Jardín de la Croix – Pomeroy

 

 

Jardín de la Croix - Pomeroy - Not Label - 2008

 

Una bomba, una explosión de adrenalina, así es el primer disco de Jardín de la Croix. Sin palabras te quedas cuando escuchas el trabajo de un grupo que apenas llevan dos años y que grabaron este material en unos meses tras juntarse en Moratalaz (Madrid). El género post-rock se les queda corto, más bien lo que tenemos es un cóctel de math rock del bueno, sí, el de los grandes referentes; con un rock progresivo como base en muchas partes.

Para mí este género es uno de los mejores que existen cuando se hace bien, cuando hay originalidad tras las guitarras y no sólo riffs repetidos ad nauseam. Sorprende ver cómo dos de los mejores valores de la escena española, como son Muzak y desde ahora otro de mis favoritos: Jardín de la Croix; no tengan discográfica. Si bien Muzak publica bajo Trastienda y con Last Exist como managers, no deja de ser una discográfica que ofrece todo su catálogo de forma gratuita y con pocas ventas. Por no hablar de que los madrileños, con un producto tan bien acabado como es Pomeroy, se hayan tenido que autoeditar el CD. Así va la industria…

Está claro que Jardín de la Croix no llenará estadios, ni siquiera sonará de forma fácil y pegadiza en radios o Internet, pero es que no intentan eso. A través del math rock intentan rendir un homenaje a unas canciones instrumentales que recuerdan a Don Caballero desde un inicio, pero sin copiarlos, recuerdan a los inicios de The Mars Volta, cuando el grupo era pura dinamita y también tienen a Mogwai como aliados cuando tienen las partes más tranquilas.

No es fácil conseguir que una canción instrumental de nueve minutos se haga pasar como una de dos, desde el punto de vista de accesible y nula repetición. Un tema como es “Boston Steamer”, con 9 min y 25 exactamente, se convierte en el más destacado del conjunto. El más tranquilo en un inicio pero con unas variaciones y unas subidas que a uno le vuelven loco. Es un tema redondo, y de ser extranjeros, ya hubiesen sido alabados por muchos medios.

Y no sólo acaba el trabajo en una canción: “Suomi” se aferra a un riff más potente en combinación de otros más pausados; “Jesse Harding” tiene un inicio de género, con la tranquilidad que sabes que en cuanto pueda se va a convertir en dureza, como así pasa; “Antioquia” prefiere el experimento con otros sonidos sobre los que luego va añadiendo guitarras; y “Synaesthesia” juega entre subidas y bajadas.

Un trabajo redondo, que convierte a estos cuatro madrileños (Ander, Pablo, Hugo e Isra) en un grupo a tener muy presente para los amantes de las guitarras matemáticas, experimentales y ensoñadoras. Como juego se reservan una sorpresa final en un tema “oculto”, donde el flamenco aparece entre oscuridad y en segundo plano. Otra incógnita más sumada a los títulos de las canciones. Pomeroy es de lo mejor que se ha publicado este año en España y no tiene discográfica. Esperemos que en breve podamos leer que hay una continuación suya.

 

para Retro Música

 

Jardín de la Croix – Live

Corea – Quien Encuentra a la Madre Conoce a Los Hijos

 

 

Corea – Quien Encuentra a la Madre Conoce a Los Hijos – Astoria – 2007

 

Desde la costa levantina no sólo llegan tópicos con sombrillas de playa, bañadores hasta las axilas, y muchas camisetas de discotecas horteras, además también llega buena música. Alicante, y más concretamente Benejúzar, es la localidad donde está afincado este proyecto: Corea.

Tras el nombre del país asiático se hallan abreviaturas, letras unidas sin aparente sentido. Nr a los “ruidos y espasmos” (como dicen en su MySpace), Gm a la Ibañez, Cbr también con una Ibañez, Cll tras las “5 cuerdas”, y Ar en un rol más propio de pirata, con los “palos y parches”. Incertidumbre mantenida tanto en el cedé, como en la nota de prensa, los alias ocultan la fuerza y contundencia de cada miembro de Corea.

Este trabajo que disponemos ahora en formato compact disc anteriormente había sido publicado en formato de doble vinilo por el sello Existencia Records a finales de 2006, y ahora Astoria Records lo reedita con la ayuda del sello italiano Horror Vacui Theatre. Aunque el doble vinilo sea más cuidado, y que guarde todo su encanto, a día de hoy es muy difícil que un grupo pueda darse a conocer desde la nada con un proyecto así, y más si la promoción es inexistente.

