Con este último post se pone fin a Ciudad Bohemia, y con ello a una etapa que ha durado más de tres años. Empecé en blogger allá por septiembre de 2005 y luego decidí cambiarme a WordPress. Quedaba dar el salto definitivo a un lugar propio, con dominio y con servidor personal.
Tras cambios y peleas con el servidor, aprendizaje de cómo va todo y mi inconformismo con el diseño, natxosobrado.com está prácticamente listo (nunca lo estará al completo por mi gusto por el cambio). Os invito a pasaros por la web a ver si os gusta.
Poco a poco iré subiendo los links que anteriormente tenía en Ciudad Bohemia, también podéis contactar conmigo vía comentario para un intercambio.
“Yo suelo estar de buen humor”, así comienza una de las mejores canciones de Alamedadosoulna en su nuevo disco Finissimo(2007, Dosoulna Records) sintetizando en buena medida de todo lo que ofrece esta banda madrileña a quienes escuchan su música. La mezcla entre ska y reggae se lleva con buen gusto, culminando unas canciones pegadizas y vitalistas. Con una larga trayectoria a sus espaldas se han ganado el respeto y la distinción del público madrileño en especial, donde ya se les conoce como un grupo que garantizan fiesta y diversión sin parar. La banda cuenta con nada menos que diez personas, cada una con su función concreta y al final se organizan bastante bien tras nueve años en la escena.
¿De dónde viene el nombre Alamedadosoulna?
Es solo un juego de palabras que viene de mezclar “ALAMEDA DE OSUNA” (nuestro barrio) y “SOUL” (la música que empezamos a tocar).
Por Internet la información es mínima, ¿podéis resumir un poco la trayectoria de la banda para hacernos una idea de vuestro recorrido?
El grupo lleva existiendo desde el año 1999,con la única pretensión de divertirse, y escaparse de casa subidos en una furgo. Estuvimos 4 años haciendo gira en Mojacar, alquilábamos una casa en verano y tocábamos en todas las terrazas, chiringuitos de playa, garitos etc. En invierno no ensayábamos ni nada, todo era una excusa para tener un plan fijo de verano para el resto de nuestras vidas. En el 2003 fue cuando decidimos grabar una maqueta con versiones y tres temas propios titulada “verano al soul” y poco a poco empezamos a trabajarnos más los ensayos y a crear un show mezcla de humor, caña, y ska. Ska, música que hoy en día es la banda sonora de nuestro show… En el 2004 con “!!Skrak!!” fue la primera vez que nos planteamos el grabar un disco autoproducido, crear un show, promocionarlo, etc. Fue la toma de contacto. Desde esa primera experiencia en ese sentido, nos ha tocado aprender cómo se hace para sacar un proyecto así adelante, y lo cierto es que nos ha ido muy bien, porque no hemos parado. Hemos tocado por toda España, hemos salido a Europa y hemos visto que el espectáculo que hacemos gusta, y eso te demuestra que no estás loco, que vas por el buen camino. Y en 2007 grabamos el segundo titulado “Finísimo” disco que hoy en día seguimos presentando…
¿Influencias?
Nos gusta compararnos con grupos tanto musicales como teatrales. Nos ha influenciado mucho el humor de Monty Python, y toda la música jamaicana, aunque luego cada miembro del grupo bebe de sus propios gustos: Pop, jazz, rock, rumba…
En el disco parecéis tenerlo muy claro: mucha alegría para conquistar al oyente. ¿Cómo lo veis?
Es lo que nos rodea, el grupo se creó como un método de diversión, supongo que es normal que las canciones lo expresen.
¿La vida así se ve más motivada? ¿Qué papel tiene la música en el estado de afrontar los diferentes retos de la vida?
En mi caso los retos de la vida se han convertido en musicales.
Me ha gustado mucho la mezcla entre el ska y el reggae que hacéis, son dos géneros para no parar si se tocan bien. ¿Cómo veis vosotros esta música y por qué habéis tirado por aquí y no por otro lado?
Aunque al principio tocábamos versiones de soul, no tardó el ska en entrar en nuestro repertorio pues ya lo escuchábamos varios de la banda y con el tiempo nos dimos cuenta de que es: lo que más nos gusta, lo que mejor tocamos, y lo que mejor le va a nuestro show…
¿Cómo es posible organizar una banda de 10 personas?
Llevamos muchos años y poco a poco todos hemos ido aprendiendo y todos hemos ido viendo como a uno se le daba algo mejor que a otro y así… Hoy en día tenemos cada uno un cargo, una responsabilidad dentro de la “empresa”. Productor musical, director de espectáculo, diseñador gráfico, tesorería, vestuario, producción de eventos, archivo de imágenes y fotos, mensajería, Internet… (Risas) Parece una empresa de 100 personas pero No!! Es Alamedadosoulna cada cargo es a la vez un músico.
¿Podéis hablar algo sobre vuestros dos proyectos anteriores Gernica y Cabeza de Canoa y cómo os unisteis?
