El grupo granadino presentó su nuevo disco en Madrid ante un público totalmente entregado a sus canciones y en una sala que presentaba un lleno hasta la bandera. Sin duda la Joy Eslava ya se les queda pequeña a unos Lori Meyers cuyo nombre ha terminado de dar el salto a la primera división. Y eso se hace evidente más que nunca en sus directos, en los que la mitad del tiempo el público hace los coros a Noni. Cronolánea es un buen disco en el que el grupo ha preferido madurar el sonido con melodías más trabajadas, pero a la hora de llevarlo al directo a los granadinos todavía les falta rodar esa parte del repertorio. En Madrid, la voz de Noni no sonó tan clara en vivo como en el estudio y en muchas ocasiones sonaba demasiado apagada y sepultada por las guitarras. Además las nuevas canciones resultan menos inmediatas que pasados hits del calibre de “Mujer esponja” o “Tokio ya no nos quiere”, que volvieron a recuperar para disfrute de sus incondicionales, y que -no es casualidad- resultaron los de más pegada. En cualquier caso disfrutamos de un magnífico concierto de una banda que (¡grandes noticias!) pese a sus saltos de gigante todavía no ha parado de crecer.
Tras Da se halla Daniel Garuz, ex componente de varias bandas de la escena independiente española como Muy Poca Gente, Pulmón y la principal: La Costa Brava. Hace ya tres años decidió separarse de los costeños para probar por libre y firmar un debut accesible con Mushroom Pillow, la misma compañía que tenían antes LCB antes de su despido. Al parecer no llegó a dar los frutos esperados y Daniel Garuz ahora se ha tenido que autoeditar su segundo disco prescindiendo de compañías como tantos otros grupos (¿posible solución de futuro en veinte años?).
Dormidos en el Zoo (2005, Mushroom Pillow) contaba con un el pop bien hecho, demostrando el porqué estuvo en esos grupos y sunivel de influencia en ellos. Quizás el grupo de Sergio Algora (ex El Niño Gusano y ex Muy Poca Gente) y Fran Fernández le impidiese ir a más en sus composiciones, aunque el sonido que puede apreciarse en bastante cercano a ellos, quizás más electrónico en algunos momentos, y bastante peor en la mayoría, en especial en las letras, donde se entiende la autoría de dos grandes escritores como son el dueto Algora-Fernández.
La segunda parte de esta carrera en solitario viene con Pulse y Espere, una continuación menor de lo primero que presentó el zaragozano. Algunos de los temas son composiciones que llegan incluso a resultar desagradables como puede ser “Warro”, con una melodía idéntica a lo hecho con LCB y con la letra estilo El Chivi. Mejores que ésta, pero sin llegar muy lejos, están “Horizonte”, repitiendo todo el rato lo mismo sin variación; “Todo Bien Esta Noche”, que cuenta con una parte electrónica mejor pero le sigue faltando otro añadido; y “Claro Que Sí”, prefiriendo una balada donde la letra de (des)amor juega una mayor baza.
También firma mejores canciones, como la inicial “Tengo Ganas”, un tema pop pegadizo y alegre con un buen resultado en el cambio hacia el uso de un vocoder; “Siguiendo Las Flechas”,más movido y con la aportación de una voz femenina tras la back vocal; y en el final otros como “Nuevos Hombres” y “Desperados” dan otro empujón a los anteriores.
Demasiados altibajos para un sonido que deja un buen sabor de boca pero que nunca llega a culminar. La electrónica, el pop, e incluso el hip hop se mezclan sin dar con el momento clave. Será cuestión de ir mejorando, el camino está iniciado.
Avalada por las buenas críticas en revistas como Mondosonoro o Rockdelux, y primeros puestos como una de las mejores maquetas españolas del año pasado, La Bien Querida ha iniciado su carrera musical como pocos. Ahora el proyecto de Ana Fernández-Villaverde está bajo la tutela del sello Elefant Records y grabando lo que será su primer largo. Antes de la salida de éste, recuperamos su demo del año pasado.
La Bien Querida ahonda en el género donde grupos como La Buena Vida o Le Mans se ganaron sus elogios con obras redondas y delicadas. Pero esta proximidad no significa que esté en el llamado Donosti sound, moda de la cual ya no se habla por suerte. Su sonido guarda similitudes en cuanto a la manera de abordar el pop y la manera de cantar, con mayor presencia que Irantzu Valencia respecto a los instrumentos, pero tampoco muy lejos. Todas las canciones piden los mismos arreglos que las de los donostiarras pero hay que ver que no deja de ser una demo y no hay medios para grabar más.
Detrás de La Bien Querida también está una figura bastante influyente en el indie español: Antonio Luque (Sr. Chinarro). El sevillano ha apadrinado a la madrileña y ha puesto voces incluso a “Adn”. Otro apoyo más de renombre para el proyecto.
La influencia de la carrera de Chinarro deja su huella en la mejor de la demo: “El Zoo Absoluto”, más oscura y rápida que el resto. El resto se divide entre letras de amor y desamor bien escritas y mejor llevadas a la práctica por la suave voz de Ana Fernández. “Corpus Christi” es el tema típico de pop naif que con unos buenos arreglos de fondo ganaría muchos enteros, “96” recupera una historia de recuerdos con una leve back vocal, pidiendo a gritos también una mejor producción, y “Monte de Piedad” es la más modosita sin apariencia de romper un plato.
Ahora nos toca esperar a ver por dónde tirará La Bien Querida en su primer largo, aunque el fichaje por Elefant y la trayectoria del sello, hace pensar en la estela de Le Mans y del buen pop sencillo. No sé si se ha dado a conocer el nombre del productor ya, pero si fuese Ibon Errazkin, este proyecto muchísimo ganaría en sonido. Otro grupo que apunta a tener un futuro prometedor en el indie español.
La entrega anual del recopilatorio de Jabalina, llega a nuestras manos en un formato digipack como nos tienen acostumbrados. Se cuida desde el primer detalle. La idea de recopilar canciones bajo una misma temática surgió en 2003 con Teoría y Práctica Melódica Vol. I – 10 años de espíritu Jabalina y se ha ido continuando año tras año variando el concepto desde viajes, hasta cuentos de navidad. La versión presente no podía estar más de actualidad; con los Juegos Olímpicos a unos meses para que se celebren, la escena indie española canta sobre el deporte.
El recopilatorio reúne a gran parte de los grupos que han cantado en los últimos años sobre el deporte y sus diferentes ramas. Priman, como es lógico, los artistas del sello, firmando ocho de los 23 cortes del disco. Pero el dato más relevante para diferenciar al recopilatorio del resto, son las 16 canciones que ofrece inéditas, frente a 7 ya publicadas; un dato no habitual en este tipo de trabajos.
Hay de todo, desde el indie pop más suave de Souvlaki, hasta el estilo crooner de Llum, proyecto en solitario de Jesús Saez de Polar, quienes también incluyen otra inédita bajo el título “Requiem for B. Johnson”. La variedad está asegurada, pero siempre mantenida bajo el mismo nexo de las letras deportivas.
Las ya conocidas por el público son la intimista “Naves que dan vueltas a un balón” de Prin’ Lalá, “Olímpicos” de La Costa Brava;además de las que interpretan Souvenir, Uke, Ama, Apeninoy “Nadia” de Francisco Nixon. Todas ellas pequeños dardos pop que van desde el electro pop recién adquirido de Souvenir, al gusto por la escuela donostiarra de Ama.