Corea tienen que ser conocidos, no ya como posibilidad, sino como recomendación más que obligada para dar mayor fuerza a la escena española. Estilos como el post-rock o las mil variantes del emo, por aquí son muy escasas y tienen un público mayor en el extranjero (preferentemente EE.UU.) que en su país natal (por supuesto, en su ciudad nadie se imaginaría escuchar su disco junto a los Bisbales y Bustamantes).

Su propuesta está muy bien construida. Ya en 2004 consiguieron una mínima relevancia (no por la calidad, sino por el difícil acceso al trabajo en sí) con el primer largo, Los Peores 7 Kilómetros de Mi Vida (2004, Error!/Existencia), más duro que el que ahora mismo reeditan. Ahora prefieren centrarse más en las melodías de un post-rock tranquilo a mantener tanta pegada en todos los temas.

Con ello no se quiere decir que no haya momentos en los que la voz de Nr alcance el máximo desgarro, prueba de ello es “Lo Que Está Quieto Es Fácil de Retener”, sólo que priman más los desarrollos instrumentales en manos de las guitarras. Los nombres típicos del género como Mogwai o Neurosis se pueden ver, al igual que otros como Isis. El screamo que tanto está creciendo últimamente, aunque pueda denominarse a grupos muy dispares dentro de este género, tiene un gran valor a descubrir con este largo.

Las mejores se encuentran a la mitad del trabajo, con “Las Trincheras de Iván” en la que durante siete minutos alarga buenos instrumentales mantenidos e intercambia mínimas subidas; y con “Lo Rígido y Rígido Pertenece a la Muerte”, quizás la mejor de todo el disco, oscura y creciendo paso a paso.

Los valencianos prometen, situándose como una gran apuesta para el futuro, y que ahora sólo necesitan encontrar a su “madre” que les dé la relevancia adecuada para crecer. Los títulos trascendentales e interminables, ya los ponen ellos.

 

para AbsolutZine

 

Holy Fuck – LP

 

 

Holy Fuck – LP – Young Turks – 2007

 

Algunos proyectos emocionan más que otros, calan más en determinados amantes de la música que lo que pudieran hacer ciertos tipos de discos o grupos, y esto se debe a un hecho sencillo: la diversidad de la propuesta. Un disco de pop puede atraer, puede convertirse en un buen disco, pero si no goza de un cierto ápice de diferencia, está sin nada que lo distinga del resto, y por eso los canadienses Holy Fuck pueden levantar la cabeza tranquilamente después de haber publicado este trabajo, porque la magia con que cuentan es única.

Ya habían comenzado a experimentar hace dos años con un largo homónimo publicado por el colectivo Dependent Music –ejemplo a seguir para el futuro musical–; la jugada salió bien pero faltaba más práctica. El EP posterior al largo, más los dos años entre medias, han conseguido esa maduración necesaria en lo musical. Y ahora se presentan con un compendio sin brechas de ningún tipo, unidos todos los miembros en busca de buenas canciones.

Brian Borcherdt es, al parecer, una de las cabezas pensantes del proyecto. El songwriter canadiense ha estado en multitud de proyectos (Burnt Black, Trephines, Hot Carl Loves the Ladies, By Divine Right, Junior Blue) y tanta experiencia consigue estar bien plasmada a la hora de organizar a tantos músicos que forman Holy Fuck.

Por su parte, el largo se reparte entre nueve temas donde se produce una buena mezcla entre electrónica, experimental y un post-rock de base. Es la reformulación de este último género a partir de los primeros lo que atrae tanto. Todas las canciones prescinden de cualquier intento de añadir una voz posterior –si bien en varias aparece este elemento, sólo cumple una función ornamental–, sólo hay melodía desde el inicio hasta el final.

La atmósfera es un concepto que es tan recurrente en boca de muchos como la fotografía es para el cine en boca de otros tantos. Una atmósfera buena, una atmósfera ficticia o creada… mil variedades se pueden leer de qué es este concepto, y al final realmente se quedan en nada. Es en discos como éste donde el término atmósfera coge realmente significado, ya que todo se construye en base a algo, en base a dotar de un campo sonoro, de un espacio, y lo más importante, se consigue. Los canadienses logran a su manera igualar los logros de grupos como Sigur Ros, Mogwai o Don Caballero, y últimamente Battles. Todos ellos dejan a los instrumentos vagar libres y con una calidad muy destacada.

