Artículos 02-10-2008

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Keane lanza el videoclip de Spiralling

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Bomb the Bass – Future Chaos

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Las discográficas anticipan novedades: Mushroom Pillow

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Franz Ferdinand apuestan por el baile en su tercer disco

Sr. Chinarro – Ronroneando

 

 

Sr. Chinarro - Ronroneando - Mushroom Pillow - 2008

 

La llegada al número redondo de referencias es una meta que sólo alcanzan unos pocos privilegiados. El diez se busca desde pequeños con las notas y acaba estando presente en el resto de nuestra vida, e incluso para valorar la actividad musical de un artista, como es el caso ahora mismo. Diez largos publicados desde que un desconocido homónimo irrumpiese por 1994 entre tanto estatismo musical. Un disco que empezó a crear un personaje y un sonido, e incluso se podría decir una cultura alrededor de él en futuras entregas, ya que la comunidad seguidora de Antonio Luque (a estas alturas, sobra decir que el la cabeza pensante oculta tras el pseudónimo) se movilizó como pocas lo han hecho con los grupos españoles.

Ronroneando se esperaba igual que se han esperado los últimos trabajos del sevillano, con mucha expectación de ver qué iba a ofrecer ahora. Un posible cambio, una vuelta al sonido inicial, una continuación… especulaciones, miles. Pero todo además se veía con el añadido de ser su décimo trabajo, un trabajo ya no por la cifra, ya que sólo en EPs y colaboraciones con otros grupos tenía que ser más amplia, sino por el largo recorrido hecho, nada menos que 18 años desde que empezase. Sr. Chinarro ha visto incrementarse su popularidad en los últimos años, a la vez que se hacía, en principio, más accesible y menos cerrado en sí mismo, por lo que también había más piedras de toque a las que superar.

Así, este trabajo se planteaba complicado, con una gira agotadora del exitoso El Mundo Según (2006, Mushroom Pillow), y con el único aliciente de contar con una banda por fin cohesionada y unida por primera vez en la historia del grupo. Repiten Pablo Cabra, Javi Vega y Jordi Gil, quien además produce el trabajo. Junto a ellos dos colaboraciones para darle más presencia femenina al sonido por parte de Ana Galletero (Travolta) y Ana Fernández-Villaverde (La Bien Querida). Incluso el propio Antonio Luque se ríe en la nota de prensa sobre este hecho: “Pronto hacemos tres años juntos –¡jajaja somos un conjunto! ¡Toco en un conjunto!–“.

Aún así, cuando el trabajo se escucha por primera vez no llena, se llega a pensar que Luque ha perdido ese toque personal que le distinguía del resto, que el no deseado mal disco en la carrera de todo grupo, ha llegado en el peor momento, cuando estaban más arriba. Pero no, las primeras impresiones siempre fallan. Como ha pasado con todos sus trabajos, a la primera siempre quedabas deseando algo más, pero en cuanto el número de veces de reproducción aumentaba, quedas prendido. Y aquí vuelve este hecho a ocurrir, si bien “Los Ángeles” cuando comienza se defiende como una canción menor, luego crece como una de las mejores, pese a no serlo por el buen nivel de otras.

El sonido es quien gana en prestaciones. La producción ya comentada de Jordi Gil es de matrícula, consiguiendo una limpieza sorprendente, y a su vez conservando cierta oscuridad propia del proyecto. Antonio Luque se percibe más suelto, su voz continúa demasiado apagada en algunos temas y en otros varía más que nunca en ciertos juegos. Los versos, por tanto, cogen la fuerza típica de las composiciones del sevillano cuando se perciben y se llegan a entender, además de la mejoría en la voz. Se ven letras en la línea de lo ofrecido hasta ahora, temas sobre amor, otros que ocultan más de lo que ofrecen y algunos que fascinan desde la sencillez.

Por esto último, se podría comenzar desde el final, con “El Alfabeto Morse”, una perla gracias a la letra y por la delicada melodía. Se ve a un Chinarro suave, al igual que el presente en “San Antonio”, en donde la bossa nova tienta a la melodía. También recupera el impulso alegre de su último trabajo en “Tímidos” y en “Anacronismo” con versos en los que los dobles juegos son dardos envenenados cantados como si no fuesen tal veneno. Donde detiene el tempo es en “La Resistencia”, “El Gran Poder”, con una letra de amor muy cuidada, y en “Los Angeles”, tres de los mejores cortes del largo.

Lo ha vuelto a hacer, desde la portada, con un diseño de Maltieri perfecto, hasta el último verso doble a descifrar. Antonio Luque es uno de los grandes de por aquí, con diez o veinte trabajos, y a cada paso lo demuestra. Ronroneando, oro en 2008.

 

para Retro Música

 

Sr. Chinarro – Del montón

Travolta – Manual de Redención

 

 

Travolta - Manual de Redención - Mushroom Pillow - 2008

 

Ya se sabe el tópico que suele darse a las segundas entregas de los grupos, que si confirmación, que si demostración real…; pero cuando los artistas en cuestión no sólo no publican su segunda referencia, sino que ésta ya supera los dos dígitos, todo escapa de lo establecido para esperarse cualquier cosa. Travolta, de la mano de Joaquín Pascual y Carlos Cuevas, tiene esa característica a su favor, de no necesitar un reconocimiento o una superación constante, sino que el resultado sale tal y como es.

No han esperado ni siquiera un año tras El Efecto Amor (2007, Mushroom Pillow) y los buenos resultados que con éste cosecharon, para sacarse de la manga otro largo de diez temas. Todo vuelve a casar como en su momento, Paco Loco retoma el papel de productor y la banda al completo se haya detrás de las canciones, en las que también han colaborado para la ocasión, miembros de Ciudadano, Remate y Triángulo de Amor Bizarro; Julián U. Muñoz, batería de estos últimos, ha sido quien ha aportado la carátula del trabajo. Un dato curioso a añadir en la parte meramente técnica, es la masterización por parte del joven Nathan Fake llevada a cabo en Nueva York.

Pero lo más importante son las canciones por sí solas. El listón estaba muy alto, casi imposible de superar si vemos cómo su primera referencia se aupó en los principales puestos de lo mejor del año 2007, a lo que se une el escaso tiempo entre medias, la gira de presentación y todos los actos promocionales. En estas circunstancias muchos habrían desistido y hubiesen preferido un descanso, pero al parecer ellos no. Encima lo que presenciamos al reproducir Manual de Redención por primera vez no es una segunda parte de su presentación, sino que hay un cambio en el sonido, no aparece el pop orquestado tan claro de canciones como “Telescopio” o hits pop al estilo “Corazón Valiente”, nada de nada, el registro apunta a tierras norteamericanas y toda su trayectoria en géneros similares al western. Con ello no significa que Pascual y compañía hayan abandonado el pop, sino que le dan otra visión menos recargada, más intimista y hasta más oscura.