Respecto a las nuevas hay demasiadas como para destacar todas. Entre ellas, por mayor renombre, destacan las inéditas de Travolta, de menos de dos minutos, donde comprimen su pop orquestado en un buen tema; “Evelyn Ashford” de Nadadora, “Lobo Estepario Contra Caballos Desbocados en JJ.Oo.” firmada por Pumuky, con su atmósfera personal ahora con una distorsión y oscuridad continuada; y “Se Va el Avión a Pekín” de Flow por parte de un remix a cargo de Suze.
En los pequeños grupos Olivia de Happyland deja su particular homenaje en el sonido a Vainica Doble con un buen tema como es “Si Existe Cielo”, Linda Guilala teniendo a Juniper Moon y a Los Fresones Rebeldes en el punto de mira con “La Fuga de Nadia Comaneci”, y Nebulosa, pseudónimo tras el que se esconde Charlie Misterio, firma un gracioso tema en “Ba-Ba-Badminton”.
Jabalina demuestra de nuevo su buen gusto en la selección y en la unión de temas sobre un mismo punto. Un recopilatorio con una hora y veinte de buena música estatal.
Diferente que la mayoría de las propuestas del pop nacional, Elodio y Los Seres Queridos, particular desde el propio nombre elegido para la banda, se estrenan con su primer disco Esto Que Tienes Delante, un trabajo donde los referentes pop se mezclan con influencias que van a terrenos más electrónicos en algunos casos, y al folk en otros.
Cuatro personas se encuentran bajo el pseudónimo tan particular: Manuel Santamaría (piano, teclados y coros), Pablo Muñíz (bajo), Eladio Santos (voz, guitarra acústica, eléctrica y española y flauta barroca), y Juan de Dios, en todo lo referente a producción y programaciones, además de añadir guitarras, saxo… Éste último se encarga de firmarles una producción muy lograda evitando de situar la voz de Eladio al fondo y ocultarla tras arreglos innecesarios. Prevalece en todas como primer valor y así defiende las letras. Letras que tienen un lugar destacado por abordar temas como amor o temas corrientes sin caer en versos recurrentes y previsibles, salvo en algún estribillo demasiado al uso.
Comienzan con “Mentes Cerradas”, donde empiezan sus coqueteos con el techno-pop, desde Family hasta Carlos Berlanga, una base que consigue un tema bastante pegadizo. A éste le siguen “No Quiero Perderte”, el primero que abre la parte más lenta de los vigueses, que baja el tempo pero reitera demasiado el estribillo en contra de los buenos versos que lo anteceden, más lentos aún se muestran en “Desnuda la Verdad”, donde el piano pone el único adorno en el terreno para que Eladio cante un buen tema de amor e intimista, de las más acertadas del trabajo; al igual que “La Suprema Satisfacción”, esta vez con el viento como aliado y una posterior experimentación. Antes también siguen la estela de Family con “Espanha a Las 8”, pop alegre y graciosos versos, “Sueño de Dios” donde prefieren apostar por terrenos más oscuros; y “Al Himalaya”, otro buen tema pop con un sonido bastante consolidado.
A la vez que se acercan al indie desde terrenos maduros, apuestan por el pop de raíces españolas estilo Antonio Vega o Carlos Tena, y no lo hacen nada mal, prueba de ello es “Medidas Desesperadas” o “Las Leyes del Amor”, donde también podría verse alguna influencia de La Costa Brava, a los que más se aproximan como grupo. Elodio y Los Seres Queridos han empezado ahora pero el trabajo promete, tanto en letras, pese a que hay que pulirlas un poco más, como en sonido. Otro lanzamiento a tener en cuenta en un futuro, con el apoyo de Grabaciones En El Mar detrás, aportando nuevas ideas a la escena nacional.
Los granadinos vuelven, y vuelven con fuerza, cargados con material para hacer disfrutar de la mejor manera que saben: con un pop de línea clásica pero adaptado al 2008 como pocos hacen. Esquivando definitivamente el tópico de hermanos pequeños de Los Planetas, Lori Meyers demuestran, desde la aparente sencillez de su propuesta, que ellos son ahora mismo una de las cabezas pensantes que hay en el pop indie español.
Dicha plaza no la han conseguido con una propuesta banal y un pop de usar y tirar, sino que treslargos les han confirmado con un sonido propio, unas letras peculiares y una querencia por el sonido sesentero muy bien camuflada según avanzan en su carrera. Viaje de Estudios (2004, Houston Party Records) fue un buen soplo de aíre fresco entre tanto grupo novel con la misma fórmula. Con su presentación ya apuntaban maneras, en especial con “Tokio ya no nos quiere”, el que a la larga se ha convertido en uno de sus himnos más solicitados. En vez de quedarse en el estatismo que trajo éxito, ellos deciden soltarse más y hacer su pop más personal en Hostal Pimodán (2005, Houston Party), donde había vestigios de sus inicios, pero sólo en un año parecía otro grupo totalmente diferente. Más cercanos a veces a Love of Lesbian que a Los Planetas, pese a que la unión con estos resulta inevitable por muchas similitudes en sus carreras.
Y ahora era la pregunta de qué vendrá después de la trifulca con su anterior sello y la inserción en el catálogo de Universal, aunque bajo un subsello que va de “indie” como es Mandarina Records. Si el miedo era que Lori Meyers hiciesen como The Sunday Driversen cuanto vieron el filón, es decir, pop sencillo, fórmula típica y público absorbido por la MTv y su línea de pensamiento, ese miedo está saldado al completo. No hay una comercialización hacia un pop destinado más a ventas que a la propia música, no hay unas letras que digan cosas absurdas con tal de pegar con el riff y el break más pegadizo encontrado. Los granadinos son ellos de nuevo, e incluso, son más que nunca un grupo aparte.
Lo que más sorprende es la letra de “Sin Compasión”, donde se ve a la banda más reivindicativa que nunca, todo bajo supop característico pero con una amargura plasmada en versos como: “Dejándome la piel por conseguir un sueño/ (…)/ La monarquía se ha instalado en mi cabeza/ raro es el día que no pide de comer/ yo me veo al final de la escalera/ donde los pobres no reclaman su poder”. Muchos dirán que para eso ya hay Autes y Dylans haciendo mejores letras. Sí, es cierto. Pero la combinación tan buena de pop alegre y de una letra más allá de los típicos temas sobre amor y egos, es algo a lo que no estamos muy acostumbrados.
¿Entonces qué es lo que nos ofrecen Lori Meyers en su tercera entrega? La revisión de los sesenta con bandas españolas como Los Brincos, Los Íberos, o Los Pekenikes, todas ellas influenciadas por las bandas británicas del momento como The Beatles, The Who, y los que podían acceder a otros discos, Small Faces y a The Kinks. Si los en el DNI de la banda pusiera Suecia o Glasgow en vez de Granada, estaríamos ante un disco pop tan destacable como los de Labrador o Belle & Sebastian, y no es tirar por alto, es que se infravalora demasiado a un grupo que en vez de decidir poner a un cantante sin voz y en un segundo plano para que no demuestre su escasa calidad, sitúan a tres voces nada menos, y las tres resuelven la papeleta igual de bien.
Casi no se ha hablado en particular de las canciones, pero es que no hace falta. Ellas se defienden por sí solas, aguantan una primera escucha igual de bien que una vigésima, en la que ya se convierten en canciones que recuerdas como una banda sonora propia, un himno personal alegre que tararear. Desde “Luciérnagas y Mariposas” a “Luces de Neón”, trece cortes en los que cada uno escogerá su favorito.