Éramos dos grupos de barrio, chavalines, los cabeza de canoa eran fans de los Gernica y viceversa. Un día decidimos hacer un concierto compartiendo escenario y al final una sorpresita para nuestros públicos (amigos familias jeje), se trataba de vestirnos todos de blues brothers y tocar unas versiones de Otis Redding… y qué más decir, ese fue el último concierto de cabeza de canoa y Gernika.
Algunos músicos dicen que sus canciones no tienen que ser explicadas, que pierden toda la gracia si se hace. Vosotros en cambio ponéis comentarios e introducís los temas en el disco. ¿A qué se debió este hecho?
Nos pareció original, donde todo el mundo esperaría que vinieran las letras poner una anécdota de cómo y porque se compuso esa canción.
Vuestros directos tienen fama de ser pura fiesta,¿cómo afrontáis cada uno?
Ninguno es igual que el anterior, nos gusta jugar e improvisar, y hacer al público participe de ello… Y por lo demás, no vallas si no tienes ganas de bailotear a la pista…
¿Qué diferencia a Finissimo de sus predecesores?
Mejor calidad de grabación, canciones más elaboradas musicalmente hablando, todos hemos ido aprendiendo, menos Juanjo, nuestro diseñador y batería, que desde los principios ya era un crack…
¿Cómo ha sido la acogida? ¿Cada vez tenéis más seguidores?
El año pasado metimos 1200 personas en la sala Galileo de Madrid para la presentación de Finísimo y el año anterior llenamos cuatro veces la sala Caracol. Parece que en Madrid funciona de la hostia pero en otras ciudades aún somos desconocidos como para tocar en salas grandes…
¿Hay algún grupo en España al que os sintáis más cercanos?
Tokio ska paradise orchestra, por su música, Muchachito bombo infierno, por su potencia, Illana, por su humor surrealista, Emeterians, Canteca de Macao,… Igual no nos parecemos musicalmente pero tenemos un concepto de la música similar.
Uno de los riesgos que hay cuando se mezclan tantos elementos en uno solo es la saturación del resultado final. Los collages en el arte pueden firmar el mejor cuadro tomando diferentes piezas, o por el contrario, pueden firmar un cuadro agobiante y que canse a la vista y a las percepciones. The Mars Volta están justo entre medias del buen artista de collage y el que satura el cuadro. The Bedlam in Goliath llega a cansar en muchos momentos y a impactar en otros.
El aspecto negativo es que los momentos de impacto son menores que los malos, debido a tanta mezcolanza de sonidos, a veces sin ni siquiera justificación ni desarrollo. Hasta ahora cada disco ofrecía a unos Volta pletóricos y confiando en su buen hacer dentro de la experimentación. Desde 2003 con De-Loused in the Comatorium (2003, GSL), los californianos se pusieron a la cabeza del mejor rock progresivo actual, dejando directos y discos explosivos. Su nuevo disco, en cambio, no ofrece lo mejor de ellos.
Ellos dicen haber cambiado su planteamiento a la hora de desarrollar los temas, querían comprimir sus largos desvaríos de más de diez minutos en apenas dos minutos o cinco a lo sumo, y no es una música de esa duración. A veces es hasta más forzada la separación, creando diferentes partes en algunas canciones que no favorecen y que se contemplan como desunidas. “Metatron” es uno de los ejemplos, cuando de repente entra fortísimo y llega un punto en que se van a los falsetes, como pasa en “Aberinkula”, un inicio agobiante al entrar tan fuerte y sin respiro, para luego dividir la canción de forma efectista y dar el paso a unos solos de viento metal buenos si estuviesen en otra pista. Aunque la más floja podría ser “Ilyena”, donde los cinco minutos de duración parecen eternos.
El aspecto positivo es que tras un mal inicio, el disco gana enteros. La llegada de “Goliath” es imparable, con siete minutos de subidas, bajadas y buenos solos de la casa. Después el medio tempo “Tourniquet Man” se lleva consigo la oscuridad y el enigma que trajo consigo todo el proceso de grabación y composición del disco. “Agadez” también se relaciona con los anteriores trabajos en los falsetes y las subidas y breaks.
Y así hasta el final, con mejores temas (“Soothsayer”) entre otros que no consiguen la complejidad en un principio buscada (“Askepios”). Un servidor es seguidor de su rock, de su propuesta arriesgada y loca, pero The Bedlam in Goliath se les va muchas veces de las manos sin poder controlarlo. Aún así, siguen siendo bestiales.
