Quien fuera una de las cabezas de Ladytron vuelve a publicar nuevo disco. Tras The Return to Form Black Magick Party (2006, Counter Records) ahora llega el turno de su segundo asalto al mercado discográfico con Never Never Love, un trabajo inestable y demasiado lineal tras mucho tiempo de escucha.
La mecha la perdía igual en su anterior referencia, pero ahora es más notable este ir a menos del artista inglés. Puede comenzar con unos hits pegadizos, de los que no se puede evitar moverse cuando se escucha el ritmo de base, canciones directas a la pista, pero luego le va la balada lenta de un pop pegajoso, incluso similar a Robbie Williams. La cara y la cruz de un artista que promete aunque no goce del aíre suficiente nunca para llegar a la meta como primero.
Así es Never Never Love: una gran subida, el inicio bueno que se pide a un disco de electro-pop, adictivo y rápido. Unas bases cuidadas y la voz en su justo sitio. “Wannamama” es el trallazo directo que se quiere marcar todo artista si sólo publica un single, aunque Pop Levi parece tener en mente en este momento sólo publicar dos o tres singles, ya que hay que esperar a “Dita Dimone”, que ya comenté con el recopilatorio de Ninja Tunes, bebiendo de una influencia disco y de música negra; y a la mejor del largo, el golpe fresco al estilo Los Campesinos o Beck, “Oh God (What Can I Do?)” es marcha, es baile y es fiesta; una pena que no repita lo mismo con el resto.
Similar al cambio que dio Norman Cook con su Palookaville (2004, Skin), pero sin el buen hacer del ex The Housemartins, ni tampoco con las colaboraciones estelares suyas (Damon Albarn, Botsy Collins,…). Never Never Love apuesta por un sonido estático cuando le gusta bajar la intensidad y derivar al pop vía “Love Your Straight” o “Calling Me Down” (balada Robbie Williams idéntica), casualmente coinciden este tipo de canciones en el final del LP y es por eso que su escucha llega a un momento en que se vuelve densa y tediosa.
Con la idea de lo que pudo haber sido (“Never Never Love” o “Mai’s Space” no dejan mal sabor de boca), así es el segundo largo de un artista polifacético y con más horas bajas que altas. El formato EP, o incluso 7”, se antoja de nuevo como preferido para una criba más selectiva.
El bubblegum es uno de los términos más curiosos para denominar a un género. Cuando el empalagamiento está tan alto y el twee pop o el jangle pop se han quedado en la estacada a varios kilómetros, aparece ese magnífico adjetivo que viene a resumir todo aquel pop dulce y alegre exclusivo para aquellos amantes acérrimos a las gominolas.
Helen Love es un grupo cabecera del género, con cuatro largos a sus espaldas y varios EPs. Desde Gales, llevan nada menos que dieciséis años abordando la pista de baile con una fórmula pegadiza y eléctrica, donde el pop guarda unos estribillos que repetir mientras los Ramones se cuelan entre las bases y el ritmo. Alegría no les falta a las tres chicas.
Las canciones parecen ser afrontadas como pequeños hits aislados del resto, todas ellas buscan su pelotazo o su dosis de éxito. Aquí es donde tienen su punto fuerte, por lo que el formato LP les sobrepasa a veces. La escucha de dieciséis cortes, pese a que la mayoría están entre los dos y los tres minutos, puede hacerse demasiado larga. Los 7” o los EPs son más acertados para un género que si bien es gracioso e interesante, una hora sin parar puede convertirse en algo repetitivo por la similitud en las canciones, las cuales siempre apuestan por un estribillo, una base repetida y pocos cambios.
El primer tema que abre el largo es el mejor de todos ellos, también publicado con anterioridad en formato 7” por Elefant Records. “It’s My Club” es un trallazo de electro-pop europeo bajo el punto de vista ramoniano, presentes incluso en la narración que hace una segunda voz y que ilustra varias acciones que estarían ocurriendo en el club de Helen Love. Tras esta invitación pocos se pueden resistir a entrar dentro a bailar, aunque sólo sea unos temas.
La fiesta continúa con “Dance On”, una graciosa “You Better Learn Karate”, más punks en “Honolulu Superstar” o el toque de Los Campesinosen “New Squad Attacking Formation”. Un LP que como añadido tendría que tener un insert que dijese: Después de escucharse varias veces sin parar, se recomienda pasar por el dentista para revisar la dentadura en búsqueda de nuevas caries. Demasiado dulce si la escucha se prolonga.