Tercera entrega esperada y camino de ser pódium para lo mejor del año, ya que sus máximos “rivales” publicaron en el 2007, y para este 2008 el pastel parece repartirse entre Lori Meyers, Sr. Chinarro y alguno por ahí que dé la sorpresa. Ahora a disfrutar, un disco recomendable para los amantes del pop por el pop.
Respecto a los grupos de por aquí se suele correr la imprudencia de etiquetar todo como idéntico y por tanto, de mala calidad al ser más de lo mismo. Jonston no es otro proyecto más que caiga en el tópico de pop para no sacar ningún provecho de él. No lo es y no lo ha sido, ya que Jonston proviene de los desaparecidos Detergente, al igual que la otra vía que se fueron para Cohete (uno de los grupos que más prometen de aquí a un tiempo).
La cultura musical de un artista es quizás uno de sus valores más importantes, ya que luego, en la mayoría de los casos, se ve plasmada en su obra. No son copias ni meros calcos, sino que se bebe de forma muy acertada cuando se hace con buena cabeza. José Jonston parece haber crecido con los LPs de The Kinks, la manera de cantar de Ray Davies y la claridad de Neil Young. Las influencias se complementan con otro nombre imprescindible cuando se habla de él: Robyn Hitchcock. Así el madrileño coge el pop más elegante y lo hace suyo de buena manera.
Uno de sus aciertos se ve en las letras de las canciones, añadiendo un valor muy importante a las melodías con estribillos mínimos pero muy pegadizos, y versos con dobles significados. El otro acierto es la voz que usa para poner en pie a estos versos, se desmarca de mandar la voz al fondo y la pone lo más arriba posible de la melodía, se le entiende a la perfección (algo raro a veces por aquí…) y demuestra tener una buena voz.
La elegida para el single de presentación es sin duda la mejor de todo el trabajo. “El Cuentacuentos” es la canción pop por excelencia, que no paras de repetir hasta que acabas aprendiéndote la letra al dedillo. Se sale de los esquemas de los tres minutos para preferir los cinco y remata un estribillo muy original. La segunda es “Emilio”, una canción íntima con una letra que mantiene el doble juego de la felicidad y finalmente la tristeza. Por si no fuse poco con el primer hit de pop, deja otros como “El Fantasma De Alicia” y “Carenguejo, Lua E Ondas”, donde las guitarras cogen más importancia.
También tiene algún que otro traspié, “Teléfonoh” no cuaja en los dos minutos de duración, pese al intento de gracia que puede apuntar; “100 Latidos Por Segundo” y “El Controlador De La Hora” no le igualan tanto como las otras con Ron Sexmith y pierde cierto nivel.
Como conjunto es un disco pop muy de agradecer, un debut a destacar en el 2007 y con la confianza de tener a Limbo Starr (por ahora no ha sacado ni un disco malo…) detrás apoyándole. Esperemos a ver cómo crece el madrileño que por ahora promete.
Ya se sabe el tópico que suele darse a las segundas entregas de los grupos, que si confirmación, que si demostración real…; pero cuando los artistas en cuestión no sólo no publican su segunda referencia, sino que ésta ya supera los dos dígitos, todo escapa de lo establecido para esperarse cualquier cosa. Travolta, de la mano de Joaquín Pascual y Carlos Cuevas, tiene esa característica a su favor, de no necesitar un reconocimiento o una superación constante,sino que el resultado sale tal y como es.
No han esperado ni siquiera un año tras El Efecto Amor (2007, Mushroom Pillow) y los buenos resultados que con éste cosecharon, para sacarse de la manga otro largo de diez temas. Todo vuelve a casar como en su momento, Paco Loco retoma el papel de productor y la banda al completo se haya detrás de las canciones, en las que también han colaborado para la ocasión, miembros de Ciudadano, Remate y Triángulo de Amor Bizarro; Julián U. Muñoz, batería de estos últimos, ha sido quien ha aportado la carátula del trabajo. Un dato curioso a añadir en la parte meramente técnica, es la masterización por parte del joven Nathan Fake llevada a cabo en Nueva York.
Pero lo más importante son las canciones por sí solas. El listón estaba muy alto, casi imposible de superar si vemos cómo su primera referencia se aupó en los principales puestos de lo mejor del año 2007, a lo que se une el escaso tiempo entre medias, la gira de presentación y todos los actos promocionales. En estas circunstancias muchos habrían desistido y hubiesen preferido un descanso, pero al parecer ellos no. Encima lo que presenciamos al reproducir Manual de Redención por primera vez no es una segunda parte de su presentación, sino que hay un cambio en el sonido, no aparece el pop orquestado tan claro de canciones como “Telescopio” o hits pop al estilo “Corazón Valiente”, nada de nada, el registro apunta a tierras norteamericanas y toda su trayectoria en géneros similares al western. Con ello no significa que Pascual y compañía hayan abandonado el pop, sino que le dan otra visión menos recargada, más intimista y hasta más oscura.
Si empezamos por el final y escuchamos “En el Rio Aquel (A Veces Pienso en Mi Entierro)” nos sorprendería pensar que estamos ante Travolta, más bien pensaríamos en gente como Nacho Vegas por el idioma elegido para la letra. Dicho tema ofrece un panorama muy diferente al pop típico; se ve en la leve percusión que ha caracterizado en los últimos años a Pascual situada al fondo, pero no hay ningún elemento más que se añada a este. Ana Galletero se sitúa en el estribillo como una voz coral, función que ha cobrado una mayor importancia respecto a la primera entrega y que se ve en la mayoría de los temas, y también escuchamos una mínima sección de cuerdas en las que se apoya la voz, muy apagada, de Joaquín Pascual. Este último corte es de los más notables del trabajo, sobre todo por la sorpresa causada. Sorpresa que continúa en otros temas, como: “La Brisa del Mundo”, letra muy buena; y “Cuando el Sol Se Va”, casualmente las tres situadas al final.
Aunque si comenzamos todo como es lógico, por el principio, el pop está más presente. “Un Buen Hombre” es lo que podríamos esperar, alegre, con buen ritmo, pero en el que también se produce el cambio en un aumento de la parte coral; “Cosas Grandes y Cosas Pequeñas” es pegadiza, con la magia que les ha caracterizado desde los tiempos de Mercromina; “Dime Qué Es” es otra de las mejores, con una presencia mayor de las guitarras; “Hoy Tengo Ganas de Verte” es un buen canto a la amistad y que antecede ya lo que viene después, frenado por una canción que también impacta para bien. “Voy a Donde Esta la Guerra” se halla en tierra de nadie, entre el pop tranquilo y la influencia americana, propio de la discografía de Fernando Alfaro más que en la de Pascual, dicho tema eleva el tempo y consigue un notable resultado.
Manual de Redención se sitúa una continuación muy buena en la reciente trayectoria de Travolta, no tan impactante como El Efecto Amor, pero sí ofreciendo nuevos sonidos, y con una mayor participación de Ana Galletero, pese a que “Esa Luz Que Ella Vio”, donde se lanza por primera vez en solitario a cantar como primera voz, no dé tan buena impresión como la da cuando se junta con Pascual. Es un disco a escuchar, para momentos concretos y que hará a muchos disfrutar de nuevo.