Si empezamos por el final y escuchamos “En el Rio Aquel (A Veces Pienso en Mi Entierro)” nos sorprendería pensar que estamos ante Travolta, más bien pensaríamos en gente como Nacho Vegas por el idioma elegido para la letra. Dicho tema ofrece un panorama muy diferente al pop típico; se ve en la leve percusión que ha caracterizado en los últimos años a Pascual situada al fondo, pero no hay ningún elemento más que se añada a este. Ana Galletero se sitúa en el estribillo como una voz coral, función que ha cobrado una mayor importancia respecto a la primera entrega y que se ve en la mayoría de los temas, y también escuchamos una mínima sección de cuerdas en las que se apoya la voz, muy apagada, de Joaquín Pascual. Este último corte es de los más notables del trabajo, sobre todo por la sorpresa causada. Sorpresa que continúa en otros temas, como: “La Brisa del Mundo”, letra muy buena; y “Cuando el Sol Se Va”, casualmente las tres situadas al final.

Aunque si comenzamos todo como es lógico, por el principio, el pop está más presente. “Un Buen Hombre” es lo que podríamos esperar, alegre, con buen ritmo, pero en el que también se produce el cambio en un aumento de la parte coral; “Cosas Grandes y Cosas Pequeñas” es pegadiza, con la magia que les ha caracterizado desde los tiempos de Mercromina; “Dime Qué Es” es otra de las mejores, con una presencia mayor de las guitarras; “Hoy Tengo Ganas de Verte” es un buen canto a la amistad y que antecede ya lo que viene después, frenado por una canción que también impacta para bien. “Voy a Donde Esta la Guerra” se halla en tierra de nadie, entre el pop tranquilo y la influencia americana, propio de la discografía de Fernando Alfaro más que en la de Pascual, dicho tema eleva el tempo y consigue un notable resultado.

Manual de Redención se sitúa una continuación muy buena en la reciente trayectoria de Travolta, no tan impactante como El Efecto Amor, pero sí ofreciendo nuevos sonidos, y con una mayor participación de Ana Galletero, pese a que “Esa Luz Que Ella Vio”, donde se lanza por primera vez en solitario a cantar como primera voz, no dé tan buena impresión como la da cuando se junta con Pascual. Es un disco a escuchar, para momentos concretos y que hará a muchos disfrutar de nuevo.

 

para Retro Música

 

Travolta – Corazón Valiente

La Costa Brava – Llamadas Perdidas

 

 

La Costa Brava - Llamadas Perdidas - Mushroom Pillow - 2004

 

Con la inesperada salida de Mushroom Pillow por la puerta de atrás, y sin motivos aparentes, (decisiones empresariales, nada que decir en este punto) a La Costa Brava se le plantea un nuevo horizonte sobre el que seguir creciendo como hasta ahora lo han hecho. Fran Fernández (aka Francisco Nixon) en su blog, ha ido dando pistas de qué harían a partir de ahora, y sobre todo aclarando que LCB no está muerta, sino que se encuentran en un gran momento y seguirán pese a las dificultades. Las buenas noticias para sus seguidores llegaron igual de rápido que llegó la decisión de su discográfica; al parecer actualmente el tiempo es mínimo entre decisiones y acciones. Debido a toda esta movida había que rescatar su segundo mejor disco de la estantería, donde no es precisamente uno de los cedés que más se mantienen sin ser escuchados.

¿Y por qué el segundo mejor y no el primero? La respuesta está en que Los Días Más Largos (2003, Grabaciones en el Mar) no fue publicado por su ex-sello y que Llamadas Perdidas sí, además su título puede venir a cuento en este momento de información y desinformación, donde todo puede irse de repente arriba en un día como abajo al siguiente, justo lo contrario que los días largos de su segunda referencia en el mercado.

A estas razones, que son mera justificación para escribir algo sobre un disco que me emociona, se le añade otra de peso. Llamadas Perdidas es más sólido que su compañero de viaje, en sólo un año LCB consiguió sacar nada menos que cuatro discos y el salto dado entre su segundo y su cuarto en unos meses, fue muy importante.

Aquí el quinteto liderado por dos de las grandes personalidades del indie nacional, como son Sergio Algora y el mencionado Fran Fernández, añade más magia a su sonido y a sus canciones. Ahondan más en terrenos de la new wave, la psicodelia y el synth-pop, las melodías que acompañan a las letras no son meros hilos que sostengan a las primeras, sino que están en constante cambio y buscando sonidos más trabajados que el de la canción pop corriente.

La carta de presentación, el single con el que conquistar al público, fue desde un primer momento un himno, a la altura de los que componían con El Niño Gusano (“Angel Guardia”, “La Mujer Portugesa”…). Y es que “Adoro a las pijas de mi ciudad” es pura dosis de lo que posteriormente denominarían como Costabravismo, en el EP de mismo nombre. Templado ritmo, Fran Fernández suave en su fraseo y firmando la letra quizás más cantada por todos los seguidores del grupo. Ya con este hit lo tenían todo de cara, el pelotazo estaba asegurado entre cierto público, y la sorpresa también llegó con una mínima aceptación por un público más alejado a toda esta “movida” (véase secta, masonería, adictos, melómanos, y un largo etcétera…).

Pero allí no empezaba ni acababa el disco. El verdadero comienzo al introducir el compacto en el estéreo llegaba con “Falsos mitos sobre la piel y el cabello”, impregnando, como sólo saben hacer ellos, de alegría los temas más tristes, pese a que aquí tampoco es uno de sus temas más joviales. La continuación quedarían en manos de “Vuelvo a ser yo”, Ennio Morricone es trasladado de sus western para vestirle de pop entre psicodelia pura, de las mejores de este trabajo. Después la ironía y la gracia que ya dejaron ver con “Natalia Verbeke”, vuelve a aparecer en “El cumpleaños de Ronaldo” y “Canción para Beyoncé Knowles”.

El resto se reparte con “Toni”, un anticipo del sonido que llevaría a cabo Francisco Nixon en solitario más tarde, “Dos ostras” con buenas subidas y bajadas entre distorsión, y por último “Los jóvenes realizadores”, otra de sus letras destacadas.

Con este trabajo La Costa Brava demostraron que la incontinencia artística de cuatro discos en dos años puede ir unida con grandes frutos, buenas canciones pop y un punto de distinción dentro de este género, aportando más bien una “filosofía” con la que afrontar la vida y la música, más que canciones sueltas para olvidar tras su escucha.