Aunque ellos apuestan por estructuras más libres, en las que se alarguen los solos instrumentales de bajos y baterías mezclados siempre bajo diferentes efectos, añadiendo el último elemento al sonido. Desde un inicio que no tiene pérdida con “Super Inuit (Live)”, distorsión, la voz en unas subidas propias de un manicomio, junto a una melodía oscura; a la aparente tranquilidad y luminosidad que trae consigo “Lovely Allen”. También tenemos la mecánica repetida de “The Pulse” que hipnotiza, las esas subidas tremendas de “Royal Gregory” y por si fuera poco, el caos oscuro de “Echo Sam”. ¿Acaso se puede pedir más?

La verdad es que sí, pero el resto de los temas, aunque están bien encaminados, no terminan de igualarse a los mencionados. Quizás no es posible a estas alturas pedir un disco redondo en este género o quizás es los canadienses estén aún muy verdes para ofrecerlo. De lo que no hay ninguna duda es que es un gran trabajo para los que admiramos este sonido y disfrutamos con perlas instrumentales tan bien construidas como las suyas. Y siempre será mejor un grupo que intenté arriesgar en la búsqueda de un nuevo resultado, a otro grupo que establezca el mismo pop de siempre pero con otro nombre.

 

para Retro Música

 

Holy Fuck -Lovely Allen at Metro, 05/23/07

Muzak – Emulsió

Muzak – Emulsió – Very Solid Groove Records – 2007

Hace poco Triángulo de Amor Bizarro me respondían a cómo estaba la escena española con: “sigue pasando lo de siempre, lo más interesante está muy enterrado por toneladas de basura”. Uno de los mejores ejemplos es este grupo: Muzak. Acaban de firmar uno de los discos del año, publicando su tercera referencia desde que comenzaron en el 2000 y aún hoy siguen siendo desconocidos para la mayoría.

Para más inri la publicación ha caído de nuevo bajo Very Solid Groove Records autoeditado con la banda, lo que refleja el escaso sitio que tienen estas propuestas en nuestra escena. En vez de un label con mayor presencia en el mercado, ha tenido que ser publicado por un sello que no goza de las condiciones necesarias impuestas por el sistema para poder distribuir, promocionar y dar a conocer el trabajo de los barceloneses. Ahora eso sí, si este disco hubiese sido firmado por un grupo de jóvenes en Glasgow ya lo tendríamos como portada en cualquier revista de tendencias.

Y es que Emulsió no es un disco cualquiera, la calidad que hay en él desde la primera canción hasta la última, ralla la perfección. Todo esto tras la publicación el año pasado de Escenes en Cercles (2006) bajo el mismo sello. Trabajo que ya les consolidó como grupo a seguir recibiendo buenas críticas por todos los lados. Y al parecer no había bastante, si Escenes en Cercles conseguía erigirse en la experimentación a la hora de construir los temas, ahora Emulsió ha dado un paso más en el sonido. Todo tiene más fuerza, mejor construido, y con ritmos nuevos en los que derivar. Sorprende el poco tiempo entre ambos trabajos y el salto tan grande que se ve en ellos.

El ejemplo donde llevan todo hasta el último extremo es en la combinación de tres temas en uno solo: “Mediterraneo/Necio/Bso”. Los casi catorce minutos de duración juegan con acercamientos al free jazz, tanto en el saxo como en la batería, como con partes de post-rock potente en las guitarras. Evitando la separación de las temas de forma evidente, con breaks que cambian el ritmo como si se intentase hacer un solo ejercicio de experimentación.

El resto también posee algo que les hace imparables. La batería jazzy con el riff pegadizo de “No Madrid No” que rompe la canción en dos; la oscura “Valdric” en la que el saxo se halla por detrás de una melodía post-rock fuerte; la influencia del kraut-rock que modifican a su antojo en “Vigor Mountain” o el cierre experimental de “Marion Grey” en el que combinan todos los instrumentos variando el ritmo. Por el camino se queda la extraña “Invocando a Mabuse” entre experimento y juego, con la intriga de si es el pintor renacentista quien da nombre al tema y el por qué de su elección.