Pocos grupos españoles que surgieron en el inicio de los noventa bajo toda la explosiónindie permanecen en activo, muchos desaparecieron, otros dieron origen a diversos proyectos y sólo algunos mantienen sus formaciones casi intactas y siguen publicando discos. InsanityWave es un caso atípico, 17años en activo y ahora publican su cuarto LP. La carrera de los madrileños ha ido entre roces discográficos, colaboraciones en diferentes películas y muchos conciertos. Dichos roces les hizo crear su propio sello, ElmerMusic, para su tercer disco y con el que vuelven de nuevo. Un sello pequeño y un grupo igual no significa un resultado pobre, sino que en este caso es todo lo contrario, el resultado es lo que más sorprende. Volviendo a contar con el prestigioso productor Mitch Easter (R.E.M., Wilco o Pavement) consolidan lo ya iniciado en The Minor League, su anterior trabajo, donde la americana contagiaba al power pop de raíces británicas, alejándoles de la oscuridad de los primeros años. Buenas melodías pegadizas, bien ejecutadas y que dejan temas al estilo de Wilco o The Lemonheads como “This Girl” y “Shine On You”. Buen pop.
Paw Tracks, la misma discográfica de Panda Bear y Animall Collective, presenta su nueva vuelta de tuerca de lo establecido como común. Eric Copeland es quien se enfunda el traje de libertino del sonido y decide no sólo experimentar como hace con Black Dice y Terrestrial Tones, sino que va más allá: él fusiona cualquier tipo de sonido y lo mezcla para obtener su canción soñada desde hace tiempo. Un tiempo exacto de dos años, los que lleva Copeland para conseguir la mezcla adecuada. Aparentemente sin nada que ver con el manifiesto de Matthew Herbert en el que no es válido para la creación musical la utilización de un mismo sonido dos veces, y que sólo puede ser obtenido de la realidad, el neoyorquino cae en las mismas pautas que el británico, aunque en dos estilos opuestos. Prefiere para la construcción del tema loops que se mantengan y sobre ellos una mezcla de ritmos muy bien conseguida en “Hermaphrodite”, más marciano en “Green Burrito”, cercano a un tribalismo de juguete en “La Booly Boo” y próximo al industrial con “Tree Aliens”. Un trabajo complejo, difícil y curioso.
Cuando les vi en directo en la sala El Sol hace unos meses me quedé asombrado, me vino rápidamente a la cabeza el DVD en directo de TheWhiteStripes con su contundencia. Una canción tras otra y sonaban cada vez mejor, más hechizantes, algo tenían que no podías dejar de moverte y de prestar atención al sonido. La aparente tranquilidad con que permanecía Lindsay“Coco” Hames era contrarrestada por la locura de María “Poni” Silver a la batería, quien no descansa nunca. Fue tremendo. Con el buen gusto de su directo como teloneros de The Right Ons había que prestar atención al disco nada más llegar a casa.
Si la primera experiencia de acercamiento a The Ettes se saldó con un notable muy alto, la segunda lo mantiene. Una vez que das al play y comienza “Reputation” olvídate de todo, ya no puedes salir de la espiral de su sonido. Un sonido que mezcla el punk con el garage y con mucha chulería. No hay concesiones a florituras, lo que está presente es lo que estamos oyendo, un sonido crudo y directo como si las grabaciones de garage sesenteras volviesen a cobrar vida. Este hecho no es espontáneo ni arbitrario, detrás, a la producción, está el encargado de revitalizar el garage como pocos. Liam Watson, nombre que cogió a los chicos de blanco y les facturó el completo Elephant(2003, XL Recordings), retoma su buen hacer consiguiendo plasmar la misma fuerza que tienen en su directo en un estudio, algo que muchos parecen ignorar.
Así la potencia de “No More Surprise” lo contagia todo, subidas pegadizas, la batería que da pie a ello y unas guitarras que se reparten el protagonismo con la voz de Coco, la cual no falla en ninguna subida, o desentona por no llegar a su registro. Se ve el porqué de la rápida asociación con The White Stripes en un primer momento, la contundencia es la misma, esa fuerza de convertir los dos minutos en píldoras directas, lo único que no consiguen es la perfección de la guitarra de Jack White, pero eso ya son palabras mayores. Como si fuera un primer disco de Yeah Yeah Yeahs, o de la pareja de Detroit mencionada, cuando todavía no sabían el concepto de cuidar la imagen de cara al público y firmaban discos tan electrizantes como su homónimo en 1999, todo ello con referencias al pasado.
Y por si acaso nos cansábamos de tanta fuerza el disco hace un parón a partir de “Soft Focus”, se baja el ritmo, pasan a los medios tempos y lo siguen clavando. Aunque las mejores son las del inicio con “Dead And Gone”, un acierto en la elección como single, con los constantes breaks; “Alright” que rompe arriba genial y no para.
Todo esto lo disfrutamos un año más tarde de su salida por tierras anglosajonas y gracias al apoyo de 2Fer Records, este disco tenía que llegar como fuera a nuestras manos. Como escribió Rubén García para la Ruta 66: ¿Quién ha dicho que el rock ha muerto?