 

para Retro Música

 

La costa brava – Adoro a las pijas de mi ciudad

Xabel Vegas & Las Uvas de la Ira – El Óxido

 

 

Xabel Vegas & Las Uvas de la Ira - El Óxido – Mushroom Pillow – 2008

 

Por aquí el término cantautor está muy denotado. No hay casi ningún artista que se autodenomine a sí mismo como tal ahora mismo, y en cambio sí que suelen atribuirse la denominación de songwriter. El concepto anglosajón sí, el original no. Los motivos pueden verse en toda la generación de cantautores que ha tenido España y que durante décadas triunfaron tanto. Por desgracia, la unión entre estos artistas y ciertos criterios, como ver en ellos estatismo u obsolescencia, están a la orden del día. Es el propio Xabel Vegas quien aclara que no es ningún cantautor en el dossier: “Soy muy cobarde y me gusto muy poco como para cantar sólo con la guitarra acústica; quiero hacer rock.” Pero cuando empieza a sonar El Óxido no se ve ese disco de rock tal y como se entiende “rock”, lo que sí que se ve es el folk propio de una persona que dota de una gran importancia la letra por encima de la melodía acompañante de éstas últimas.

Y es que las letras es lo mejor que tiene este trabajo, versos que ahondan en actitudes y vivencias personales, pero que como todas las buenas letras, se pueden personalizar en cada persona. Xabel Vegas dota a cada verso de un fraseo característico iniciado por su hermano en España, y que ha variado respecto a su primer EP, Canciones Sobre Traiciones y Mentiras (2007, Mushroom Pillow). En él se veían cinco canciones muy próximas a la discografía de Nacho Vegas, y ahora consigue una distinción mayor. Quizás un paso más que le separe de tanta sombra familiar, siempre pesada.

Para poner en pie las canciones se vale de nuevo de la banda Las Uvas de la Ira, está vez formada por: Jon Álvarez, Eras Sánchez, Eva Díaz y Alfredo González. Aunque la parte melódica tampoco está tan explotada, es más bien un soporte, muy bien trabajado, pero soporte. A veces se intercambia el papel protagonista de quién lleva a quién en la canción, si la letra o la propia melodía, pero suele ser la primera quien se haga con el dominio.

Todo primer largo es un examen para cualquier artista, y más si tiene detrás el peso de la gran obra hecha con Manta Ray, se busca en él un sello distintivo para seguir su obra. Este sello, el toque personal del músico bueno, Xabel Vegas lo consigue en su primera obra; sobre todo con dos canciones: “Dios Salve Al Rey” y “Aida ‘La Carbonera’”. Ambas son dos buenos ejemplos de letra y fuerza en el que sí puede verse ese “rock” que busca el gijonés, aunque se busque más bien el espíritu del género mítico y no su sonido propio. La primera es una letra perfecta, enrevesada, con juegos de significados, con un gran cambio de ritmo y con una ironía propia de los buenos escritores de canciones (que no cantautores). Y la segunda, sigue el mismo camino, las guitarras mantienen su papel protagonista, y el estilo de la narración recuerda a “Maldición” de su hermano, con personajes como Ezequiel, perdedores y olvidados por el resto de la sociedad.

Esta pareja no son las únicas que dejan un buen sabor de boca, también “Dulce Sangrar”, más templada con leves subidas y una duración de nada menos que siete minutos, “Exilio, País Natal”, compuesta de una letra que todos alguna vez sentimos como propia, y “Plan Num. #3#”, un buen broche final para el trabajo.

Entre medias quedan otras como la intimista “Encadenado”, voz, piano y amor, o “Enciéndeme”, con un buen ritmo, pero les falta un punto más que les impulse como las anteriores. Al igual que le pasa a “Junto Al Mar” con su constante repetición del estribillo.

Todo ello da pie a un álbum sólido, que le lleva por un camino construido en buenas canciones y buenas letras, sin referentes anglosajones (él prefiere su propia experiencia) pese a estar muy cercanos buenos nombres del género, e iniciando con él su (esperemos) prometedora carrera de fondo.

 

para Retro Música

 

Xabel Vegas – Neu!Club 17/02/07

Triángulo de Amor Bizarro – Entrevista

 

 

“De mayor quiero ser como Alan Vega“

 

Todo buen grupo necesita en un momento dado sacar unas caras B, un disco de rarezas para premiar a sus seguidores, o simplemente para satisfacción propia. Triángulo de Amor Bizarro con sólo un trabajo en el mercado ya ha hecho lo que otros hacen sólo cuando están en una época donde necesitan vender algo por no poder producir mejor contenido, con la salvedad de que los gallegos no se encuentran en esta época, por el contrario, están muy vivos y preparan segundo disco en breve. El Hombre del Siglo V deja ver al “gran público” lo que unos pocos habían podido escuchar a través de maquetas, unos Triángulo más shoegazer, oscuros, y con mayor distorsión; añadiendo cuatro temas inéditos para completar la oferta.

¿El Hombre del Siglo V ha sido idea vuestra o de la discográfica? ¿Qué os ha llevado a la publicación de este material?

La idea de sacar las canciones no incluidas en el disco ya la teníamos todos desde el principio. Pero la idea de incluir las maquetas es más bien de Marcos. A él le seguían pareciendo interesantes las versiones maqueteras de las canciones, y aprovechando que había espacio de sobra en el cd pues nos decidimos a incluirlas. Además, bastante gente nos pedía todavía las maquetas, y otra seguía prefiriendo las versiones en maqueta al disco, así que sacándolas ahora, todos contentos.

Si era tal la calidad del sonido sin necesidad de un productor ¿Por qué no probasteis a publicar vuestro material tal y como estaba? ¿Es necesario dejar ciertas cosas también a otros para que mejoren el resultado desde un punto de vista ajeno al del grupo?

Cuando nos metimos a grabar el disco, las maquetas llevaban ya un año grabadas, y las canciones habían cambiado bastante. Además, la idea de que alguien por entonces ajeno al grupo siempre le da una visión más objetiva, o por lo menos, distinta. La verdad es que desde entonces Carlos Hernández está involucrado en el grupo como el que más, así que el siguiente disco ya lo haremos otra vez como las maquetas, entre nosotros (incluyendo a Carlos, claro está).

En este recopilatorio sonáis más cercanos a la escena de la No Wave con Suicide, al post-punk con Devo, o dentro del shoegazer con My Bloody Valentine. ¿Son referentes buscados a la hora de componer?

Yo soy fanático de Suicide desde hace años. Alan Vega es el lado oscuro de Elvis, y por lo tanto incluso más molón. De mayor quiero ser como él.

Empezasteis con las maquetas a dar salida al grupo ¿En un comienzo hay que centrar todo el potencial en este material?

Nosotros con las maquetas teníamos presente que queríamos hacer algo que se sostuviese por sí mismo, no una colección de canciones para dar al primero con pinta de estar en un sello. No pensábamos entonces ni regrabarlas en un futuro, ni que realmente eran demos. Tardamos más en grabarlas que el propio disco. Teníamos muy claro como queríamos que sonasen las canciones, y las veíamos como un conjunto inseparable. Como un disco, vamos.

Con las dos maquetas que autroprodujisteis quedasteis semifinalistas dos años consecutivos en el Proyecto Demo ¿Por qué creéis que no pasaron a la final estas maquetas y ahora se os presenta como el grupo que por suerte ha dado una bocanada de aíre fresco a la escena?