Souvenir retoman el formato mini-CD para complementar a su disco más innovador hasta la fecha: 64 (2007, Jabalina). El dúo de Pamplona cautivó desde sus inicios con sus acercamientos a la chanson francesa de la mano de figuras como Françoise Hardy, y el año pasado decidió salirse de lo que hasta ahora les había caracterizado, derivando hacia la pista de baile. Ahora, con tres remixes, una inédita, y una cover, pretenden seguir apostando por el mismo sonido. El primer mix lo firma el sueco Johan Agebjörn (compositor y productor de Sally Shapiro), llevando a la canción a terrenos del house y del electro sin un instante de bajada, Miqui Puig se encarga de “Une Semaine en Ballon” manteniendo el medio tempo y consiguiendo un tema muy atractivo; por su parte, Jaime Cristobal revisa “Accident À Londres” pero la oscurece más, perdiendo ese acercamiento al dance-punk que atraía de la original. El nuevo material, con “Si Tu Sais Pas” y la versión de “Hanging on the Telephone” (Blondie), mantiene el electro-pop elegante de 64, ya que Souvenir sigue teniendo ese gran valor como propio: un pop cuidado y mimado.
Las ediciones deluxe,la mayoría de las veces, están destinadas a seguidores en exclusiva del grupo en cuestión. Muchas veces sólo traen caras B sacadas del último cajón del sello, que no se iban a utilizar nunca por la mínima calidad de éstas y así dan una justificación para rentabilizar más un conjunto de obras que se han ganado por sí solas el privilegio de ser reeditadas bajo este formato. A veces se les ocurre meter algún material interesante y merece la pena echarlas un ojo para revistar trabajos como el que nos concierne ahora.
Odelay, Beck, Beck, Odelay, el orden de los factores no altera el producto. El quinto disco del californiano, y segundo para la industria, fue su confirmación cuando todavía era un joven con un éxito irónicamente llamado “Looser” (hasta hoy, uno de sus mejores temas). Atrás dejaba su influencia y experimentos por la vía del folk para pasarse de lleno a los sintetizadores y todos los aparatos que en manos de Beck cobraban vida propia.
Fue un disco fresco, revolucionario para una época en que la electrónica, si bien construía sus pilares de forma muy dispersa en diferentes frentes, no tenía mucha vocación de superar un gran público que se interesase por sonidos más extraños de lo normal. Beck consiguió el éxito de crítica y público, en parte por una acertada campaña comercial y el saber estar del músico en el momento exacto, pero en su mayoría por la tremenda calidad que acompaña a Odelay.
Todo empezaba con “Devil’s Haircut”, himno nada más reproducirse por primera vez y escuchar la base; “Hotwax” nos daba al Beck más volcado al rap, parte que explotaría en posteriores entregas como Guero (2005, Interscope); “Lord Only Knows” demostraba su poderío en el manejo a su antojo del ritmo y con “The New Pollution” anticipaban Midnite Vultures (1999, DGC). Y así podríamos seguir hasta el último corte, porque todo en Beck es el eterno retorno, el último disco puede sonar al primero y viceversa, desde un inicio podría haber estado anunciado Sea Change (2002, DGC) y no habernos enterado.
La magia que posee es inusitada para un artista de su generación, quemados a las pocas referencias publicadas o hundidos por no saber aguantar la fama y su mundo. Beck al parecer ha hecho de ésta un elemento más para su música. Bien se puede pasear por las mejores majors que coger otra vía ajena.
Ahora se dejan tres remixes para empezar el fogonazo del segundo disco, en manos de U.N.K.L.E. (“Where It’s At”), el otro rubio de oro de la electrónica: Aphex Twin (“Richard’s Hairpiece”) y Mickey P (“American Wasteland”). De los tres, el único que carece de gracia es el último, manteniendo los dos primeros el nivel de los artistas que los firman. Cada uno los llevan a su terreno, U.N.K.L.E. más oscuros y Aphex Twin en una mezcla entre breakbeaty techno.
Después vienen once cortes de caras-B y tres añadidos al primer cedé. En estos casos, como siempre pasa, hay de todo. Desde un Beck creativo (“Electric Music and the Summer People”) hasta un puro experimento con ruido (“Lemonade”). La mayoría dan canciones a tener en cuenta para los seguidores de la obra de Beck, y también para aquellos que quieran disfrutar de un buen disco de electrónica sin barreras. Una edición Deluxe para recordar Odelay e ir situando a Beck donde ya está hace mucho tiempo: entre los más grandes.