Un disco imprescindible para tener en la discoteca personal de cada uno, a nivel de grandes como Tortoise o Mogwai. Esperemos que sigan teniendo la posibilidad de publicar más trabajos, ya sea fuera o dentro de España, pero que sigan mejorando para poder disfrutar de su música. ¡Una maravilla!

para AbsolutZine

Muzak – Emulsió

iLiKETRAiNS – Elegies to Lessons Learnt

iLiKETRAiNS – Elegies to Lessons Learnt – Beggars Banquet – 2007

Oscuridad es el adjetivo que mejor resume el trabajo de iLiKETRAiNS. Para su puesta en largo han decidido seguir con este calificativo adquirido anteriormente con sus singles y su primer EP. La diferencia ahora radica en la calidad, si antes sonaban dentro del molde clásico del post-rock oscuro e intimista, ahora la gama de matices varía más, aunque sin llegar a separarse del género.

Progress – Reform (2006) supuso para los amantes de este sonido un descubrimiento al que añadir en su discoteca particular. La cercanía a Godspeed You! Black Emperor era palpable y muy agradecida, grandes solos instrumentales que llegaban al punto álgido del tema y rompían sin dilación. Ahora los de Leeds han fichado para el label inglés Beggars Banquet tras pasar por Fierce Panda Records. El fichaje demuestra la calidad del proyecto ya que el catálogo de Beggars no es precisamente de bajo nivel, a lo que va unido la relevancia que han llegado a conseguir iLiKETRAiNS siendo portadas de publicaciones tan dispares como NME o Financial Times. Por los pasos dados hasta ahora la publicación en largo sólo podría traer buenas noticias si continuaban con lo hecho.

El resultado es soberbio, ya no sólo desde el punto de vista del género, sino como obra artística. Goza de todos los componentes necesarios para ser disfrutada sin cansarse de ella. Desde el diseño del trabajo, donde se apuesta por la unión entre dibujo y cartón para proteger al disco, hasta la carga histórica de las letras. Estas últimas conjugan un álbum conceptual formando un manual con el que intentar ayudar al ser humano a que no caiga en los mismos errores históricos que hasta ahora ha ido repitiendo cíclicamente.

Así nos encontramos con grandes acontecimientos pasados, desde los juicios de las brujas de Salem (“We Go Hunting”) hasta la huida de la primera persona de la República Democrática Alemana (“Come Over”), pasando por la plaga bubónica que llegó a Eyam tras extenderse por Londres en 1965 (“We All Fall Down”). La intención por parte de los de Leeds de conseguir transmitir una enseñanza con estos temas, carga de valor añadido a cada canción por encima de letras banales en las que el valor es mínimo frente a la melodía. La única pega con la que podemos topar es la constancia en la voz de David Martin, es casi nula la variación de su tono durante todo el disco. Mantiene el fraseo en todas las partes igual, no hay ningún verso, por mucha carga dramática que lleve, que sea entonado diferente. Resultado que no empaña el conjunto, pero si hubiese sido diferente quizás estaríamos ante una obra de mayor calidad.

El punto álgido es conseguido al final, con el recuerdo al único primer ministro británico asesinado, “Spencer Perceval”. Son nueve minutos donde se crea una atmósfera en la que diferentes ritmos van entrando y variando el sonido, solemne tras un inicio apagado y una mitad en la que la mecha explota como anticipo del final instrumental en el que la batería y las guitarras tienen el dominio.

El resto de las canciones varían entre tempos más movidos y otros calmados, teniendo casi todas un final potente con el que rematar sea cual sea la melodía previa a ello. “We All Fall Down” consigue un inicio increíble, el cual “The Deception” mantiene dando una visión pesimista del mundo acrecentada por “Death of an Idealist”, dejando la temática para que “Death Is the End” ponga el remache final para cerrar el conjunto. Un conjunto que bien recuerda a The Black Heart Procession o a Sigur Rós, con el que la presentación de iLiKETRAiNS no sólo mantiene la calidad demostrada hasta ahora, sino que se convierte en otro grupo a seguir dentro del género.

para AbsolutZine

Don’t Mess With Texas – Los Días de Junio

Don’t Mess With Texas – Los Días de Junio – Monlee Records – 2007

Ya no sorprende que un sinfín de grupos publique discos, que haya una gran variedad de propuestas y muchas de ellas pecando de una similitud casi idéntica, o que grupos formados por niños graben discos y que figuras de la talla de Lou Reed o David Bowie les hagan de padrinos por haberse encandilado de ellos.