Hombre pues no sé. El tópico de que la música no es cuantificable y todo eso… los concursos están bien para que la gente se entretenga, pero no para tomarlos muy en serio.

¿Qué pensáis de que os mencionen constantemente como la nueva revelación, una propuesta necesaria para la escena, incluso como “patada en la boca al rock”…?

Hombre, esas cosas hacen gracia, pero como gran consumidor de prensa musical he visto de todo. Creo que no tiene mayor importancia. Lo importante, (otro tópico) son las canciones.

En una entrevista os leí decir que queríais imponer, no recuerdo las palabras exactas pero era más o menos así, el post-punk aquí en España frente al blues-rock que se hacía desde siempre ¿A qué viene esta idea?

Si mal no recuerdo, eso había sido en una entrevista para desconcierto.com creo que era la época esa en el que Bush y Aznar andaban dando vergüenza con el rollo ese de justicia infinita. Grabamos un video muy de la época contestando las preguntas de la entrevista en clave talibán. Al final no enviamos el video, ya que quedó un poco fatal. Supongo que hasta para hacer un video amenazante hacen falta más medios.

Las letras no pueden ser más enrevesadas, duras y a la vez geniales, ¿En qué os inspiráis para componer versos tan buenos?

Pues muchas gracias, así ya me desarmas…Yo creo que sólo hay que ver lo chungo que está el mundo y no pensar en la familia, o por lo menos explicarle que toda esa mierda no está de veras en tu cabeza, aunque después sea mentira, si que está. Para el primer disco decidimos no usar un lenguaje literario, y desde luego, alejarnos lo más posible de los tópicos del rock, salvo cuando los usamos siendo plenamente conscientes de ello. Es un poco un juego de alejarte y acercarte, dar vueltas para después clavarla. Como en la naturaleza, o en el futbol.

En este sentido me recordáis mucho a Surfin’ Bichos, la combinación entre oscuridad musical y lírica es casi perfecta. Con el grupo albaceteño cada vez tenéis más uniones, Pascual colaboró en vuestro primer disco, ahora vosotros haciendo una versión de “Un Perro Feliz”… ¿Cómo veis estas “casualidades”? ¿Podríais ser los continuadores del legado de Surfin’ en la actualidad?

Hombre, yo creo que cada grupo tiene su sitio y su momento. Surfin´ Bichos siguen de ahí, aunque haciendo otras cosas, para mí igual de interesantes. Creo que el disco de Travolta es de lo mejor del año. Nuestra máxima aspiración como grupo es llegar a tener entidad propia. Está claro que todavía nos falta mucho, con un solo disco no conviene hablar de estas cosas, ya que creo que es mal agüero, pero en eso estamos.

Ya puestos, ¿Por qué la elección de “Un Perro Feliz” y no otra para el homenaje de Surfin’?

Lo del disco homenaje pues surgió a partir de un concierto que dimos en Albacete. Casi todas las canciones estaban ya pilladas, y escogimos esa porque aparte de ser del primer disco, que es del que menos se acuerda la gente, emana alegría y bizarría.

¿Qué habrá en el segundo largo de Triángulo de Amor Bizarro?

Pues procuraremos que haya buenas canciones. Así de pronto, ni nos planteamos cambiar ni seguir igual. Un poco lo que surja. Ahora tocamos un poco mejor, así que posiblemente sea más rápido, más ruidoso y con mejores estribillos. Y obligaremos a Isa a cantar más.

 

para Muzikalia

 

Triángulo de Amor Bizarro -  Isa vs el partido humanista

La Habitación Roja – Posidonia

 

 

La Habitación Roja – Posidonia – Mushroom Pillow – 2007

 

Cuando se establece la “moda” de derribar a un grupo por la crítica no hay quien lo entienda, un día arriba, aplausos por favor dice el cartel, todo son alabanzas, ¡qué disco! ¡el mejor de vuestra carrera!, después… palos, sin control, palos y más palos. ¿Motivos? Cada uno que saque los suyos propios. Por aquí uno de los grupos preferidos a derribar últimamente es La Habitación Roja. El grupo valenciano ha recibido algunas críticas demoledoras de su último trabajo cuando no está tan mal como lo pintan algunos. No sé qué esperarán, pero lo suyo es el pop rock, no van a hacer nada nuevo revisionando el funk al estilo de Funkadelic, ni cogerán el jazz y harán un tirabuzón doble en el aíre como Miles Davis hace con su trompeta… Ellos son un grupo que se ha ido labrando una carrera firme, con tres grandes discos –La Habitación Roja (1998, Grabaciones en el Mar), Largometraje (1999 , Grabaciones en el Mar) y Nuevos Tiempos (2004, Mushroom Pillow) y otros más del montón, pero ya les gustaría a otros conseguir ese montón.

Tienen ese valor de firmar canciones muy pegadizas con letras más o menos logradas, lo que viene siendo la típica canción pop. El hecho de que lleven tantos años en activo y de que lo nacional se rechace por aquí como si fuese la última plaga, puede ser dos de las razones de este derribo. Ya que si fuese un grupo británico, o estadounidense, y repitiese la misma fórmula hasta hartar, muchos permanecerían callados y comprándose (mejor dicho, bajándose) el disco.

Ahora bien, nadie justifica este EP como algo a tener en cuenta, a escuchar sí o sí, como uno de los mejores del año… No, más bien todo lo contrario. Es un EP que bien podría no escucharse y pasaría igual de desapercibido. Es un material para los fans de La Habitación Roja y poco más. Repiten la fórmula de su último trabajo y vuelven sin nada nuevo, parecen más bien caras-B o canciones dejadas fuera del material definitivo, que canciones nuevas propias para tal referencia.

“Posidonia” encabeza el EP como es de esperar, la sigue “Las Palabras No Funcionan” cuyo título bien podría aplicarse a la canción, anodina como “No Somos Nadie”, donde las guitarras y la voz hacen lo mismo de siempre, arriba abajo y algún que otro break pegadizo. “Metropolis” apuesta por un instrumental lineal, “Jack Frost” mejora un poco en la mezcla entre pop y guitarras, “Como Antes del Final” le aporta más vida en el ritmo y “El Amor y Otros Monstruos” es otra de sus canciones de amor tranquilas, aunque esta es demasiado tranquila y sosa.

Un EP apto para los incondicionales de la banda. Según el propio grupo el siguiente largo cambiará el registro y habrá que esperar a ver por dónde van. Hasta ese entonces mejor quedarse con sus anteriores discos que con este trabajo.