Que nadie busque las guitarras por ninguna parte, que nadie crea que están escondidas por algún tema más avanzando en cuanto a su posición en el disco; las guitarras simplemente ya no están, o mejor dicho, sí están, pero de otra manera. Deneuve son como la bella rubia que les da nombre y juega al engaño en Belle de Jour (1967), la apariencia es lo último que buscan, prefieren arriesgar hacia un terreno que no habían pisado hasta ahora, el pop orquestado, que mantenerse en un rock con el que habían conseguido grandes elogios por parte de todos. El amor visto desde el aire(2002), su primer disco, se recupera de forma más madura en este trabajo.
Ya lo demostraron con el proyecto de poner música a diferentes poemas de contemporáneoscordobeses –Llueve Revolución (2003, Grabaciones en el Mar)–, tradición que se ha ido perdiendo, por desgracia, en nuestra música. Y ahora prefieren decantarse por la orquesta antes que por unas guitarras más potentes.
Lo que sí que permanece, es su clase en la unión melodía y letra, ahí no han cambiado un ápice. Bien pueden marcarse un tanto con el tema deportivo estilo Tachenko que conseguir reflejar los temas más sencillos como complejos. Denueve cuenta con ese fuerte y esperemos que nunca lo pierdan.
El cambio más llamativo es el acercamiento a otros proyectos donde prevalecen más los arreglos orquestales. Grupos como La Buena Vida, Le Mans, Love of Lesbian, o incluso Mercromina, están ahora más próximos a los cordobeses que en su día lo estuviesen Pixies y toda su estela. Esto no quiere decir que nunca hubiesen apostado hasta ahora por este tipo de arreglos, sino que los ocultaban más detrás de las guitarras, eran demasiados secundarios, y por el contrario en El Codazo de Tassotidejan su papel de reparto para avanzar un paso más. Tras los mandos de la producción se encuentra Pedro Cantudo (Tarik, Jubilee, Limousine,…) experto en éste tipo de sonido, como bien lo demostró en Sequentalee (2005, Mushroom Pillow) de Tarik y la Fábrica de Colores.
Para crear un buen tema pop les basta con centrarse en las chicas y dedicarlas una canción, “Para Vosotras”, donde hay versos como: “no escuchéis a los Smiths, no escuchéis nada que os pueda hacer sufrir” a través de un pop claro y alegre. Pero antes ha abierto el trabajo “Cielo Drive”,en la que la parte orquestada en más importante que nunca, sobre todo en el final cerrando con una buena subida instrumental.
Y el resto se divide entre “Marble Arch”, “Electromecánicas United”, demostrando su pasión por el Manchester en unos versos geniales, y “Go Foreman!”, donde también recuperan el tema deportivo, sólo que ahora con la historia del boxeador que se enfrentó a Tyson y perdió.
Entre medias, se produce un mínimo bajón con el triplete “Tegamar”, “Brundle” y “Jennifer Grey”, más corrientes que el resto y de menor pegada. Por su parte, “Ochenta y Tres” y “El Puente de Hierro” son los temas que más recuerdan a su anterior disco –El Adiós Salvaje (2004, Grabaciones en el Mar), y que mantienen la ilusión de volver a escuchar unos Deneuve más rockeros en próximos trabajos.
Deneuve con este trabajo bajan un poco el nivel ofrecido hasta ahora, pero intentan tocar otros palos dentro de su trayectoria. Esto no quiere decir que hayan publicado un disco para cumplir, sino que sus anteriores tenían un listón bastante alto y éste cuarto no consigue alcanzarlo, pero se queda en un buen trabajo que hubiese sido mejor si algunas canciones se hubiesen cuidado más.
Con la inesperada salida de Mushroom Pillow por la puerta de atrás, y sin motivos aparentes, (decisiones empresariales, nada que decir en este punto) a La Costa Brava se le plantea un nuevo horizonte sobre el que seguir creciendo como hasta ahora lo han hecho. Fran Fernández (aka Francisco Nixon) en su blog, ha ido dando pistas de qué harían a partir de ahora, y sobre todo aclarando que LCB no está muerta, sino que se encuentran en un gran momento y seguirán pese a las dificultades. Las buenas noticias para sus seguidores llegaron igual de rápido que llegó la decisión de su discográfica; al parecer actualmente el tiempo es mínimo entre decisiones y acciones. Debido a toda esta movida había que rescatar su segundo mejor disco de la estantería, donde no es precisamente uno de los cedés que más se mantienen sin ser escuchados.
¿Y por qué el segundo mejor y no el primero? La respuesta está en que Los Días Más Largos (2003, Grabaciones en el Mar) no fue publicado por su ex-sello y que Llamadas Perdidas sí, además su título puede venir a cuento en este momento de información y desinformación, donde todo puede irse de repente arriba en un día como abajo al siguiente, justo lo contrario que los días largos de su segunda referencia en el mercado.
A estas razones, que son mera justificación para escribir algo sobre un disco que me emociona, se le añade otra de peso. Llamadas Perdidas es más sólido que su compañero de viaje, en sólo un año LCB consiguió sacar nada menos que cuatro discos y el salto dado entre su segundo y su cuarto en unos meses, fue muy importante.
Aquí el quinteto liderado por dos de las grandes personalidades del indie nacional, como son Sergio Algora y el mencionado Fran Fernández, añade más magia a su sonido y a sus canciones. Ahondan más en terrenos de la new wave, la psicodelia y el synth-pop, las melodías que acompañan a las letras no son meros hilos que sostengan a las primeras, sino que están en constante cambio y buscando sonidos más trabajados que el de la canción pop corriente.
La carta de presentación, el single con el que conquistar al público, fue desde un primer momento un himno, a la altura de los que componían con El Niño Gusano (“Angel Guardia”, “La Mujer Portugesa”…). Y es que “Adoro a las pijas de mi ciudad” es pura dosis de lo que posteriormente denominarían como Costabravismo, en el EP de mismo nombre. Templado ritmo, Fran Fernández suave en su fraseo y firmando la letra quizás más cantada por todos los seguidores del grupo. Ya con este hit lo tenían todo de cara, el pelotazo estaba asegurado entre cierto público, y la sorpresa también llegó con una mínima aceptación por un público más alejado a toda esta “movida” (véase secta, masonería, adictos, melómanos, y un largo etcétera…).
Pero allí no empezaba ni acababa el disco. El verdadero comienzo al introducir el compacto en el estéreo llegaba con “Falsos mitos sobre la piel y el cabello”, impregnando, como sólo saben hacer ellos, de alegría los temas más tristes, pese a que aquí tampoco es uno de sus temas más joviales. La continuación quedarían en manos de “Vuelvo a ser yo”, Ennio Morricone es trasladado de sus western para vestirle de pop entre psicodelia pura, de las mejores de este trabajo. Después la ironía y la gracia que ya dejaron ver con “Natalia Verbeke”, vuelve a aparecer en “El cumpleaños de Ronaldo” y “Canción para Beyoncé Knowles”.
El resto se reparte con “Toni”, un anticipo del sonido que llevaría a cabo Francisco Nixon en solitario más tarde, “Dos ostras” con buenas subidas y bajadas entre distorsión, y por último “Los jóvenes realizadores”, otra de sus letras destacadas.
Con este trabajo La Costa Brava demostraron que la incontinencia artística de cuatro discos en dos años puede ir unida con grandes frutos, buenas canciones pop y un punto de distinción dentro de este género, aportando más bien una “filosofía” con la que afrontar la vida y la música, más que canciones sueltas para olvidar tras su escucha.
Al escuchar vuestro último disco, Cada Momento es el Mejor, lo primero que experimenté es un chute de alegría revitalizante ¿es esa vuestra intención?
