Uke – Uke

 

 

Uke - Uke - Jabalina Música - 2007

 

Si se busca el significado de Uke, uno se encuentra con lo contrario transmitido por la música. Uke es un término usado en el mundo del manga para designar a las personas pasivas en una relación homosexual. Ahora si se atiende al componente musical se percibe todo menos la pasividad de sus elementos. Más bien lo que se transmite con ella es la sencillez desde el minimalismo y la tranquilidad de éste.

Laura Soriano y Roberto Martín son los dos protagonistas que están detrás de Uke. La manera de abordar las canciones se entiende mejor si se ve la experiencia previa de Roberto con Niza, donde el pop se convertía en pequeñas y delicadas composiciones; pena de su separación en 2004. Desde 2005 empieza a andar el nuevo dúo y Jabalina les ficha rápidamente para publicar su EP Boreal (2006, Jabalina). Una gran presentación que prometía.

Ahora en su primer largo, el grupo parece construirse sobre sí mismo desde la elección del título homónimo. Se puede ver alguna que otra influencia o similitud, como Yann Tiersen o Pascal Comelade, pero detrás de ellos hay bastante cultura musical, desde el jazz hasta la electrónica, con el downtempo y el ambient como géneros donde esparcirse.

Ganan en la creación de melodías soñadoras y atmósferas únicas, canciones que no se unen a ninguna moda o sonido concreto, sino que se establecen en sus propios elementos y se disfrutan por completo al obligarte a percibir cada matiz y sensación transmitida. Son como los buenos libros que te hacen implicarte dentro para descifrar los distintos significados, Uke plantea en cada corte varios niveles de sonido que descifrar e ir distinguiendo del resto.

“Puntillismo” es un comienzo perfecto, desde la leve percusión y la cuerda, hasta la tranquilidad que transmite. “No Somos Bolcheviques” presenta, no sólo a Uke siguiendo la tradición de la música del Este con el acordeón, sino la gracia en cada título (después vendrán “Uke Y La Masonería” o “Piedra, Papel, Tijera”). “Sístole” se va a terrenos electrónicos donde cualquier sonido puede ser introducido para complementar a la base, en este caso, como posteriormente en “La Rosa de los Vientos”, una lata de refresco abriéndose es el elemento que añade la distinción al único tema donde las voces juegan el papel más importante. También en esta línea está “Mesa De Tenis”, aunque la lata es sustituida por una pelota de ping pong, como hizo Javi P3z Orquesta en su Sports (2004, Hitop Records).

Una puesta en largo cuidada y trabajada, apostando por un sonido agradable y firmando un disco con el que disfrutar sin pensar en que eso ya lo has oído anteriormente en otro grupo.

 

para Retro Música

 

Uke – Mesa de tenis (Live at Barbarella, 2007)

Eric Copeland – Hermaphrodite

 

 

Eric Copeland – Hermaphrodite – Paw Tracks – 2007

 

Paw Tracks, la misma discográfica de Panda Bear y Animall Collective, presenta su nueva vuelta de tuerca de lo establecido como común. Eric Copeland es quien se enfunda el traje de libertino del sonido y decide no sólo experimentar como hace con Black Dice y Terrestrial Tones, sino que va más allá: él fusiona cualquier tipo de sonido y lo mezcla para obtener su canción soñada desde hace tiempo. Un tiempo exacto de dos años, los que lleva Copeland para conseguir la mezcla adecuada. Aparentemente sin nada que ver con el manifiesto de Matthew Herbert en el que no es válido para la creación musical la utilización de un mismo sonido dos veces, y que sólo puede ser obtenido de la realidad, el neoyorquino cae en las mismas pautas que el británico, aunque en dos estilos opuestos. Prefiere para la construcción del tema loops que se mantengan y sobre ellos una mezcla de ritmos muy bien conseguida en “Hermaphrodite”, más marciano en “Green Burrito”, cercano a un tribalismo de juguete en “La Booly Boo” y próximo al industrial con “Tree Aliens”. Un trabajo complejo, difícil y curioso.

 

para Mondo Sonoro

 

Eric Copeland – Live

Holy Fuck – LP

 

 

Holy Fuck – LP – Young Turks – 2007

 

Algunos proyectos emocionan más que otros, calan más en determinados amantes de la música que lo que pudieran hacer ciertos tipos de discos o grupos, y esto se debe a un hecho sencillo: la diversidad de la propuesta. Un disco de pop puede atraer, puede convertirse en un buen disco, pero si no goza de un cierto ápice de diferencia, está sin nada que lo distinga del resto, y por eso los canadienses Holy Fuck pueden levantar la cabeza tranquilamente después de haber publicado este trabajo, porque la magia con que cuentan es única.