 

para Retro Música

 

La Habitación Roja – Posidonia (Acoustic)

Triángulo de Amor Bizarro – El Hombre del Siglo V

 

 

Triángulo de Amor Bizarro – El Hombre del Siglo V – Mushroom Pillow – 2007

 

Hay dos formas de entender o abordar este disco: La primera de ellas es desde la comprensión de una recopilación de caras B e inéditas; la segunda es desde un punto de vista más crítico viendo aquí la “gallina de los huevos de oro”. Las dos son válidas, Triángulo de Amor Bizarro son una de las sensaciones del indie nacional del 2007 y es entendible que su discográfica quiera exprimir al máximo su rentabilidad, cada uno podrá ver adecuada o no la publicación del disco desde este punto de vista, pero al fin y al cabo lo que los seguidores del grupo buscamos es más material, independientemente de la política de empresa.

Echando cuentas vemos sólo cuatro temas inéditos frente a los nueve que construían el disco homónimo de la banda gallega. Escaso material para disfrutar de nuevas canciones, aunque la justificación se encuentra en que en un principio iba a ser un single de transición antes de su segundo largo. La incorporación de nuevo de los temas ya publicados se basa en la alta calidad con que fueron presentados en formato maqueta, gracias a ello vemos las versiones originales que se barajaban y que fueron modificadas. La distinción entre nuevo, entendido como inédito, y antiguo, publicado con anterioridad, puede limitarse a meros convencionalismos. Las canciones escuchadas hasta este momento dejaban un gran sabor de boca, firmando un disco redondo en el que todo cuadraba a la perfección. Pero por qué ese sonido, por qué una producción más cuidada en vez de un sonido más potente, por qué delimitar la distorsión y las partes melódicas. El Hombre del Siglo V cuenta con esa baza, con la presentación de lo que podría haber sido.

Un sonido crudo, las guitarras aún más protagonistas si cabe, estructuras que van desde la escena shoegazer, hasta el post-punk pasando por Suicide y compañía. No hay un solo segundo que no tenga su carga imponente. La voz de Rodrigo Caamaño casa mejor aquí buscando el sitio a versos duros, a versos que cuando se logran captar en su totalidad llega la orgia de todos los elementos combinados.

El primer pico llega con “El Crimen: Cómo Ocurre y Cómo Remediarlo”, es mejor que el resultado publicado con anterioridad, más oscuro, propio de la escena No Wave, alargando los instrumentales y la distorsión. Siguiendo a esta, casi todas suenan imparables. “El Himno de la Bala” aporta más de un minuto a uu sonido desgarrador, “Isa vs. El Partido Humanista” nos presenta una locura cercana a Devo, más desnuda, con la voz de Isabel Ceba ganando protagonismo. Por el contrario “El Fantasma de la Transición” es idéntica, la apreciación es mínima si no se confrontan a cada segundo el original y la maqueta. “Ardió la Virgen de Las Cabezas” empeora ya que es una versión con una duración menor, y “Para Los Seres Atados a Condiciones Terrenas” le falta la crudeza que tiene en la versión definitiva.

Por su parte, los cuatro temas inéditos mantienen el sonido y el nivel. “Salud y Belleza” repite un riff constante y al final le falta un toque más a la hora de romper, “El Hombre del Siglo V” es un buen apetito para esperar al siguiente trabajo, y junto con “Pantalones Abajo Marinero” recuerdan, de nuevo, a Surfin’ Bichos. Por último “Nosotros Honrados Bárbaros” apuesta por los desarrollos instrumentales sin salirle mal la jugada.

 

para Muzikalia

 

Triangulo de Amor Bizarro – El Himno de la Bala (Radio 3)

Tarik y la Fábrica de Colores – El Hueso y la Carne

 

Tarik y la Fábrica de Colores – El Hueso y la Carne – Mushroom Pillow – 2007

 

Es una alegría poder escuchar nuevo material de Tarik sin tener que esperar ocho años más como pasó con Sequentalee (2005, Mushroom Pillow). Esta vez un contrato a cumplir, un mercado más abierto, una mayor difusión de su música, ampliando así el número de seguidores, hacen de Tarik uno de los compositores punteros en la actualidad. Ventas o no, él se vale de sus canciones para demostrar su valía.

El tópico de último disco-mejor álbum aquí sí puede verse. En apariencia estamos ante un nuevo disco pop y por tanto más de lo mismo, pero cuando se empieza a prestar atención se ve que nada es tan sencillo. Álvaro Muñoz consigue una riqueza de matices esquivando la canción fácil, el estribillo y la repetición de la fórmula. Se nota la cultura musical en la variedad de referentes, ya que lo mismo presenciamos la influencia de la bossa (“Fontaine, Fontaine”) que del indie rock de los noventa (“La Ascension de Lupo”). A lo que el cordobés dota de buenas letras, enigmáticas en muchos casos, creando la incertidumbre por el significado de algunas de estas. Pese a que el inglés le resulte más fácil para cantar, recurre al español por completo en los diez cortes del álbum, amparándose en que el oyente de por aquí sólo reacciona emocionalmente en su idioma.

Ha sido grabado en el estudio de sus amigos Los Planetas, y contando ya como miembro estable con el batería de estos, Éric Jiménez. Es con el grupo granadino con quienes más se acerca en determinados temas al compartir las mismas influencias, pero intentar acercar a Tarik y su fábrica con algún grupo en concreto es en vano, cada canción tiene su sello personal. Así “Antes de la Niebla” con unas guitarras más crudas que de costumbre, y una melodía donde se recrea, suena diferente a todo lo anterior de su repertorio; “Nadador” se encuentra en esta misma línea sorprendiendo con el final instrumental; “Tormenta Esta Noche” es un himno pop que no se despega de la cabeza al igual que “Agosto, por Ejemplo”; y donde se resume la filosofía del disco es en “Vuelta a Los Colores”, en la que la letra nos deja versos como: “No más sumisión, no más religión, que ya está bien de sermones. No quiero más dogmas, rechazo las normas, porque vuelvo a los colores”.

Engancha, es alegre, y tiene la magia del pop de genios como Costello o Ray Davies, de los que tanto ha bebido con anterioridad. Otro buen disco para la discografía de Tarik y la Fábrica de Colores.

para Popchild

Tarik y la Fábrica de Colores – Entrevista

El único criterio objetivo son las ventas

La época en que esperar un nuevo disco de Tarik con su Fábrica de Colores se hacía eterno, pasando siete años u ocho entre cada referencia nueva, ha pasado temporalmente. Ahora se presenta de forma estable al mercado con Mushroom Pillow como aliada para sus tres nuevas referencias. Sequentiale (2005) nos avisó de que no había dejado este mundillo, de que seguía componiendo a un gran nivel bebiendo de unas fuentes clásicas entre Ray Davies y Elvis Costello, y la siempre influencia del northern soul. Dos años después, El Hueso y la Carne, título que bien podría aparecer como uno más de Surfin’ Bichos o de Chucho, mira más allá del pop psicodélico de su antecesor. Ahora las guitarras tienen más protagonismo, y el español ha sustituido al inglés en todas las canciones del disco. Si quedaba alguna duda de cuál era el sitio de Tarik en esta escena, esta nueva entrega lo despeja, consolidando su situación con calidad y un buen sonido. Publicando uno de los mejores discos del año.