Por supuesto, ya bastante dura es la vida así que intentamos transmitir optimismo y vitalidad y arrancar una sonrisa a quien nos escuche.
Por aquí grupos como Juniper Moon, Los Fresones Rebeldes o Undershakers ya sonaban de una manera muy parecida. Muy frescos, aportando la fuerza desde un punk-pop con una temática graciosa en muchas de las letras. ¿Os veis cercanos a estos grupos?
Tenemos en común el que hacemos un pop fresco pero nos alejan muchas cosas la peculiaridad de Nobel que nos hace diferenciarnos es que en nuestra música destacan las armonías vocales y el violín.
Es poco el papel que tienen las mujeres aún por esta escena. Grupos que sean femeninos por completo son mínimos, y encima los grupos más punteros están encabezados por hombres (sólo consigo recordar a Sibyl Vane en este sentido y encima se acaban de separar). ¿Este aspecto cómo lo veis? ¿Algo de riot grrl o son tópicos absurdos que siempre se sacan?
En este mundo siempre ha predominado la presencia masculina; en los 60 y en los 80 los grupos con cantantes femeninas interpretaban canciones escritas por hombres, las chicas sólo cantaban no tocaban instrumentos… En el caso de Nobel es algo circunstancial, coincide que somos mujeres las que escribimos e interpretamos las canciones; simplemente es nuestra manera de comunicarnos y es lo que nos gusta.
Autoeditasteis un disco precediendo a este último, ¿a qué se debió esto? ¿Cómo fue la experiencia de la autoedición?
Habíamos grabado muchas canciones para el segundo disco, algunas de ellas eran especiales (una dedicada a Juan de Pablos, una compuesta por una amigo, una versión…) así que decidimos no incluirlas en el disco pero sí darles una salida a modo de Mini-CD que además se colgó en nuestro myspace como regalo para nuestros seguidores, para que todo quien quisiera se las pudiera descargar.
Lo que no es común es escuchar un violín entre riffs de guitarras y estribillos. Poco a poco vais consiguiendo unir las piezas para sonar mejor, ¿el violín es un rasgo distintivo del grupo?
Por supuesto, ya comentábamos anteriormente que el violín es una de las peculiaridades de Nobel.
Las dos versiones que hacéis son tremendas. Matando el tempo en “Si tú te vas” y luego rompiendo, y una escogiendo una de las mejores de Vainica. ¿Por qué estas versiones y no otras? ¿Habrá más en un futuro?
Siempre hemos incluido versiones en nuestros discos, hasta en la primera maqueta aparecía una versión de Carolina de Fórmula V. ‘Si tú te vas’ es una de las canciones que más nos gustan de Los Flechazos y la estrenamos en el Contempopránea cuando tocamos en el festival por haber sido escogidas como Segundo Grupo Revelación Nacional. ‘Las habaneras del primer amor’ la hicimos para una fiesta de Flor de Pasión porque sabemos a Juan de Pablos le gusta mucho; a nosotras Vainica Doble siempre nos han llamado la atención por ser dos mujeres que expresaban sus ideas y emociones desde una perspectiva femenina, con ternura y contundencia.
Por ahora habéis firmado con dos sellos muy pequeños, ¿en algún momento habrá el salto a otro más “grande?
Ojalá, pero somos conscientes de que hay muy, muy pocas probabilidades de que eso ocurra. No nos importa, hacemos lo que nos gusta, estaría genial darnos a conocer más pero nos conformamos con lo que tenemos.
Un grupo que apuesta por la alegría en sus composiciones, con la frescura del power-pop y el twee pop. En la línea de otros por aquí como Juniper Moon y Los Fresones Rebeldes, y del pop británico de gente como Belle & Sebastian o de la última hornada depop sueco. Con Nobel, los amantes de este género no quedan desilusionados, tienen canciones pop típicas, de dos a tres minutos en las que en cada escucha se convierten en pequeñas dosis muy pegadizas para alegrarte el día. El eslogan ya lo dice: Pop will make us free;y Nobel lo lleva a la práctica. Su último disco, Cada Momento Es El Mejor, es una buena prueba de ello.
¿De dónde viene el nombre del grupo?
De los nombres de las fundadoras del grupo Noemí, Begoña y de su amiga Elena que estaba con ellas cuando pusieron el nombre.
¿Con qué miembros ha contado el grupo?
Al principio éramos cinco: Noemí (violín, guitarra y voz), Begoña (voz) e Iratxe (voz y guitarra), junto con Eriet al bajo y varios batería que fueron pasando (Jose, Lander, Igor). Y desde que Begoña se fue hemos continuado con la formación de cuarteto Noemí, Iratxe y desde hace ya algún tiempo Itxaso (bajo) y Larry (batería).
Ciudad Natal: Portugalete, Bizkaia.
Ciudad “habitual”: Getxo, Gernika, Logroño…
¿Cuándo empezó el grupo como tal, año?
Iratxe, Noemí y Begoña nos empezamos a juntar para hacer canciones en 1999, pero empezamos a ensayar con banda un par de años después, en 2001 editamos la primera maqueta y en 2002 hicimos nuestro primer concierto.
¿Existen grupos relacionados con el vuestro?
Hacemos esporádicamente colaboraciones con otras bandas, Itxaso es bajista del grupo de folk Eztauz y Larry es batería de Playskull y también dirige el grupo de percusión Tarumba.
¿Influencias?
Canciones pop de todas las épocas: Los Beatles, los grupos españoles de los 60 (Brincos, Bravos, Fórmula V…), los grupos de chicas de los 60, los grupos de la movida (Alaska, Aerolíneas Federales, Objetivo Birmania…), grupos indies de los 90 nacionales (Los Flechazos, Undershakers, La Buena Vida…) e internacionales (Teenage Fan Club, Belle & Sebastian, Ocean Colour Scene, The Cardigans…)
¿Según está el panorama actual es posible dedicarse a la música en exclusiva?
Es muy difícil, por no decir que es casi imposible con un proyecto propio. Es más viable como colaborador, músico de banda, de sesión,… Aún así, en nuestro caso nos dedicamos profesionalmente a la música en otros ámbitos como la enseñanza, las artes escénicas o la gestión musical.
¿Cómo veis la escena española?
La escena en cuanto a grupos está muy bien, hay muchas bandas de calidad que hacen cosas diferentes, muy buenas pero se encuentran con una industria que no favorece nada a los artistas.
¿Existe un futuro?
Existe un futuro incierto a nivel comercial, pero muy interesante en cuanto a propuestas creativas fuera de la industria. El avance tecnológico de los últimos años permite elaborar trabajos de calidad en estudios caseros y las nuevas plataformas de difusión en la red, los ponen al alcance de todo el mundo.
Muchos grupos dicen que la única manera de impulsar su carrera es por los conciertos, en los que se consiguen mantener mejor que con los discos, ¿compartís esta opinión? Unido a esto, las infraestructuras con que se cuentan en España en relación a salas es mínima… ¿Así cómo podemos disfrutar de la música? El sonido es infame en muchas, el aforo…
Los conciertos son la mejor manera que tienen los grupos para dar a conocer su música, hacerse un hueco ante el público y la prensa y para vender discos directamente sin necesidad de dar dinero a las distribuidoras. Sin embargo, hasta que un grupo no tiene un poco de nombre y repercusión, las condiciones para los conciertos son francamente lamentables. No es raro el grupo que ha tenido que pagar por tocar en cualquier garito, y esto perjudica directamente a la profesionalización de los músicos de la escena.