Lo que sí mantiene un poco la sorpresa es que te llegue un disco firmado por un grupo croata que ha publicado con una discográfica eslovena, que implique a Texas en su pseudónimo, y firme su segundo largo con un título en español. Aquí los hilos se juntan, la globalización nos permite esto: fusión de todos los mercados en uno, producción allí, promoción aquí.

Mejor presentar al grupo en cuestión: Formado en 2004 en Zabreb (Croacia), tras la disolución de Radio Free. Isaac, Neven, Ozren y Sasa se juntan con la intención de empezar de cero, llamarán a Ivana que será sustituido por Slobich tras grabar su primer trabajo homónimo ese mismo año. Tras girar por Europa con resultados bastante buenos vuelven al estudio para comenzar su segundo largo. Deciden grabar en una sala grande de cine las nueve canciones de Los Días de Junio. Producido por ellos mismos y masterizado finalmente por Carl Saff (We Ragazzi, Small Arms Dealer, Xiu Xiu, CocoRosie…).

El sonido en cuestión se engloba dentro de la corriente de rock instrumental, del post-rock. No hay ni una voz en todo el disco, nada que no pueda salir de las guitarras, del bajo, teclado o batería. Los cuales se intercalan en el sonido típico del género, subidas con guitarras potentes y distorsión, un teclado muy presente en todas las canciones, sobre todo en las partes más lentas donde lleva el ritmo, y la batería marcando el compás a la vez que el bajo.

Similar a grupos como Don Caballero (salvando las distancias), o a unos Crippled Black Phoenix evitando ruidos externos. Temas como “Los Días de Junio”, “He Builds Houses Like Trees”, “14:47” y “We Are All Astronauts”, casualmente el inicio y cierre del disco, destacan entre los demás por el juego que hacen variando el tempo.

Muy agradable el descubrimiento de éste grupo si te gusta el género. Un gran disco al que su procedencia añade cierto regustillo para los melómanos insaciables en encontrar rarezas en los lugares más extraños.

para AbsolutZine

Schwarz – Heaven Gazers

Schwarz – Heaven Gazers – 2007 – Acuarela

Cuando un disco empieza con guitarras potentes, batería de fondo y nada de voz, es un buen comienzo si luego se mantiene. Sobra decir que estos ingredientes deben de poseer calidad en sus acordes, en las texturas que crean. Nos encontramos con el sexto trabajo de Schwarz y por suerte la constante de él se va a componer de lo anteriormente descrito. Los murcianos tiñen de post-rock (aunque no les guste la etiqueta) cada canción y no se les decolora el resultado. La calidad buscada en el inicio fuerte es respondida con nota y gancho.

Es la revisión de Suicide, dejando de lado los ruidos, los breves lapsos estrafalarios, que el grupo de Nueva York introducía entre acorde y acorde; de nuevo la revisión de la escena propia de ésta ciudad (la No Wave) por parte del post-rock. Oscuridad frente a la fuerza de las guitarras en algunos tramos. La voz de Alfonso Alfonso guarda gran parecido en el timbre con la de Alan Vega y saben aprovechar la intensidad de ésta para usarla como un instrumento más. En canciones como “Angels” (una de las mejores del disco) es donde más brilla gracias al acierto instrumental que tiene de acompañamiento, también en “She Took My Hand” entre la contundencia por parte de las guitarras y la batería que luego retrocede para dar paso a un intermedio ambiental donde entra la voz. La cruz es el exceso, precisamente en ésta última canción cuyo final se hace interminable, de desarrollos de ambient usados que cargan y empeoran el ritmo anterior. También la reiteración de constantes estructuras sin variaciones dentro de una misma pista cuando se espera un cambio en el ritmo que mejoraría el resultado (el final de “Fuzz Tazz” entre otras). Donde aportan más contundencia es en la instrumental “Esoterica” (el otro hit del disco), la cual sigue el sonido de Mogwai: inicio tranquilo que va ascendiendo mediante la incursión de ritmos para finalmente romper entre guitarras, batería y distorsión.

Podría ser usado el cliché de nueva etapa para éste trabajo al ser el primero publicado bajo el sello Acuarela, tras su larga estancia en Astro Discos, pero los murcianos siguen dando vueltas a su sonido, y en una discográfica o en otra, su etapa empezó hace diez años, no hace unos meses. Resultado cercano al notable con algunos bajones que esperemos se limen en siguientes trabajos.

para Popchild