De sus cuatro discos hasta ahora, por una vez se cumple lo que en todos los procesos de promoción se oye o se lee, “este es mi mejor disco”. ¿Cree usted que es así?

Por supuesto.

¿Y qué hay detrás de “El hueso y la carne”?

Algunos verán vísceras. Otros, espíritu, alma, conciencia…

Cuando empecé a escuchar el tema “Subir Al Tren” y llegaba al estribillo, en vez de “subir al tren” entendía “suicídate”, claro, me extrañó, y ya en escuchas posteriores lo descifré. Me imagino que será una anécdota sin más, unas risas tontas y fuera, pero veía a bien comentarlo. Ya que estamos, ¿Subir a qué tren?

El suicidio sería más bien “Tirarse Al Tren”. Teniendo en cuenta que en el disco anterior, Sequentialee, había una canción que se llamaba “Velvet Suicide”, hubiera sido demasiado insistir en el tema. Nada de suicidios. Por eso y porque se dice de mí últimamente –por lo que he leído– que soy un tipo “psicológicamente inestable y caprichoso”. Quien esté libre de pecado, que tire la primera piedra. ¿El significado de Subir Al Tren? Tú mismo.

Cada canción tiene una carga muy importante en la letra, no son meros acompañamientos a una melodía más o menos efectista. ¿Qué mensaje guardan algunos de estos temas?

No me gusta explicar las letras de mis canciones porque no son artículos de divulgación científica ni nada objetivamente tangible. Tiene que haber un margen razonable de interpretación individual por el que cada persona tienda a adaptarlas a sus “necesidades” emocionales, singulares e intrasferibles. Así se pueden despertar las emociones, pero no explicando el mensaje fuera de su contexto. Cuando estudiaba Diseño Gráfico, teníamos un profesor que nos ponía diapositivas de sus pinturas surrealistas y se empeñaba en descifrarnos los mensajes subyacentes de cada uno de ellos. Me resultaba patético.

El disco fue grabado en el Estudio Antiaéreo, seguro que la experiencia fue magnífica. ¿Qué puede decir de ello?

Que es un estudio analógico estupendo (no menos cierto es que ha de estar siempre en manos de un técnico que lo entienda), que los dueños son amigos míos y que está junto a Sierra Nevada.

Cada vez es más cercano el sonido a grupos como Los Planetas, “Antes de la niebla” tiene unos arreglos que bien podría estar dentro de su repertorio, y en otras pasa lo mismo, ¿Hay intención de acercarse a este sonido?

Los Planetas y Tarik y la Fábrica de Colores bebemos de muchas fuentes comunes. Yo no voy a ocultar mi admiración por gran parte de su repertorio, así como por las letras de J, pero ellos tampoco han ocultado nunca la suya por nuestras canciones. Cuando volví de Londres y grabé “On The Radio”, fuimos a tocar a Granada y allí estuvieron Los Planetas, en nuestro concierto. Por entonces yo ni había oído hablar de ellos, pero, con toda la humildad del mundo, vinieron a saludarnos a los camerinos y ese fue el comienzo de una amistad que dura hasta la fecha. Siempre quisimos hacer cosas juntos y, de momento, Eric ha acabado tocando también conmigo. No puedo pedir más.

Pregunta casi obligada, pone en la nota de prensa que los motivos para sólo cantar en español no existen. Antes he considerado que su música si de algo no peca es de banal y sencilla, no creo que una decisión de este tipo se tome a la ligera cuando hace dos años decía en una entrevista que le resultaba más cómodo el inglés. ¿Ha cambiado algo para que sólo cante en español?

El inglés me sigue resultando más cómodo para cantar y, créame, no diría lo mismo si me dedicara al flamenco. Además, el hecho de ser bilingüe me permite dedicarme con el mismo entusiasmo a escribir letras en ese idioma. En mi opinión no es tan importante lo que digas, sino cómo lo digas, y eso requiere una concepción espiritual e intuitiva del lenguaje que no tendrías si ni lo dominaras. Por eso pienso que la poesía es la perfecta y excelsa sofisticación del lenguaje. Bueno, no es este mi caso, obviamente –entre otras cosas porque yo no escribo poesía, sino canciones pop–, pero para “tocar” el estado emocional del oyente de este país es necesario cantar en español. No hay vuelta de hoja.

Mezcla gran variedad de tempos en todo el disco, bien puede haber una canción como “Fontaine, Fontaine”, lenta, con una guitarra sólo, y en el otro extremo “La Ascension de Lupo”, por mencionar la que continua en el trabajo. ¿Esta gama de “colores” es buscada o es casual? Desde el punto de vista nuestro, el del oyente, resulta de agradecer.

Toda obra que dure más de quince minutos necesita de unos puntos de inflexión, cambios de dimensión, o como quiera llamarles, que descongestionen los oídos del oyente. Un disco monolíticamente homogéneo (perdón por la expresión) es, técnicamente, un aburrimiento.

En algunas canciones como “Agosto, por Ejemplo” o de Sequentialee me recuerda al sonido de Álex Diez y sus Cooper o a gente como Brighton 64 sin la presencia constante del garage. Un pop alegre que bebe tanto de los Small Faces como de Ray Davies. ¿Cómo lo ve usted? ¿Tiene algún vínculo con el movimiento mod en su sonido?

Comparto con los mods el gusto por el Northern Soul y ciertas bandas de los ‘60, la afición compulsiva a comprarme ropa y la irrenunciable voluntad de salir a la calle con cierta preocupación por la imagen que ofrezco.

Todas esas líneas que abarca la nota de prensa sobre su imagen en un tono diferente al que nos tiene acostumbrado tal formato, ¿a qué se debe? ¿Tan importante es la imagen?

Si dijera que soy de los que se tiran horas delante del espejo antes de salir a la calle, mentiría. Ni tengo tiempo para ello ni creo que sea necesario darle tantas vueltas. Pero ¿acaso no es importante la imagen en bandas como Ramones, Flaming Lips o White Stripes? Incluso los artistas aparentemente más despreocupados por la imagen están dando una imagen característica. La imagen puede ser sencilla y sobria, o puede ser epatante e incluso esperpéntica, como las túnicas de las bandas sinfónicas de los ’70, o el extra de maquillaje de los Nuevos Románticos. ¿Qué pasaría si no cuidáramos la imagen? Imagínese un cantante con una camiseta talla XL en la que se lea ”I Love Portugal”, unos vaqueros lavados a la piedra y unos mocasines con calcetines blancos. ¿Daría usted un duro por ellos? Personalmente, prefiero dar una imagen sobria, con la que yo me encuentro más a gusto, pero siempre apostaré por las buenas maneras en el vestir como mensaje de respeto al prójimo. Es como la higiene.