Tercera referencia de quien estuviese en Dar Ful junto a Xabi Font. Marco Maril no se apea del pop electrónico que le ha caracterizado desde En la Hora Azul(2003, Jabalina) con grandes dosis de lo-fi. Un pop que ha conseguido firmar como propio, bebiendo de muchos, pero consiguiendo que a la primera escucha se le asocie con su nombre.
Sigue madurando el sonido como ya hiciese en Bumerán, Bumerán(2004, Jabalina). Canciones que suenan cada vez más a conjuntos melódicos cerrados, con la voz de Marco llegando a convertirse en un instrumento de viento más, de seguir en siguientes trabajos por la misma línea.
Son más bien desarrollos melódicos en los que disfrutar de la tranquilidad del sonido y de la calidad de las letras. A veces puede llegar a causar tedio si uno no es amante de este género, pero con las escuchas va ganando calidad, disfrutando de matices antes desapercibidos. Pese a construir el sonido bajo un pilar claro Marco Maril no se corta al aproximarse a la figura de Carlos Berlanga en “Dias de Septiembre”, un techno-pop elegante que contrasta por la visión tan banal que hacen otros grupos de tal género. Aún así las mejores llegan en el inicio con “El Chico de la Camiseta a Rayas” con la variación del tempo entre samplers y las diferentes voces; y esa perla de himno mod delicado que es “Sol de Japon” donde cada verso es un fiel reflejo de la cultura moderna. Por el camino quedaron la oscura “Dias de Septiembre” propia de la Maqueta Plateada de los donostiarras Family, también “La Cancion del Verano!” rememorando el tiempo estival y sus acontecimientos; y finalmente “Nos Sienta Grande” entre distorsión y Marco como un susurro por encima sin variar.
También tiene sus momentos de estancamiento en los que cuesta sacar algo diferente de un sonido tan monótono en apariencia. “Below the Stars” es un naïf demasiado sobrecargado, “El Amor Nos Hace Viajar” no deja de sonar a una versión actualizada de “Como un aviador” de Family; y “El Balneario” es inocente, podría tener su atractivo si cambiase luego el registro a otro sonido pero no varía casi y se pierde.
Un buen disco de género, de esos que esquivas en días de lluvia apagados y que hay que saber apreciar dentro de su contexto. Sencillo, y a la vez la maniobra más complicada que ha hecho Marco Maril en su trayectoria como Apenino.
El grupo barcelonés Suite se presenta en el mercado de la mano de Astro para poner en largo lo que llevan haciendo desde 2002 en directo. Tras una sugerente portada al estilo Jagger o Springteen con sus vaqueros, se escode un buen disco de pop de por aquí. Un pop que si bien mira al extranjero y a su tradición rockera, el idioma, y la forma de afrontar cada tema, tienen tantas similitudes con grupos patrios como con grupos extranjeros.
Los primeros nombres que se vienen a la cabeza son dos grandes: David Bowie y Marc Bolan, ambos en su etapa glam, una influencia que Suite tiene bastante presente en todo el largo, pero después poco a poco se van viendo parecidos con el pop que está llevando a cabo los andaluces Lori Meyers, ciertos atisbos a Sidonie y por qué no, también a La Costa Brava. El pop es power pop, o es glam muy influenciado por el rock anglosajón y el pop de los británicos Supergrass, pero acaba resultando ser una buena melodía pegadiza y alegre, todo ello sin caer a terrenos cercanos de Perezas y demás grupos de la fast-music.
Todo esto no ha surgido de la nada, sino que se nota la preparación musical de los miembros, cada uno curtido en varios proyectos y poniendo así su grano de arena al resultado final. Robert Castellanos, voz y guitarras, formó parte de Carrots, y también como técnico de Sidonie; Alvaro Suite, guitarra y voz, está en varios sitios a la vez, desde los propios Suite, hasta en los Smack Dab y en la nueva banda de Bunbury; Luis Bestard en El Diablo en el Ojo; y por último, Robert Gómez “Revolbert” ha participado en varios proyectos con su guitarra. Así que experiencia tienen y se nota para bien.
Tranquilos en “La Gran Ciudad” y en “Piezas Contentas” con buenas letras, prefiriendo las guitarras en “Virgine” y “Suite” rememorando el rock británico y los buenos riffs, una psicodelia mínima para “Fiebre de Amor”, y un buen dardo con “Duque Dellate”, aunando pop y glam para abrir el trabajo. La presentación antoja un resultado más que llamativo, un disco disfrutable y agradable para la escena española, y que pone a Suite en órbita, reclamando una atención merecida.
El ambiente era el más propicio para este concierto; como todos los buenos del jazz, la adecuación a salas pequeñas en las que el público es una selecta minoría, es donde más crece su repertorio. Aquí Refree hace valer todas sus posibilidades sin que incómodas conversaciones interrumpan la recepción del concierto, y además la comodidad está asegurada, la preferencia de estar casi dos horas de pies para mantener la atención de este tipo de espectáculos es muy reducida frente a un cómodo asiento. Todo esto no evita la insoportable espera de media hora para que el artista siga detrás del escenario y todos esperándole.
Raül Fernández sigue presentando su último disco ElsInvertebrat (2007, Acuarela) por las distintas localizaciones de España. El pop en él se va reduciendo paulatinamente hasta llegar un día en que el jazz pueda seducirle más que el género de los tres minutos. Esto se debe desde el resultado que ha entregado en sus últimos discos, a la forma a que encara el directo: con un contrabajo, unos teclados y una batería jazzy, además de él a la guitarra. Refree va rompiendo el cascarón que nunca ha tenido, ya que siempre ha sido un ejercicio bastante libre en el que no había molestos corsés y barreras de los que no salirse. Cuando se escuchan en directo sus composiciones uno se imagina a un modisto específicamente para Raül Fernández, un modisto que combina los diferentes trajes musicales que el catalán tiene, y toda la experiencia a sus espaldas, para diseñarle un traje que según crece se le queda igual que a un niño sus primeros vaqueros.
De sus cuatro discos publicados Nones (2003,Acuarela) es quizá su disco más redondo, una joya, delicado y emotivo, así que abrir con “Les Soldats Perdus” de manera acústica, él solo con la guitarra, anticipaba que todo iría como la seda. Y así fue, la alegre “Un Oficio Antiguo”, de su último disco, le daba el paso a la mezcla con el jazz, desde el ritmo de la canción hasta la presentación del tema como hacen las figuras de este género, acto que haría varias veces en los temas siguientes. La voz de Raül Fernández es un buen soporte para sus versos rebuscados en los que parece ver la realidad desde otro punto de vista, los falsetes los alcanza bastante bien sin desviarse demasiado, y consigue variar el ritmo al igual que los instrumentos que la acompañan. “Que Vivan Los Feos” es de esas canciones que le hacen especial, mantenida, con un piano y una batería construyéndola, que parece que se va a descomponer en el aíre pero no, llega perfecta hasta el final, impecable como las demás. Pero la sorpresa estaría en la reformulación de “La Trampa” o “El Hueco” hacia los mismos caminos comentados, más razones por las que Refree va haciendo su particular evolución poco a poco, en la que incluye incluso la evolución de sus anteriores temas.
Entre medias “Els Peut del Llit” alegrando el ritmo, “Inventario” y “Marlina”, aunque cualquier podría destacarse por el buen nivel que llevan consigo, dejando a Refree como a uno de los artistas más importantes de por aquí, y sobre todo, con unas ganas de ver si al siguiente trabajo el sastre definitivamente le pone el traje entero de jazz y se deja contagiar por más ritmos cercanos a Chano Dominguez, una colaboración utópica, pero mágica de llevarse a cabo algún día.