Uno de los grandes a la hora de crear joyas pop bailables, pop tanto de habitación solitaria como de pista de baile con alguna que otra base añadida por el DJ de turno, pop por el pop con clase, es Stuart Murdoch, quien tras Belle & Sebastian ha presentado algunas de las mejores recetas para alegrarte el día pese a que este vaya al revés. La última de estas píldoras para el estado de ánimo fue: “Another Sunny Day”, tema de jangle-pop perfecto, alegre, claro, y sobre todo, pegadizo. Al poco tiempo esta canción se convirtió en uno de sus temas más conocidos y radiados en la carrera de los escoceses. Ahora bien, ese tema es un golpe de aíre fresco, de impulso, pero desde Cardiff, un año más tarde, comenzaría a extenderse como la pólvora lo que se convertiría en breve en el hit por antonomasia de los últimos meses de este género. Comenzó como tapado, como bien comienzas las cosas buenas, de boca en boca,empezando a ser conocido por unos pocos más gracias a la red de redes, al gran invento de la Web 2.0 con sus WordPress, Bloggers, y sobre todo sus MySpace, en especial uno era el objetivo de tal algarabía, un espacio que llevaba por título Los Campesinos!, otra pieza más a añadir al peculiar concepto de la banda. Cuando se entraba, y aún hoy sigue igual, era la típica template de todos los MySpace sin un solo arreglo o colorido que atrajese la atención del visitante. Pero una canción empezaba a sonar y de ahí no te separabas aunque se te cayese el techo encima. “You! Me! Dancing!” era el Tema –sí, con mayúsculas– elegido, el que combina a la perfección los diferentes elementos para no parar de bailar desde la primera escucha hasta la última. Un crescendo inicial perfecto y un ritmo sencillo pero muy adictivo eran los dos ingredientes básicos a los que se unían las voces del grupo. Todo era fiesta.
Tras este tema llegaría su éxito. La demo empezó a distribuirse sola de uno a otro internauta, todo el que lo escuchaba no quedaba indiferente. Encima la canción inicial no iba sola, estaba acompañada de “Death To Los Campesinos!” –otro hit con gran letra–, de “It Started With A Mixx” –más floja en comparación con las anteriores–, y de “Sweet Dreams Sweet Cheeks” –siguiendo la tónica de pop alegre–.
Lo que vendría después ya es de sobra conocido, contrato con Wichita, un EP oficial y ahora el largo definitivo. El sonido sigue tirando por el mismo lado, la misma alegría y fuerza. Mejor o peor en su paso en largo, Los Campesinos! con el tema “You! Me! Dancing!” ya tienen el cielo ganado. Si después de haber escuchado este EP sigues sentado en la silla como si no hubiera pasado nada… es que no tienes sangre en las venas.
Si hay algo que se ha dado bien por este país es tomar prestado una fórmula del extranjero y reconvertirla según un momento histórico, unas inquietudes personales o por diversos motivos. Se da así un sonido propio de por aquí pero muy influenciado, casi dependiente en su totalidad del foráneo aunque siempre con la gracia que ha hecho disimular, e incluso a veces ocultar, el filtro por el que se está tomando la influencia. Además de este hecho se añade la tardía recepción de estas corrientes que por el mundo están siendo las de moda mientras que cuando llegan y son reformuladas la moda ha pasado hace tiempo. Desde toda la generación juvenil de los 60 con The Beatles a la cabeza (Canarios, Los Brincos…) hasta ahora con el post-punk (CatPeople, Vyvian, Layabouts…). Por aquí no ha dejado de verse un revival en condiciones con casi todos los géneros, y entre todos ellos destaca uno en el que los grupos españoles más han sobresalido, un revival que a falta de una generación tuvo dos, lo que vino a llamarse el re-revival modespañol. Kamenbert fue partícipe de la primera hornada de grupos entre el inicio de los 80 y finales de la misma década.
Por suerte para sus seguidores Flor y Nata Records, sello barcelonés con gran apoyo al movimiento, editó en 2006 una box set recogiendo todo el material disponible de los catalanes. Material remasterizado ese mismo año y que para bien o para mal, suena con un sonido pobre en muchos casos debido a la fuente donde se obtuvo, en su mayoría conciertos, pero que da a las canciones el sonido propio de su época. Si fuese un sonido limpio y claro la magia de estos temas pop estaría un poco en cuestión, ya que ni hay virtuosismo en las melodías ni en las voces. Recopilatorios como estos son de obligada publicación para evitar la desaparición de las canciones de los grupos, como bien dice Manolo Crespo en el libreto que ilustra y resume la historia de su grupo.
El material ofertado es de agradecer, 34canciones nada menos entre las que se incluyen las maquetas publicadas, el primer single para DNI, un tema de su mini LP Soul Nights (DRO, 1987) y un sinfín de directos desde el comienzo del grupo hasta su disolución en 1988.