Habiendo sacado su segundo disco con Mushroom Pillow ya sólo queda uno según el contrato que firmó por tres discos. Sé que es lejana la fecha y que quizás la pregunta también. Pero el nivel que está manteniendo nos dará Tarik para rato sin tener que esperar tanto tiempo como pasó hasta su vuelta ¿no? ¿Algún plan de futuro que podamos saber?

Una vez le dije a Marcos Collantes, de Mushroom Pillow: “Marcos, me caes bien. Lástima que nunca podamos llegar a ser amigos”. Y es la verdad. Los artistas, en las compañías discográficas, somos números. Unos se llaman 8.000, otros, 1.500 y otros, 500. Los que se llaman 500 han de irse, se pongan como se pongan las 500 personas que se compraron su disco y esperan impacientemente el siguiente. Suena cruel, pero es la verdad. El único criterio objetivo que una compañía puede aplicar como garante de continuidad de un grupo en su catálogo son las cifras. La calidad es un valor privado para quien acoge la música en su corazón.

para Muzikalia

Tarik y la Fábrica de Colores – Entonces Por Qué

Xabel Vegas – Entrevista

Rechazando comparaciones, rechazando encasillarse junto a cantantes de la talla de Aute para sentirse más cerca de Bob Dylan, y sobre todo evitando la sombra de su hermano aparentemente presente en el disco. La intención era simple: poder expresarse por sí mismo bajo otros parámetros que hasta ahora marcaban su música en Manta Ray, necesitaba cargar de un mayor protagonismo a unas letras que en el grupo gijonés son el segundo plano frente a las guitarras. Tenemos un anticipo de su puesta en largo con el minicd Canciones Sobre Traiciones y Mentiras y la buena noticia de que Manta Ray continuará contando con su presencia. Ahora ya sólo queda disfrutar de éstas grandes canciones.

El debut es de una calidad bestial, todo. Queda poco de Manta Ray, alguna que otra subida en las guitarras, y mucho de cantautor en la línea de Aute. ¿Cómo ves tú tu propio trabajo? ¿Es lo que querías conseguir?

Lo que buscaba trabajando en solitario era abordar una parte de la música y de la composición que con Manta Ray no tenía cubierta. Me refiero a la parte más narrativa, más textual… Los textos son centrales, cosa que no sucede en Manta Ray. De todas maneras no quiero verme como un cantautor tipo Aute (con todos mis respetos) sino como un músico de rock con inquietud por las letras. Bob Dylan sería un buen referente en ese sentido.

Primer trabajo en solitario y te lanzas ya en labores de producción, contando la ayuda de Kaki Arkarazo, ¿qué ha motivado éste hecho?

Bueno, es mi primer disco en solitario pero con Manta Ray siempre hemos autoproducido nuestras grabaciones (también con la ayuda de Kaki), así que no me daba ningún miedo hacerlo. Menos aun contando con Kaki y en su estudio. Además, me costaría muchísimo dejar que alguien ajeno a mi produjera alguno de mis trabajos. Me gusta tener el control del producto final.

¿Esta salida en solitario se va a continuar en un futuro o seguirás con Manta Ray? ¿Necesitabas dar rienda suelta a un proyecto en solitario?

Si, lo necesitaba. Y además no es incompatible con Manta Ray. Por ahora convivirán ambos proyectos, aunque reconozco que ocupa más espacio en mi cabeza y más tiempo en mi vida Xabel Vegas que Manta Ray. Quizás porque en Manta Ray somos cuatro personas y nos dividimos el trabajo al 25%.

Las coincidencias son muchas, y la pregunta seguro que la esperas. Tu hermano Nacho salió de Manta Ray, tú también, sacó un mini-cd como presentación (él contaba con Aroah, y aquí no, vale), tú también, el sonido es muy parecido, y las letras son de una calidad que parece como si os hubieses reunido a componerlas juntos. ¿Hay algo de tu hermano en éste proyecto?

No, no hay absolutamente nada de Nacho. Ni siquiera he escuchado sus últimos discos. Pero supongo que las comparaciones serán inevitables, vaya. Y en este caso yo soy como Ralf Schumacher o como Marc Gasol. Jejeje…

Con un título como Canciones sobre traiciones y mentiras vas directo al grano, ¿es todo sobre algo malo? ¿El arte siempre viene de algo duro para convertirse después en algo apreciado ­–desde las pinturas de la guerra de Miró hasta las canciones de Joy Division, por poner un ejemplo–?

Supongo que hay más poética en el dolor que en la felicidad. Pero aun así yo trato de utilizar también el humor en las canciones para que no se conviertan en “canciones atormentadas”. En cuanto al título, una vez grabado el minicd me di cuenta de que todos los temas hablaban de uno u otro modo, sobre la traición y la mentira, elementos ambos que siempre me han interesado y me han parecido fascinantes. Pero supongo que fue fruto de la casualidad. No había intención, en principio, de hacer un disco alrededor de una idea.

¿También eres de los que siente “simpatía por el débil”? Le dedicas hasta un agradecimiento a éstas personas

Si, la simpatía por el débil, de cualquiera de las formas en las que se pueda entender esa frase, siempre ha sido un motor de mi vida y de mis emociones.

¿Cuál es el por qué del sobrenombre del grupo “Las uvas de la ira”?

Está basado en la novela de John Steinbeck. Nada más puedo decir que quien sea capaz de leerla y no emocionarse ni empatizar con el dolor de quien sufre injustamente está hecho de piedra.

Hay una dedicatoria a la librería Paradiso, me imagino que será de Gijón, las letras beben mucho de la literatura o son más personales?

La Librería (y tienda de discos) Paradiso es un referente en Xixón para la gente con inquietudes culturales. Además yo trabajé allí una temporada, así que para mí es uno de los rincones de Xixón que toda la gente que visite la ciudad debería conocer.

Siento insistir en éste hecho, pero soy un gran admirador de tu hermano y tus letras unidas a tu voz y la música me hacen escucharle a él muchas veces. Es admirable la elevada calidad de ambos, ¿no habrá ningún trabajo conjunto en el futuro? Si hubieses sustituido a Bunbury en las Cerezas el resultado hubiera sido espectacular.

Gracias, de veras. No, no creo que haya una colaboración directa mía con Nacho. Sería alimentar más el morbo de las comparaciones.

para Popchild

Xabel Vegas & Las Uvas de la Ira – Canciones Sobre Traiciones y Mentiras

Xabel Vegas & Las Uvas de la Ira – Canciones Sobre Traiciones y Mentiras – Mushroom Pillow – 2007

Brillante es poco, perfecto también se queda vacío, y completo no consigue definirlo bien. El debut de Xabel Vegas sorprende y agrada en cuanto empieza a sonar el primer verso de “Nuestra sociedad secreta”. Acompañado por Las Uvas de la Ira, formado por: Eras Sánchez (bajo, guitarra y coros), Jon Álvarez (guitarras y coros), Iker González (pianos y teclados), consigue dar cuerpo a su primer trabajo en solitario tras Manta Ray. Xabel Vegas emprende así su carrera como ya lo hiciese su hermano Nacho en 2001, coincidiendo en muchos aspectos: su salida de Manta Ray, su primer trabajo es un mini-cd… y sobre todo, en la música.

