teclados a cuyo cargo se encuentra Marc Prats, bebiendo en éste aspecto del sonido de la banda de Robert Smith, o de Echo & the Bunnymen recreando ambientes íntimos pero más claros, evitando la oscuridad característica de ambos conjuntos. La apertura de L’Antartctica con “Transference #2” y “I am a green swimingpool”, para después a la mitad encontrarse con la pista que da título al disco y finalmente cerrando el ciclo con “Drive away”, son buenos ejemplos de éste sonido. La segunda parte va más cercana al rock de Snow Patrol o unos Clem Snide más rápidos. Guitarras basadas en riffs reiterados, contando con subidas en los estribillos y a veces tirando de coros para acompañar a Ramón Rodríguez. Además se incorporan elementos que enriquecen éstas melodías como secciones de viento y cuerda. Destacan “Polonium” siendo una de las más pegadizas del trabajo, y “A lack of bravery (Transference)”, donde el ritmo tranquilo que mantiene desde el inicio se rompe en un crescendo potente entre guitarras y batería.

Tras tres años de espera desde Orion’s Belt (2004) Madee retoma la senda de la buena música, firmando otro disco con el que aumentan el nivel de lo ya publicado y situándose en una posición avanzada en la escena de éste país.

MP3: “Mu”

para AbsolutZine

Nueva Vulcano – Los Días Señalados

Nueva Vulcano – Los Días Señalados – BCore – 2007

Aún hoy las independientes españolas deciden apostar por el formato 7”… no está todo perdido para el coleccionista y para el amante del pequeño vinilo. Mientras en el extranjero es un formato que cotiza al alza, sólo hay que ver las ediciones limitadas de 200 a 1000 copias que muchos grupos de la talla de The White Stripes, Arctic Monkeys o The Who publican con sus respectivos sellos, aquí es nula la presencia. BCore es la excepción demostrando su buen hacer a la hora de recuperar un sistema con el que descubrir nuevos grupos y a la vez disfrutar del diseño.

Nueva Vulcano es el grupo elegido para su nueva referencia. Dos pistas, una por cada cara. No hay más… ni menos. Guitarras con riffs potentes, batería constante, un bajo dominante, y una voz intentado dejarse oír entre tanto sonido, qué se note por qué están en el catálogo de la discográfica catalana junto a grupos como Lavadorama o Estrategia Lo Capto! Similares al estilo de sus compañeros mencionados, Nueva Vulcano no cae de forma clara en el hardcore aunque sí que lo toca en cierto modo. Mezcla un rock rápido con tendencia al punk, evitando estereotipos y bases repetitivas; a lo que se une la voz de Artur Estrada, quien les aporta un punto de diferenciación.

Sí, sólo dos canciones, pero si tienen éste nivel ¿para qué más? El grupo barcelonés sabe mantener la talla de su debut (“Principal Primavera”, 2004) y de su segundo disco (“Juego Entrópico”, 2005) con éste EP. ¡Viva el formato 7”!

para Popchild

Quique González – Entrevista

Quique González – Ajustando su directo

Ocho años por delante avalan a Quique González como uno de los más respetados cantautores del panorama español, muchos le alaban como músico de culto, otros no le entienden debido a su influencia anglosajona, pero siempre ha estado al pié del cañón. Esta vez vuelve a las andadas con un nuevo contrato discográfico con DRO y un directo bajo el brazo, “Ajuste de cuentas”, donde hace una revisión de su carrera destacando sus clásicos y cuatro nuevas canciones. Invitados de lujo, canciones con éxito, y no muchas palabras para responder a las preguntas, sí, ha vuelto el Kamikaze.

¿Cuál es el motivo para sacar un disco en directo después de ocho años desde tu primer disco y cuatro en tu haber?

El motivo es que creo que cinco discos contienen material suficiente para ofrecer un resumen en directo con mi banda y cerrar una etapa.

“Ajuste de cuentas” suena a algo pendiente, a algo reivindicativo o también crítico, ¿por qué este título?

Yo soy de los que cree que no hay mejor forma de vengarte que escribir una canción, si aceptas eso, todo consiste en un ajuste de cuentas.

Hay invitados en el disco; entre ellos Enrique Bunbury, Jorge Drexler, Ivan Ferreiro, Miguel Ríos y Rebeca Jiménez. Es lógico que Drexler cantase “Me agarraste”, ¿pero por qué Rebeca Jiménez no maravilló de nuevo con “Calles de Madrid”?

Preferíamos “De haberlo sabido” que es una canción expresamente escrita para una chica

¿Hay algún motivo especial de que cada uno cantase una canción y no otra, es decir, por qué Bunbury “Pequeño rock´n´roll”, Iván Ferreiro “Vidas cruzadas”, Miguel Ríos “Te lo dije”?

Bunbury, me dijo que la tenía entre ceja y ceja desde hacía tiempo. Iván ya versionaba esta canción y casi es medio suya. Miguel Ríos dijo que cantaría cualquiera que le pidiese, y me pareció que “Te lo dije” le iba como un guante. El es el rock.

Con 22 canciones haces una revisión a tu carrera, ¿alguna se ha quedado fuera?

Claro, he debido escribir ochenta o así que se han publicado. Quedan pendientes algunas para otro directo.

¿Podrías hablar un poco de las nuevas canciones (cuatro) y del DVD que acompañará al disco?

“A cara de perro” es una de piano y voz, en la onda de Kamikazes, supongo, “Por la borda” tiene un estilo distinto, y habla de lo que nos condicionan los errores que cometemos. “Caminando en círculos ” es una escrita para una película, “Arañazos de piel roja” suena muy Tom Waits, y también tiene que ver con la culpa y los errores.

Vuelves de nuevo a la empresa, algunos te tacharán de vendido o blando, pero tú dices que lo has hecho porque has aprendido tus limitaciones y tu verdadero fin es hacer canciones, ¿qué problemas hubo para que no pudieras continuar en solitario?

No vuelvo a la empresa porque no soy un asalariado. Podía haber seguido, pero todo el tiempo y la energía que necesito, la quiero utilizar en escribir y tocar canciones que es lo que sé hacer más o menos bien. Es difícil juzgar cuando no tienes todos los datos. A mi también me pasa a veces. Ha sido una gran experiencia, nada fácil en algún momento, pero estoy orgulloso de haber cumplido esa etapa, mucha gente habla de autoedición pero no muchos la hemos llevado a cabo de verdad.

Según tu experiencia, ¿ves posible la competencia de las discográficas independientes frente a las multinacionales?

Yo creo solo en las buenas canciones, y me da igual quien sea su padre. Hay cosas del mundo independiente que evidentemente, no se las cree nadie tampoco; como hay proyectos de “multis” que son auténticos, y encima, suenan bien.

Ya son ocho años como decía antes, en breves líneas cómo les resumirías

Ha habido de todo, pero lo más importante es que después de diez años no he parado de hacer cosas y de escribir canciones, sigo tocando y tengo un público fiel. Esto es poco a poco.

Ante todo defensor del directo por encima del disco ¿no? ¿Qué diferencia sientes al subirte al escenario que tocando en una habitación?

Son cosas distintas, en tu habitación no lo proyectas, en el escenario la lanzas fuera, me gustan las dos cosas.

Para Supernovapop