Ya habían comenzado a experimentar hace dos años con un largo homónimo publicado por el colectivo Dependent Music –ejemplo a seguir para el futuro musical–; la jugada salió bien pero faltaba más práctica. El EP posterior al largo, más los dos años entre medias, han conseguido esa maduración necesaria en lo musical. Y ahora se presentan con un compendio sin brechas de ningún tipo, unidos todos los miembros en busca de buenas canciones.

Brian Borcherdt es, al parecer, una de las cabezas pensantes del proyecto. El songwriter canadiense ha estado en multitud de proyectos (Burnt Black, Trephines, Hot Carl Loves the Ladies, By Divine Right, Junior Blue) y tanta experiencia consigue estar bien plasmada a la hora de organizar a tantos músicos que forman Holy Fuck.

Por su parte, el largo se reparte entre nueve temas donde se produce una buena mezcla entre electrónica, experimental y un post-rock de base. Es la reformulación de este último género a partir de los primeros lo que atrae tanto. Todas las canciones prescinden de cualquier intento de añadir una voz posterior –si bien en varias aparece este elemento, sólo cumple una función ornamental–, sólo hay melodía desde el inicio hasta el final.

La atmósfera es un concepto que es tan recurrente en boca de muchos como la fotografía es para el cine en boca de otros tantos. Una atmósfera buena, una atmósfera ficticia o creada… mil variedades se pueden leer de qué es este concepto, y al final realmente se quedan en nada. Es en discos como éste donde el término atmósfera coge realmente significado, ya que todo se construye en base a algo, en base a dotar de un campo sonoro, de un espacio, y lo más importante, se consigue. Los canadienses logran a su manera igualar los logros de grupos como Sigur Ros, Mogwai o Don Caballero, y últimamente Battles. Todos ellos dejan a los instrumentos vagar libres y con una calidad muy destacada.

Aunque ellos apuestan por estructuras más libres, en las que se alarguen los solos instrumentales de bajos y baterías mezclados siempre bajo diferentes efectos, añadiendo el último elemento al sonido. Desde un inicio que no tiene pérdida con “Super Inuit (Live)”, distorsión, la voz en unas subidas propias de un manicomio, junto a una melodía oscura; a la aparente tranquilidad y luminosidad que trae consigo “Lovely Allen”. También tenemos la mecánica repetida de “The Pulse” que hipnotiza, las esas subidas tremendas de “Royal Gregory” y por si fuera poco, el caos oscuro de “Echo Sam”. ¿Acaso se puede pedir más?

La verdad es que sí, pero el resto de los temas, aunque están bien encaminados, no terminan de igualarse a los mencionados. Quizás no es posible a estas alturas pedir un disco redondo en este género o quizás es los canadienses estén aún muy verdes para ofrecerlo. De lo que no hay ninguna duda es que es un gran trabajo para los que admiramos este sonido y disfrutamos con perlas instrumentales tan bien construidas como las suyas. Y siempre será mejor un grupo que intenté arriesgar en la búsqueda de un nuevo resultado, a otro grupo que establezca el mismo pop de siempre pero con otro nombre.

 

para Retro Música

 

Holy Fuck -Lovely Allen at Metro, 05/23/07

Dali’s Car – The Waking Hour

 

 

Dali’s Car - The Waking Hour – Paradox – 1984

 

En 1983 un grupo mítico se separa, Bauhaus decide acabar aquí el camino y contemplar los escasos cinco años en activo con una producción discográfica asombrosa, cinco LPs en sólo tres años, de lo mejor del post-punk de la época, con una presentación –In The Flat Field (1980, 4AD) que sigue hoy más vigente que nunca. De la vuelta a los escenarios, del nuevo trabajo y de cómo intentar sacar rentabilidad veinte años después a un mito, mejor se habla otro día.

Una de las cabezas pensantes de aquel grupo era su carismático cantante, Peter Murphy, éste, intentando seguir en la música tras la separación de la banda, comienza a buscar nuevas propuestas para llevar a cabo. Casualmente un año antes, en 1982, otro grupo emblemático dejaba de sonar por los circuitos londinenses. Japan y su new wave precoz también abandonaban el mercado discográfico, esta vez para volver del mismo modo a finales de los 80 e irse según llegaron, con broncas entre ellos y con una reunión desastrosa. Murphy se juntó entonces en ese momento con el bajista de los londinenses, Mick Karn, un tipo con unas inquietudes y un desarrollo musical bastante amplio, perfecto para complementar a la voz del ex-Bauhaus. El tercer pie de apoyo sería Paul Vincent Lawford, centrado en la parte electrónica y de percusión, además de una mayor presencia en los directos.