Es la única traba con que se podría encontrar el gijonés, que la sombra de su pariente sea más grande que la personalidad propia. Por otro lado si se le empieza a tachar de demasiada similitud sería caer en el error, no es idéntico, aunque sí parecido. Sigue la estela de buenos cantautores como Aute en los que la letra es esplendida y la música semejante entre ellos. Un público, el de su hermano, podrá recibir éste debut con antagonismo por lo ya comentado anteriormente, pero tendría que triunfar debido a la calidad del conjunto. Agradeciendo finalmente la apuesta por éste sonido y no por otro, con lo que aumenta la oferta escasa (o nula) que hay en el panorama actual de éste país.

Las cinco canciones tienen a la guitarra y a la voz como elementos principales. “La cena” es la más desnuda de todas ellas, una guitarra lenta y alejada acompaña a la voz tranquila de Xabel que narra una dura historia. Mientras “Nuestra sociedad secreta” es la más rápida, con coro y una batería más marcada, reflejando una complicada historia de amor; “Simpatía por el débil” se guarda las subidas para el estribillo en la que parece una historia autobiográfica; “El polvo no me puede matar” se acoge a un riff mantenido y a los teclados de Iker González para rememorar la música de los cincuenta; y finaliza con “Dinamita” tan pesimista como Nacho Vegas en “En la sed mortal”.

El mejor trabajo en corto que ha salido en lo que va de año, un trabajo que nos permite confiar en otro artista con una gran calidad en su proyecto, en su música y sobre todo en sus letras. Esperando ya, como siempre que algo bueno se nos presenta en tan breves dosis, el largo.

para Popchild

La Habitacion Roja – Cuando Ya No Quede Nada

La Habitación Roja – Cuando Ya No Quede Nada – Mushroom Pillow – 2007

Los grandes grupos es lo que tienen, si son buenos y de calidad, sus discos se esperan como algo que no llega nunca; si son grandes grupos pero de calidad mediocre, sus discos llegan sin haberlo pedido nadie. La Habitación Roja se encuentra entre los primeros, en la actualidad de la escena española son de los grandes, de los que cada EP o largo causa revuelo y expectación. Y tras dos años de espera entre largo y largo, por fin tenemos otra joya que incorporar a la colección.

Destapan la incógnita, que ya ellos negaban, de si el sonido de “Dirán que todo fue un sueño” (2006), que remitía a una primera época con “Largometraje” (1999) como referencia, iba a ser la continuación en su futuro. “Cuando no queda nada” (2007) no sólo parece evitar ese sonido sino que lleva a un peldaño más el iniciado con “Nuevos Tiempos” (2005). Es Steve Albini quien se vuelve a encargar de la labor de producción, quien les vuelve a conducir por ese sonido que ellos buscan. Se podría hablar del desprestigiado término post-rock, de una evolución de la No Wave, de la vía que grupos como Mogwai están desarrollando, pero sería poner un corsé al disco innecesario. Es el sonido de La Habitación Roja con diferentes estilos de referencia, no hay más.

Lo más destacable es esa chispa que llevan las letras, la ironía buscada en “Tened piedad del expresidente”, donde incluso la prensa “independiente” se lleva alguna que otra torta, están impregnadas de una carga social que antes no tenían salvo excepciones, el single pesimista de “La vida moderna” o la historia de amor decorada con la realidad triste en “Paris ardiendo”; sin que ello conlleve a la falta de su tema principal desde su primer disco: el amor.

“Esta no será otra canción de amor” recuerda incluso al tema de Josele Santiago “Mierda de mago”, “Hoy”, “Los amantes y la paz” la más calmada del disco, junto a “La destrucción o el adiós” que luego rompe y finalmente la que cierra y da título al disco, “Cuando ya no quede nada”. Más dos canciones que se perfilan como hits en su repertorio: “Posidonia” y “No hay dinero”.

Y luego datos de promoción como masterizar el trabajo en los Abbey Road con Steve Rooke, que han aumentado sus ventas o sus conciertos… sobran. Lo verdadero importante es su música y esta ya se sostiene por sí misma, no necesita ningún plan de marketing para venderla. ¿El disco del año? Porqué no…

para Popchild

Travolta – El efecto amor

Travolta – El efecto amor – Mushroom Pillow – 2007

“Llevo años volando sin detenerme […] Siempre he visto el mundo desenfocado” Joaquín Pascual no podría resumir mejor toda su trayectoria en dos versos de su nuevo trabajo, Travolta. Uno de los músicos más inquietos de la escena independiente no ha parado nunca, hace ya más de diez años establecía una referencia vital en estos lares con Surfin’ Bichos junto a Fernando Alfaro; una vez separados volvió a la carga con Mercromina y ahora disueltos estos últimos sigue echando leña al fuego para que no se apague.

Travolta está formado por su compañero inseparable de viaje Carlos Cuevas, además de dos miembros más: Francisco Cuerda y Ana Galletero. No innovan nada, no hay nada nuevo que poder buscar entre sus doce canciones; sólo la perfección de un pop que pocos saben hacer bien, canciones de longitud media donde no sobra ni un estribillo ni ningún compás, por no decir las letras… A esto se une la producción por otro habitual, Paco Loco. La estructura continúa la línea instrumental y orquestal de Mercromina que tanto gusta a Joaquín Pascual, instrumentos como el teclado (el principal en el disco), una batería muy apagada de fondo que marca el ritmo, la guitarra con algún solo, el violín de Ana Galletero,… y por encima de todo esto la voz apagada de Pascual. No es que en este disco se le escuche más que en otros anteriores, sino que en algunas canciones todo está más en segundo plano (“Telescopio”, “Con los ojos bien abiertos”), en otras es la voz de Galletero quien le acompaña en el dueto (“La casa”, “Juegos de palabras” y “Este momento tan especial” bien parecidas a alguna de La Buena Vida con Irantzu y Mikel en los papeles protagonistas), otras más vitales incluso provocan algún que otro amago de baile (“El efecto amor”, “Corazón valiente”) además de incluir con la inicial y con “Los que se dieron por vencidos” parte de testimonio en las letras.

En un inicio pudo llamarse Chatarra este proyecto, pero otro grupo ya se llamaba así y un nombre tan opuesto a la sensación que transmite esta música hubiese contrariado la percepción por parte del oyente de que no es chatarra lo que escucha sino cantos de sirena en muchos casos. Travolta se queda en el limbo de esa oposición, no se sabe si se ve al mito de Grease bailando a ritmo de pop orquestal o un sueño que sigue rodando por suerte nuestra.

 

para Popchild