Cuando se establece la “moda” de derribar a un grupo por la crítica no hay quien lo entienda, un día arriba, aplausos por favor dice el cartel, todo son alabanzas, ¡qué disco! ¡el mejor de vuestra carrera!, después… palos, sin control, palos y más palos. ¿Motivos? Cada uno que saque los suyos propios. Por aquí uno de los grupos preferidos a derribar últimamente es La Habitación Roja. El grupo valenciano ha recibido algunas críticas demoledoras de su último trabajo cuando no está tan mal como lo pintan algunos. No sé qué esperarán, pero lo suyo es el pop rock, no van a hacer nada nuevo revisionando el funk al estilo de Funkadelic, ni cogerán el jazz y harán un tirabuzón doble en el aíre como Miles Davis hace con su trompeta… Ellos son un grupo que se ha ido labrando una carrera firme, con tres grandes discos –La Habitación Roja(1998, Grabaciones en el Mar), Largometraje(1999 , Grabaciones en el Mar) y Nuevos Tiempos(2004, Mushroom Pillow) y otros más del montón, pero ya les gustaría a otros conseguir ese montón.
Tienen ese valor de firmar canciones muy pegadizas con letras más o menos logradas, lo que viene siendo la típica canción pop. El hecho de que lleven tantos años en activo y de que lo nacional se rechace por aquí como si fuese la última plaga, puede ser dos de las razones de este derribo. Ya que si fuese un grupo británico, o estadounidense, y repitiese la misma fórmula hasta hartar, muchos permanecerían callados y comprándose (mejor dicho, bajándose) el disco.
Ahora bien, nadie justifica este EP como algo a tener en cuenta, a escuchar sí o sí, como uno de los mejores del año… No, más bien todo lo contrario. Es un EP que bien podría no escucharse y pasaría igual de desapercibido. Es un material para los fans de La Habitación Roja y poco más. Repiten la fórmula de su último trabajo y vuelven sin nada nuevo, parecen más bien caras-B o canciones dejadas fuera del material definitivo, que canciones nuevas propias para tal referencia.
“Posidonia” encabeza el EP como es de esperar, la sigue “Las Palabras No Funcionan” cuyo título bien podría aplicarse a la canción, anodina como “No Somos Nadie”, donde las guitarras y la voz hacen lo mismo de siempre, arriba abajo y algún que otro break pegadizo. “Metropolis” apuesta por un instrumental lineal, “Jack Frost” mejora un poco en la mezcla entre pop y guitarras, “Como Antes del Final”leaporta más vida en el ritmo y “El Amor y Otros Monstruos” es otra de sus canciones de amor tranquilas, aunque esta es demasiado tranquila y sosa.
Un EP apto para los incondicionales de la banda. Según el propio grupo el siguiente largo cambiará el registro y habrá que esperar a ver por dónde van. Hasta ese entonces mejor quedarse con sus anteriores discos que con este trabajo.
El grupo de Palma presenta el nuevo disco tras su primera referencia con Houston Party Records. Retoman el pop tranquilo que les caracterizó en Piruetas en el Aíre (2004, HPR) sin alejarse de grupos conocidos de la escena española. Ahora, tras algún que otro problema con las discográficas para publicar su segunda referencia, han firmado con el sello nuevo de Mallorca PimPamPum Records, creado específicamente para la salida del nuevo disco de Amarillo y el nuevo proyecto del vocalista de Sexy Sadie, Miki Serra, bajo el nombre de Post.
Será casualmente Jaime Gª Soriano, exlíder de la banda mallorquina, quien les produzca este trabajo, llevándoles a terrenos de un pop sin pretensiones, tranquilo, cercano al cambio que harían Sexy Sadie para su último disco. El resultado se acerca a grupos como La Vaca Azul sin tantas guitarras, a Niños Mutantes sin los estribillos que consiguen hacer algo más resultón la canción, a los Sidonie en baja forma de Casa Azul y al pop en español suave con letras de amor más o menos trabajadas.
El comienzo del disco lleva consigo lo mejor de éste, con “Quien Quiera”, alegre y de fórmula de pop típico, “Lejos de Casa” junto a “Santa Rita” y “Célebres Huracanes” tirando por la línea en la que el grupo sevillano Maga se ha afianzado en los últimos años mezclando mejor las letras poéticas con las melodías perfectas. Lo que viene después alterna algún que otro tema como el instrumental “My Enemy”, la intimista “Laberintos” y “Pista de Hielo” con un buen cambio en el tempo; por el contrario “Corazones” o “Mucha Gente” tienen más bien poco que ofrecer, demasiado similares al resto.
Pese a asemejarse a unos posible Lori Meyers o a los ya mencionados Maga, Amarillo necesita mejorar mucho el nivel ofrecido para presentar una propuesta diferente al resto y que llame más la atención de lo que hasta ahora han conseguido.
De todo lo publicado en la última década en el indie español si tuviera que quedarme con un grupo lo haría con este sin dudarlo. El Hombre Burbuja presentó una nueva propuesta que nada se parecería a lo existente, ya que ellos cogían el pop y el rock, hasta ahí todo normal, pero después no se sabía a dónde iba a ir a parar la melodía, bien se podía mantener constante sin mucha complicación o la distorsión se adueñaba de todo, lo mejor de ellos: la sorpresa.
A esta sorpresa se unía su cabeza pensante, su gurú y su genio: Julio De La Rosa, uno de los compositores nacionales más en forma desde que empezó a escribir canciones. Al nivel de Fernando Alfaro, Antonio Luque, Nacho Vegas o J, por citar cuatro grandes. Las letras del andaluz son textos cerrados en sí mismos que abarcan cualquier aspecto de la vida: desde muerte hasta vida, desde amor hasta un mosquito efímero. Y era él mismo quien daba forma a sus textos, su voz mínima, sin ningún juego forzándola, con ornamentos innecesarios o modificaciones aparentes, da a los versos la solemnidad que tienen. Es curioso este hecho porque De La Rosa apenas cambia el fraseo en las diferentes canciones, narrado al estilo de Lou Reed cuando prefería centrar la atención en la letra, y esto no lo convierte en monótono, sino en un elemento más a tener en cuenta.
Anteriormente el grupo gaditano había firmado dos discos redondos, con canciones de la talla de “Rey Mugre”, “El Té de Los Locos”, “Por Qué No?”, “Kill the Mosquito”, “Son Tus Fobias”, aunque bien se podrían citar todas las restantes debido a su elevada calidad. Así La Paz Está en las Matemáticas (2002, Recordings From The Other Side) ya contaba con un aprendizaje previo muy notable, tambiéncon complicaciones en las relaciones con las discográficas, pero eso es en muchos casos habitual.
Para este tercer y último disco el sonido no variaba en absoluto, seguía bebiendo de fuentes tan variadas como The Velvet Underground como Nick Cave, o Sebadoh. Aunque el abanico de influencias reconocidas por De La Rosa da para un texto entero.Así presentan canciones tan diferentes como “Siempre Hay Algo Más”, espectral, oscura y con una gran parte instrumental, consiguiendo uno de sus temas más largos; “Mejor Fuera” con el (des)amor y distorsión en las subidas como protagonistas; “T.O.C.” con una de las mejores letras características de De La Rosa; el medio tempo tranquilo “Todo Va” demostrando que podían con todo. Y una de las más logradas es satíricamente la que se encuentra en la sombra, en la parte trasera del digipack ni siquiera aparece mencionada, un bonus track como es debido y no dos minutos de ruido. Así “Malas Notas”, oscura, con distorsión en la voz en segundo plano de De La Rosa,deja versos de este calibre: “Sé de una profesora de psicología que está enamorada de su padre, a pesar de que él le arrancaba mechones de pelo cuando era niña, cada vez que traía… malas notas”.