Al mezclar la experiencia que cada uno tenía, el resultado iba a ser similar pero con muchos matices. Murphy traía consigo la oscuridad, su voz, y dejaba atrás las letras cerradas de su anterior proyecto por desgracia, además de su sonido; mientras tanto Karn quería desarrollar más su protagonismo al bajo, y así se establecerán los largos desarrollos instrumentales con los que cuenta The Waking Hour (1984, Paradox), además del sonido de Japan venido a menos.

Entre una new wave en apariencia reciente, el post-punk como punto de inicio y la seducción de una electrónica pobre, Dali’s Car comienza a andar. El único largo que publicaron para Paradox se completa con siete canciones, las primeras y últimas que publicarían –salvo la cara B de su, también único, single– debido al fiasco de ventas de su álbum. A esto último no se le puede achacar la existencia de un público sordo e inexperto en cuanto a la comprensión de su sonido, sino más bien al propio resultado del grupo. Canciones intentando sonar más experimentales y cayendo en la monotonía de un teclado y un bajo sin nada más, unas letras un tanto vacías pese al esfuerzo de cubrirlas de temas “trascendentales”, y así una y otra vez repitiendo el ritmo en el que no aportan nada nuevo.

Con el comienzo se dan los dos temas que pueden ofrecer lo mejor del trabajo, “Dali’s Car” y “His Box”, donde el bajo deriva hacia terrenos propios del funk, para luego bajar hasta “Create And Melt”, en el que se intenta tirar de estribillo para levantar algo todo. El funk débil de base que muchas veces intentan no es conseguido nunca, sólo son partes electrónicas que hasta tocan con ritmos árabes vacíos de interés. Así el carácter solemne de “Cornwall Stone” se antoja como eterno y “Moonlife”, pese a tener una melodía no tan mala como los otros temas, tiene en la repetición su perdición.

Después, el sello británico Beggars Banquet, reeditaría el trabajo cuatro años después de su salida al mercado, con las carreras de ambos miembros ya estabilizadas, intentando seguir al pie del cañón. Un LP muy flojo para lo que se podía haber esperado de la unión de dos buenos artistas, con un interés especial en ver qué hicieron, cómo unieron sus carreras, pero sin estar a la altura de otros grupos del momento.

 

para Retro Música

 

Dali’s Car – “His Box”

!!! / Out Hud – Split EP – Lab Remix Series Vol 2

 

 

!!! / Out Hud – Split EP – Lab Remix Series Vol 2 – Gold Standard Laboratories – 1999

 

La confluencia de genios pocas veces se da para mal, consiguiendo referencias abominables que van directamente al cajón basura para no escucharlas más. El proceso, por el contrario, se suele basar en pequeñas obras con destellos inesperados, rarezas dentro de la libertad creativa otorgada a proyectos paralelos, y referencias que a los seguidores de la banda nos alegra encontrar por ver al grupo presentado de otra manera. Así cuando se descubre a un grupo a través de un trabajo sobresaliente como fue Louden Up Now (2004, Warp Records) y se empieza a escarbar entre las diferentes posibilidades, uno se alegra al descubrir que antes del culmen hay materia por descubrir.

!!! (aka Chk, Chk, Chk para los humanos que quieran pronunciar las tres exclamaciones) son de lo mejor que ha aparecido en los últimos años, de lo mejor del siglo XXI con dos trabajos superándose según aumenta la experiencia. No ha sido el típico hype que explosiona y luego se come sólo el pastel. Detrás de los neoyorquinos hay un grupo que se adueña del sonido y luego ya plantea una hipótesis diferente a lo común, una hipótesis a la que pocos llegan por su novedad y complejidad. Como todo buen conjunto que se precie posee unas inquietudes más extensas de lo que un proyecto puede abarcar. ¿La solución? Crear grupos paralelos y desarrollar estas.

El primero que se creó antes de la explosión popular fue Out Hud. Proyecto formado por Nic Offer, Molly Schnick, Tyler Pope, Phyllis Forbes, y Justin Vandervolgen; de los cuales todos menos Molly y Tyler se enfundan el traje de !!!. Bajo este alias han desarrollado la parte más electrónica de Chk, Chk, Chk sin llegar a ser ellos pero con una similitud muy notable en muchos casos. La pegada de sus dos largos les encabeza dentro del dance-punk como grupo a seguir.