Desde el primer tema hasta el último se ve el rápido desarrollo de Kamenbert pese a la corta duración del proyecto. En 1981 con la Movida, con grupos como Brighton 64 y Telegrama en Barcelona que ya habían iniciado su particular revisión, salen cinco amigos (Dani Prenafeta, Robert Pujadas, Xavi Pujadas, CarloCalderano y ManoloCrespo) de Castelldefels y empiezan a ensayar, a dar conciertos por la zona. Sería en 1983 cuando el sello efímero DNI les daría la posibilidad de publicar su primer 7” con dos temas directos, convertidos ya en himnos para muchos. La cara A estaría compuesta por el “Último Grito”, letra que se cumpliría años después; y la cara B por la fantástica “Tuve una novia psicodélica”. Dos de las canciones más emblemáticas de Kamenbert. Les seguiría “Terciopelo Azul” un año después dentro de su maqueta con el estribillo que ahora muchos recuerdan por Barcelona.
Esta primera etapa juega con la inestabilidad de la banda, salidas y entradas constantes de miembros que en vez de empeorar el resultado lo mejoran. Es un sonido más oscuro, más rudo, en el que está todo construido sin muchas florituras, sobre estructuras más o menos básicas. Este hecho cambia cuando MaikaVílchez sale de la banda, y la línea vocal pasa a formarse por tres chicas en vez de por una sola: Charo Boix, Mari Rodríguez y Mireia Cardeña son ahora las voces que darán más alegría a las canciones, con mejores melodías y mejores arreglos.
Anteriormente habían dejado más hits irrepetibles, la pareja formada por; “En la diana” “El negro es mi color”, dos composiciones directas con una gran letra. “Capitan Swing”en la que las trompetas van cogiendo el protagonismo que no dejarán hasta el final. Así firman en siguientes maquetas tres temas de lo mejor de la década: “Hey Baby”, “Underground de Mediodía”–letra de AlbertSalmerón, mánager del grupo–, y “James Martin”.
Luego ya empiezan los roces, la inestabilidad se vuelve más real que nunca, y en 1988 deciden separarse tras un concierto en Manlleu. Detrás habían dejado un contrato con DRO, una efímera popularidad en los 40 Principales, un tema pegadizo como “Mi Único Amor” ese mismo año de su separación, y todo un sinfín admiradores dentro de la escena underground (por aquel entonces era tal) de España. Kamenbert fueron, y serán gracias a este material, un grupo a recordar entre los mejores del movimiento mod español.
Fernando Alfaro realiza su tercer regreso al mercado discográfico con distinto alias. Por primera vez se vale de su nombre para apodar a su proyecto, contando esta vez con Los Alienistascomo banda de acompañamiento. Quien fuese el cabecilla (junto a Joaquín Pascual) de Surfin’ Bichos y posteriormente de Chucho, vuelve donde lo había dejado, en su particular visión del pop.
Es quizás el disco más esperado este año por los seguidores de sus anteriores grupos, había un gran interés en ver cómo iba a plantear su nueva propuesta, su nuevo sonido sin sus amigos de Chucho. Aunque éste último hecho no ha sido tan real, ya que tras Los Alienistas se hallan nombres como su mujer Isabel León (Surfin’ Bichos, Is), José Manuel Mora (Surfin’ Bichos, Mercromina), y Emilio Abengoza (Chucho, Los Esbirros). Por si fuera poco la banda la complementan Rosi Herreros (Sangris), y Carlos Flan (Gonzo y colaborador de Mercromina). Con tales profesionales el sonido difícilmente iba a ser pobre.
De todo lo hecho hasta ahora por Alfaro éste trabajo parece una continuación del espléndido Los Diarios de Petróleo(2001, Chewaka-Virgin). Es un sonido luminoso, alegre, en el que la influencia de la new wave o del synth pop se deja ver entre el rock crudo de Surfin’. Si “Abre la ventana” hubiese sido publicada de nuevo en este trabajo no habría desentonado lo más mínimo. Los arreglos de viento y cuerda en muchas de las canciones, o en otras con una tendencia hacia unos arreglos de metal más claros, cubren lo mejor del disco: las letras. Este hecho no es arbitrario, Kaki Arkarazo ha sido quien ayudado en la grabación al igual que hizo con el mencionado de Chucho, Carlos José Martínez a los arreglos de nuevo, y para más coincidencias, el sitio elegido ha sido el mismo estudio que la anterior vez.
Así podemos ver los mismos versos oscuros sobre muerte, sexo, amor, política y amistad con unos coros claros, juegos de voz que no hacen caer en la cuenta sobre lo que se está cantando si no se ha escuchado antes a fondo la trayectoria de Alfaro. “Ulala Que Fácil Es” es magnífica, una de las mejores junto a “Con Las Manos en la Sangre” y a “Queda Expulsado de la Especie Humana”. El trío de ases refleja todo lo hecho hasta el momento, si el sonido acerca a Chucho, la oscuridad de los textos trae más al Alfaro de Surfin’. “Silverio, Tenor de la Comarca” recupera la fórmula de riff pegadizo con subidas del punk que tanto ha bebido en su carrera; “Problemas de Sueño” y “Luz de Gas” hacen creer que las canciones de amor no tienen que ser siempre cursiladas vacías en su forma.