Después de este disco vino la separación, cada uno por su lado, y la trayectoria de El Hombre Burbuja cada vez se va perdiendo más en la sombra por una nefasta promoción en su tiempo. 2002 punto y final. Tres discos atemporales que no pierden nunca su valor por muchas escuchas que se les dé. Para nuestra suerte Julio De La Rosa ahora sigue en solitario, con un gran debut como fue M.O.S. (2004, Recordings From The Other Side) en el que aparecía él sin perder un ápice de su talento, y una continuación –Las Leyes Del Equilibrio (2005, Recordings From The Other Side) que si bien baja un poco el listón de su trayectoria, seguía estando a años luz de muchos otros grupos.Ahora ya sólo queda esperar al tercer disco mientras que se sigue disfrutando de estas joyas.
Fernando Alfaro realiza su tercer regreso al mercado discográfico con distinto alias. Por primera vez se vale de su nombre para apodar a su proyecto, contando esta vez con Los Alienistascomo banda de acompañamiento. Quien fuese el cabecilla (junto a Joaquín Pascual) de Surfin’ Bichos y posteriormente de Chucho, vuelve donde lo había dejado, en su particular visión del pop.
Es quizás el disco más esperado este año por los seguidores de sus anteriores grupos, había un gran interés en ver cómo iba a plantear su nueva propuesta, su nuevo sonido sin sus amigos de Chucho. Aunque éste último hecho no ha sido tan real, ya que tras Los Alienistas se hallan nombres como su mujer Isabel León (Surfin’ Bichos, Is), José Manuel Mora (Surfin’ Bichos, Mercromina), y Emilio Abengoza (Chucho, Los Esbirros). Por si fuera poco la banda la complementan Rosi Herreros (Sangris), y Carlos Flan (Gonzo y colaborador de Mercromina). Con tales profesionales el sonido difícilmente iba a ser pobre.
De todo lo hecho hasta ahora por Alfaro éste trabajo parece una continuación del espléndido Los Diarios de Petróleo(2001, Chewaka-Virgin). Es un sonido luminoso, alegre, en el que la influencia de la new wave o del synth pop se deja ver entre el rock crudo de Surfin’. Si “Abre la ventana” hubiese sido publicada de nuevo en este trabajo no habría desentonado lo más mínimo. Los arreglos de viento y cuerda en muchas de las canciones, o en otras con una tendencia hacia unos arreglos de metal más claros, cubren lo mejor del disco: las letras. Este hecho no es arbitrario, Kaki Arkarazo ha sido quien ayudado en la grabación al igual que hizo con el mencionado de Chucho, Carlos José Martínez a los arreglos de nuevo, y para más coincidencias, el sitio elegido ha sido el mismo estudio que la anterior vez.
Así podemos ver los mismos versos oscuros sobre muerte, sexo, amor, política y amistad con unos coros claros, juegos de voz que no hacen caer en la cuenta sobre lo que se está cantando si no se ha escuchado antes a fondo la trayectoria de Alfaro. “Ulala Que Fácil Es” es magnífica, una de las mejores junto a “Con Las Manos en la Sangre” y a “Queda Expulsado de la Especie Humana”. El trío de ases refleja todo lo hecho hasta el momento, si el sonido acerca a Chucho, la oscuridad de los textos trae más al Alfaro de Surfin’. “Silverio, Tenor de la Comarca” recupera la fórmula de riff pegadizo con subidas del punk que tanto ha bebido en su carrera; “Problemas de Sueño” y “Luz de Gas” hacen creer que las canciones de amor no tienen que ser siempre cursiladas vacías en su forma.
Para rematar la jugada Mariano Tejera (su mánager) y el propio Alfaro han sido quienes han puesto en marcha el sello Los Amigos Imaginarios con este disco evitando así las típicas discográficas. Ofrecen el disco de forma gratuita por el MySpace del grupo al igual que otras bandas intentando “adaptarse” a los nuevos tiempos y a sus nuevas fórmulas.
Si Los Planetasy Love of Lesbian no hubiesen publicado trabajos igual de redondos que Carnevisión ahora estaríamos hablando de una victoria aplastante de la nueva reencarnación de los Surfin’. Este año junto a Travolta (el nuevo proyecto de Joaquín Pascual y Carlos Cuevas) han vuelto a demostrar el por qué de su influencia con una calidad que pocos consiguen. Ya ha pasado más de una década del nacimiento de Surfin’ Bichos y sus proyectos paralelos mantienen más viva que nunca su influencia, renovándola desde diferentes géneros siempre con un nuevo punto que añadir, evitando el estancamiento y vivir de las rentas. Sin estos grupos el panorama por aquí no sería igual.
Es una alegría poder escuchar nuevo material de Tariksin tener que esperar ocho años más como pasó con Sequentalee (2005, Mushroom Pillow). Esta vez un contrato a cumplir, un mercado más abierto, una mayor difusión de su música, ampliando así el número de seguidores, hacen de Tarik uno de los compositores punteros en la actualidad. Ventas o no, él se vale de sus canciones para demostrar su valía.
El tópico de último disco-mejor álbum aquí sí puede verse. En apariencia estamos ante un nuevo disco pop y por tanto más de lo mismo, pero cuando se empieza a prestar atención se ve que nada es tan sencillo. Álvaro Muñoz consigue una riqueza de matices esquivando la canción fácil, el estribillo y la repetición de la fórmula. Se nota la cultura musical en la variedad de referentes, ya que lo mismo presenciamos la influencia de la bossa (“Fontaine, Fontaine”) que del indie rock de los noventa (“La Ascension de Lupo”). A lo que el cordobés dota de buenas letras, enigmáticas en muchos casos, creando la incertidumbre por el significado de algunas de estas. Pese a que el inglés le resulte más fácil para cantar, recurre al español por completo en los diez cortes del álbum, amparándose en que el oyente de por aquí sólo reacciona emocionalmenteen su idioma.
Ha sido grabado en el estudio de sus amigos Los Planetas, y contando ya como miembro estable con el batería de estos, Éric Jiménez. Es con el grupo granadino con quienes más se acerca en determinados temas al compartir las mismas influencias, pero intentar acercar a Tariky su fábrica con algún grupo en concreto es en vano, cada canción tiene su sello personal. Así “Antes de la Niebla” con unas guitarras más crudas que de costumbre, y una melodía donde se recrea, suena diferente a todo lo anterior de su repertorio; “Nadador” se encuentra en esta misma línea sorprendiendo con el final instrumental; “Tormenta Esta Noche” es un himno pop que no se despega de la cabeza al igual que “Agosto, por Ejemplo”; y donde se resume la filosofía del disco es en “Vuelta a Los Colores”, en la que la letra nos deja versos como: “No más sumisión, no más religión, que ya está bien de sermones. No quiero más dogmas, rechazo las normas, porque vuelvo a los colores”.
Engancha, es alegre, y tiene la magia del pop de genios como Costelloo Ray Davies, de los que tanto ha bebido con anterioridad. Otro buen disco para la discografía de Tarik y la Fábrica de Colores.