La primera experiencia discográfica fue compartida por ambos grupos, no así la igualdad en el reparto del material, firmando sólo un tema !!! en contraste con los otros tres que componen el 12 pulgadas. Pero es aquí donde demuestran que no necesitan más de un tema para brillar. “Instinct” es supremo, el funk alargado durante once minutos entre variaciones, samplers y solos instrumentales; las únicas voces que hay son el complemento a la melodía, ya de por sí potente, hacia terrenos más propios del título.

La papeleta no era fácil para Out Hud, aunque quizás gracias a ello se veían más sueltos a la hora de desarrollar su otro instinto más electrónico. Habiendo justificado ya la existencia de este 12” sólo quedaba poner la guinda. Los tres temas que acompañan son una mezcla entre un funk oscuro, el kraut-rock del que tanto beben y un leve acercamiento al industrial más accesible. Firmados bajo enigmáticas siglas, cada uno tiene algo que le hace interesante, aunque “JGNXTC” baje un poco el fuelle.

Una referencia a descubrir, a cuidar y mimar. Los pre-!!! En estado puro, los anteriores Out Hud dejando ver lo que unos años más tarde culminarían en largo. Una reliquia a rescatar para los melómanos.

 

para Retro Música

 

!!!- Must Be The Moon (taken from Myth Takes)

 

Out Hud “Its For You”

Muzak – Emulsió

Muzak – Emulsió – Very Solid Groove Records – 2007

Hace poco Triángulo de Amor Bizarro me respondían a cómo estaba la escena española con: “sigue pasando lo de siempre, lo más interesante está muy enterrado por toneladas de basura”. Uno de los mejores ejemplos es este grupo: Muzak. Acaban de firmar uno de los discos del año, publicando su tercera referencia desde que comenzaron en el 2000 y aún hoy siguen siendo desconocidos para la mayoría.

Para más inri la publicación ha caído de nuevo bajo Very Solid Groove Records autoeditado con la banda, lo que refleja el escaso sitio que tienen estas propuestas en nuestra escena. En vez de un label con mayor presencia en el mercado, ha tenido que ser publicado por un sello que no goza de las condiciones necesarias impuestas por el sistema para poder distribuir, promocionar y dar a conocer el trabajo de los barceloneses. Ahora eso sí, si este disco hubiese sido firmado por un grupo de jóvenes en Glasgow ya lo tendríamos como portada en cualquier revista de tendencias.

Y es que Emulsió no es un disco cualquiera, la calidad que hay en él desde la primera canción hasta la última, ralla la perfección. Todo esto tras la publicación el año pasado de Escenes en Cercles (2006) bajo el mismo sello. Trabajo que ya les consolidó como grupo a seguir recibiendo buenas críticas por todos los lados. Y al parecer no había bastante, si Escenes en Cercles conseguía erigirse en la experimentación a la hora de construir los temas, ahora Emulsió ha dado un paso más en el sonido. Todo tiene más fuerza, mejor construido, y con ritmos nuevos en los que derivar. Sorprende el poco tiempo entre ambos trabajos y el salto tan grande que se ve en ellos.

El ejemplo donde llevan todo hasta el último extremo es en la combinación de tres temas en uno solo: “Mediterraneo/Necio/Bso”. Los casi catorce minutos de duración juegan con acercamientos al free jazz, tanto en el saxo como en la batería, como con partes de post-rock potente en las guitarras. Evitando la separación de las temas de forma evidente, con breaks que cambian el ritmo como si se intentase hacer un solo ejercicio de experimentación.

El resto también posee algo que les hace imparables. La batería jazzy con el riff pegadizo de “No Madrid No” que rompe la canción en dos; la oscura “Valdric” en la que el saxo se halla por detrás de una melodía post-rock fuerte; la influencia del kraut-rock que modifican a su antojo en “Vigor Mountain” o el cierre experimental de “Marion Grey” en el que combinan todos los instrumentos variando el ritmo. Por el camino se queda la extraña “Invocando a Mabuse” entre experimento y juego, con la intriga de si es el pintor renacentista quien da nombre al tema y el por qué de su elección.

Un disco imprescindible para tener en la discoteca personal de cada uno, a nivel de grandes como Tortoise o Mogwai. Esperemos que sigan teniendo la posibilidad de publicar más trabajos, ya sea fuera o dentro de España, pero que sigan mejorando para poder disfrutar de su música. ¡Una maravilla!

para AbsolutZine

Muzak – Emulsió