Para rematar la jugada Mariano Tejera (su mánager) y el propio Alfaro han sido quienes han puesto en marcha el sello Los Amigos Imaginarios con este disco evitando así las típicas discográficas. Ofrecen el disco de forma gratuita por el MySpace del grupo al igual que otras bandas intentando “adaptarse” a los nuevos tiempos y a sus nuevas fórmulas.
Si Los Planetasy Love of Lesbian no hubiesen publicado trabajos igual de redondos que Carnevisión ahora estaríamos hablando de una victoria aplastante de la nueva reencarnación de los Surfin’. Este año junto a Travolta (el nuevo proyecto de Joaquín Pascual y Carlos Cuevas) han vuelto a demostrar el por qué de su influencia con una calidad que pocos consiguen. Ya ha pasado más de una década del nacimiento de Surfin’ Bichos y sus proyectos paralelos mantienen más viva que nunca su influencia, renovándola desde diferentes géneros siempre con un nuevo punto que añadir, evitando el estancamiento y vivir de las rentas. Sin estos grupos el panorama por aquí no sería igual.
La pareja formada por Adam Stephens y Tyson Vogel han conseguido poco a poco irse creando su sitio, tal es así que su primer LP publicado por Aliveen 2004 se ha reeditado este año con una canción extra y una tirada mayor de lo que fue en su momento. Hay que aprovechar la fama conseguida este año por la pareja de San Francisco, y sobre todo hay que rentabilizar ese posible puesto, bien merecido, de su trabajo homónimo entre lo mejor del 2007.
The Throes (2007, Alive Records) es de sobra conocido por los amantes de un género donde es imposible establecer barreras, debido a que los mejores grupos mezclan características desde el folk hasta el blues, incluso derivando al rock en muchos momentos. Two Gallants en ese sentido no tiene problema alguno, consigue rematar las lentas igual que las rápidas, no hay un hilo constante en el que dormirse con el álbum de fondo, sino que consiguen dar a sus formidables letras lo que necesitan: una carga melódica hecha a medida para cada ocasión.
Pese a la variedad en el sonido hay una constante que remite a los orígenes del blues o del folk ya sea en el fraseo o en la forma de contar las historias; son una pareja de jóvenes de 26 años pero conscientes de las raíces de esta música, lo que les ha llevado a recibir elogios por cualquier lado por una música que no peca de superficial buscando el sonido a cualquier coste.
Para ello comienzan con “You Losin’ Out” en la que la armónica juega un papel fundamental; “Two Days Short Tomorrow” con subidas y breaks donde recogen un blues electrificado; y cambiando el registro en la autobiográfica “Crow Jane”, quizás la mejor del trabajo; para volver a la mezcla con “Fail Hard To Regain” la cual impregna un ritmo alegre a una buena historia sobre el amor.
Empezaron por todo lo alto con The Throesy se han ido superando en los siguientes trabajos, algo difícil hoy en día. Letras trágicas, poéticas, y buena música, es imposible pedir más.
Segunda referencia de Melanie Valera bajo el pseudónimo de Tender Forever. La artista afincada entre Burdeos y Estados Unidos no se despega del indie pop de su primer disco, The Soft and the Hardcore(2005, Green Ufos), y sigue creando desde una particular visión intimista las canciones de su repertorio.
Estos ingredientes específicos del género son los que van a estar presentes por los doce cortes del álbum, desde en la portada, la cual en el formato promo carece de un nombre que identifique al artista, hasta en el último verso. Aquí las letras de Valera irán respecto a gustos y percepciones, ya que son demasiado edulcoradas pero no desentonan con el conjunto que usa para su desarrollo. Unas melodías que beben de una electrónica mínima, más por bases repetidas sobre las que construir el resto, que poniendo el protagonismo en ellas; el carácter íntimo en la composición melódica se ve en el ritmo que impera, lento o medio en su mayoría, y en los registros vocales sin levantar muchas veces la intensidad del timbre.
La pega de Wideres la gran similitud con su antecesor, incluso con menor arte a la hora de desenvolverse; a lo que se añade la limitación de este sonido. No se intenta buscar por su parte un álbum que se salga de nada establecido, de unos referentes que engloban en gran medida desde grupos como Saint Etienne hasta Cat Power, –salvando las distancias en ambos casos–; lo que escuchamos es un disco destinado a aquellos amantes del pop sencillo y a su vez bien hecho, con canciones buenas como “Tiny Heart and Clever” y “Doves vs Pidgeons”, o vitalistas en el ritmo como “How Many”, entre otras que son más de lo mismo de siempre.
Se esperaba más debido a las buenas sensaciones que transmitió The Soft and the Hardcore, sin llegar a su nivel, Wider no deja de ser un segundo disco de una artista muy joven y que tiene mucho por delante para seguir presentando buenas canciones pop.
Es una alegría poder escuchar nuevo material de Tariksin tener que esperar ocho años más como pasó con Sequentalee (2005, Mushroom Pillow). Esta vez un contrato a cumplir, un mercado más abierto, una mayor difusión de su música, ampliando así el número de seguidores, hacen de Tarik uno de los compositores punteros en la actualidad. Ventas o no, él se vale de sus canciones para demostrar su valía.
El tópico de último disco-mejor álbum aquí sí puede verse. En apariencia estamos ante un nuevo disco pop y por tanto más de lo mismo, pero cuando se empieza a prestar atención se ve que nada es tan sencillo. Álvaro Muñoz consigue una riqueza de matices esquivando la canción fácil, el estribillo y la repetición de la fórmula. Se nota la cultura musical en la variedad de referentes, ya que lo mismo presenciamos la influencia de la bossa (“Fontaine, Fontaine”) que del indie rock de los noventa (“La Ascension de Lupo”). A lo que el cordobés dota de buenas letras, enigmáticas en muchos casos, creando la incertidumbre por el significado de algunas de estas. Pese a que el inglés le resulte más fácil para cantar, recurre al español por completo en los diez cortes del álbum, amparándose en que el oyente de por aquí sólo reacciona emocionalmenteen su idioma.
Ha sido grabado en el estudio de sus amigos Los Planetas, y contando ya como miembro estable con el batería de estos, Éric Jiménez. Es con el grupo granadino con quienes más se acerca en determinados temas al compartir las mismas influencias, pero intentar acercar a Tariky su fábrica con algún grupo en concreto es en vano, cada canción tiene su sello personal. Así “Antes de la Niebla” con unas guitarras más crudas que de costumbre, y una melodía donde se recrea, suena diferente a todo lo anterior de su repertorio; “Nadador” se encuentra en esta misma línea sorprendiendo con el final instrumental; “Tormenta Esta Noche” es un himno pop que no se despega de la cabeza al igual que “Agosto, por Ejemplo”; y donde se resume la filosofía del disco es en “Vuelta a Los Colores”, en la que la letra nos deja versos como: “No más sumisión, no más religión, que ya está bien de sermones. No quiero más dogmas, rechazo las normas, porque vuelvo a los colores”.
Engancha, es alegre, y tiene la magia del pop de genios como Costelloo Ray Davies, de los que tanto ha bebido con anterioridad. Otro buen disco para la discografía de Tarik y la Fábrica de Colores.
Es hora de cerrar otra etapa. Tras unos cuantos meses –desde abril– habiendo iniciado lo que pasó a llamarse la II Etapa para el blog, ahora toca volver a renovarse con la intención de no quedarse nunca estático. Bloggerse ha quedado muy limitado en cuanto a funcionalidad, diseño y sobre todo en cuanto a html relacionado con incompatibilidades; de ahí que haya decidido cambiar a WordPress, una plataforma más estable en todos los sentidos, a lo que viene unido una mejora en la visibilidad del diseño.
Espero que los lectores habituales de Ciudad Bohemia en la anterior plataforma lo sigáis haciendo en la nueva, y que colaboréis con vuestros comentarios y sugerencias. Como siempre se suele decir: También dar la bienvenida a los nuevos lectores, a quienes deseo la unión con los ya existentes.
La música seguirá al mayor ritmo que se pueda, compatibilizando las diferentes tareas y disfrutando de todas ellas. Intentaré seguir con mi apoyo a la escena nacional si el tiempo lo permite y los grupos siguen colaborando tan bien como lo han hecho hasta ahora; es necesario dar un impulso para crecer.
Sólo daros las gracias a todos los que lo habéis hecho posible que hoy Ciudad Bohemia, y principalmente un servidor, haya conseguido muchas de las metas propuestas. Ha sido indispensable el apoyo recibido.
Danton Eeprom continúa en su país natal publicando su primera referencia para el sello parisino Freak n’ Chic precedido por el doce pulgadas en Infiné. Eeprom se sitúa al nivel de grandes djs franceses como Vitalic o Carretta tras más de trece lanzamientos en dos años nada más, de los cuales ocho han sido publicados éste año, y sus performances en grandes clubs europeos. Tras derivar al minimal tech house Eeprom continúa mezclando oscuridad en sus beats, incorporando una voz masculina apagada en un segundo plano que se mezcla con una base constante donde se entrelazan ritmos. Oscuridad acompañada de minimal que sin duda traerá un ritmo lento para la pista de baile, ritmo que el remix de Shonky, segunda pista del 12”, acelera mínimamente. Más cercano al minimal tech, con breaks donde la voz es reducida en su protagonismo frente a unos beats más marcados. Una buena combinación entre la original y el remix, las cuales dejan un sonido más que notable en la reciente carrera del francés.
Un uno de septiembre Ciudad Bohemia abría sus puertas tras varíos blog anteriores en otras plataformas. Dos años después es hora de modificar la estructura del blog, anteriormente negra, pasando a un verde llamativo y alegre. Este diseño aporta más dinamismo a la página y la hace más atractiva.
Con el cambio de diseño también va unido el cambio de contenidos. Se centrarán en entradas sobre música (principalmente), donde las críticas que vaya publicando en diferentes medios serán expuestas de forma completa, al igual que entrevistas, revisiones… A esto se añade artículos reseñando algún disco difícil de conseguir, algún grupo nuevo para comentar o rescatando viejas reliquias del pasado.
Anteriormente ya había empezado a subir sesiones mías de diferentes géneros para que la gente pudiese bajárselas, ahora cada mes habrá una sesión mínima que disfrutar (espero poder ofrecer más… dependerá del tiempo) en el correspondiente equipo de música o iPod.
También ampliar la sección de links musicales que se irá perfeccionando poco a poco con intercambio entre diferentes webs o blogs que estén interesados en ello. Serán mis links preferidos y que considero de una calidad óptima para visitarlos.
Aunque principalmente este blog seguirá siendo de música, algún que otro hueco irá para entradas sobre arte, cine o publicidad dependiendo del tiempo y ganas que haya para esto.
Con ganas de empezar bien y sin que los propósitos se queden en simples caracteres virtuales doy comienzo a otra etapa en Ciudad Bohemia. Humildemente os invito a uniros a ella como ya os invité a pasar y quedaros la primera vez que se abrió.
“Llevo años volando sin detenerme […] Siempre he visto el mundo desenfocado” Joaquín Pascual no podría resumir mejor toda su trayectoria en dos versos de su nuevo trabajo, Travolta. Uno de los músicos más inquietos de la escena independiente no ha parado nunca, hace ya más de diez años establecía una referencia vital en estos lares con Surfin’ Bichos junto a Fernando Alfaro; una vez separados volvió a la carga con Mercromina y ahora disueltos estos últimos sigue echando leña al fuego para que no se apague.
Travolta está formado por su compañero inseparable de viaje Carlos Cuevas, además de dos miembros más: Francisco Cuerda y Ana Galletero. No innovan nada, no hay nada nuevo que poder buscar entre sus doce canciones; sólo la perfección de un pop que pocos saben hacer bien,canciones de longitud media donde no sobra ni un estribillo ni ningún compás, por no decir las letras… A esto se une la producción por otro habitual, Paco Loco. La estructura continúa la línea instrumental y orquestal de Mercromina que tanto gusta a Joaquín Pascual, instrumentos como el teclado (el principal en el disco), una batería muy apagada de fondo que marca el ritmo, la guitarra con algún solo, el violín de Ana Galletero,… y por encima de todo esto la voz apagada de Pascual. No es que en este disco se le escuche más que en otros anteriores, sino que en algunas canciones todo está más en segundo plano (“Telescopio”, “Con los ojos bien abiertos”), en otras es la voz de Galletero quien le acompaña en el dueto (“La casa”, “Juegos de palabras” y “Este momento tan especial”bien parecidas a alguna de La Buena Vida con Irantzu y Mikel en los papeles protagonistas), otras más vitales incluso provocan algún que otro amago de baile (“El efecto amor”, “Corazón valiente”) además de incluir con la inicial y con “Los que se dieron por vencidos” parte de testimonio en las letras.
En un inicio pudo llamarse Chatarra este proyecto, pero otro grupo ya se llamaba así y un nombre tan opuesto a la sensación que transmite esta música hubiese contrariado la percepción por parte del oyente de que no es chatarra lo que escucha sino cantos de sirena en muchos casos. Travolta se queda en el limbo de esa oposición, no se sabe si se ve al mito de Grease bailando a ritmo de pop orquestal o un sueño que sigue rodando por suerte nuestra.
En mi pueblo sin pretensión Tengo mala reputación, Haga lo que haga es igual Todo lo consideran mal
Yo no pienso pues hacer ningún daño Queriendo vivir fuera del rebaño;
No, a la gente no gusta que Uno tenga su propia fe No, a la gente no gusta que Uno tenga su propia fe. Todos todos me miran mal Salvo los ciegos es natural.
Cuando la fiesta nacional Yo me quedo en la cama igual, Que la música militar Nunca me supo levantar.
En el mundo pues no hay mayor pecado Que el de no seguir al abanderado.
Y a la gente no gusta que Uno tenga su propia fe Y a la gente no gusta que Uno tenga su propia fe Todos me muestran con el dedo Salvo los mancos, quiero y no puedo.
Si en la calle corre un ladrón Y a la zaga va un ricachón Zancadilla doy al señor Y aplastado el perseguidor Eso sí que sí que será una lata Siempre tengo yo que meter la pata.
Y a la gente no gusta que Uno tenga su propia fe Y a la gente no gusta que Uno tenga su propia fe Todos tras de mí a correr Salvo los cojos, es de creer.
No hace falta saber latín Yo ya se cual será mi fin, En el pueblo se empieza a oir, Muerte, muerte al villano vil, Yo no pienso pues armar ningún lío Con que no va a Roma el camino mío,
No a la gente no gusta que Uno tenga su propia fe No a la gente no gusta que Uno tenga su propia fe Todos vendrán a verme ahorcar, Salvo los ciegos, es natural.