The Warning (2006, EMI) fue un verdadero éxito, con el camino ya iniciado por parte de LCD Soundsystem,los londinenses supieron saber moverse y entregar un segundo LP que encandiló a todos. Hot Chip pasó entonces de ser de grupo minoritario a que EMI se percatase de que no eran unos simples raritos con unos samplers bien elegidos, sino que tenían un gran potencial por explotar. Cuando se acababa de rallar ya este segundo trabajo, se quería más, no bastaba con ir hacia la formidable entrega que hicieron para Dj Kicks, había ganas por ver la evolución de la banda.La tercera referencia, por tanto, algunos la esperábamos como otro disco que tirase el dance-punk hacia delante desde la clase y los buenos hits de los londinenses y demostrase a muchos grupos menores de que no todo vale.
Pero esto no ha sido así al cien por cien. Ya no tenemos a los Hot Chip de antes, la banda ha preferido dejar de lado su vena más dura a la hora de encarar la electrónica, e irse en muchas de las canciones hacia el pop desde diferentes terrenos como el electro o el dance, consiguiendo melodías que carecen de la pegada anterior.
El ejemplo son dos temas que desconectan a cualquiera del trabajo: “We’re Looking For A Lot Of Love” y “Made In The Dark”, dos baladas con cierta reminiscencias a gente tan variada como Antony and the Johnson (el resultado de la segunda es muy similar) hasta a Elton John y su piano. Ambas canciones no casan con las otras más bailables y con mejor resultado. Lo mismo pasa con la recta final demasiado tranquila.
Al margen de esas baladas pop de menor categoría, la banda se aproxima al Electro-Pop de Beck o Róisin Murphy justo a la mitad del disco, con un trío bastante efectista. Lo abre “Ready For The Floor”, alegre y bailable aunque para llevar a la práctica su título sería necesario aumentar y mejorar los bajos de la canción. Y continúan “Bendable Poseable”, tema menor en comparación a “Touch Too Much”, de mayor fuerza y con un estribillo y una oscuridad más propia del grupo.
Por último, también nos ofrecen las dosis ansiadas de dance-punk, donde se encuentran las mejores canciones. El comienzo con “Out At The Pictures” y “Shake A Fist” apunta más de lo que después viene, con ambos temas en los que la base y el ritmo sí que atrapan desde el primer momento. Y no será hasta pasada la mitad del LP cuando retoman este sonido, más diluido en “One Pure Thought” y consiguiendo otro hit en “Hold On”.
La banda de Alexis Taylor se encuentra en un proceso de cambio, de adaptación a sus circunstancias actuales y de asimilación de muchas influencias, por lo que todo esto se percibe en Made In The Dark, un disco bueno, pero que no le mira cara a cara a sus predecesores.
Uno de los albinos más carismáticos en el mundo de la electrónica y el pop es Bek David Campbell (aka Beck Hasen), veintiocho años de edad, y quince en activo desde la precaria publicación de sus primeros trabajos. Clase por todos los costados, figura desde los pies al último mechón de pelo, Beck tiene un club de seguidores tan grande como otros tantos contrarios a su música, al igual que suele pasar con todos los artistas tan conocidos.
La controversia viene por la supuesta bajada de calidad tras el magnífico Odelay (1996, Geffen Records). O más bien está en la popularidad que ha alcanzado el artista estadounidense tanto fuera del “público independiente” como del generalista. Muchos al sentirse identificado con el mensaje de “Looser” lo cogieron como gurú en exclusividad, algo tan absurdo como irrisorio. El caso es que por suerte Beck sigue publicando discos e ignora tanto las críticas recibidas que bien puede tirar por un pop intimista como hizo en Sea Change (2002, Geffen Records) en el que ofrece una de sus mejores canciones emotivas (“Lost Cause”), o por el electro pop que le hizo más accesible con Midnite Vulture (1999, Geffen Records). El eclecticismo en él parece fácil, ya que empezó con un folk experimental y ha pasado por diferentes palos hasta acabar en una electrónica pegadiza, todo ello con su toque personal.
Guero fue publicado en diferentes versiones y con la concepción de mezcla. La mejor de todas esas versiones era la que adjuntaba un DVD con todas las canciones y su correspondiente videoclip, un libro muy cuidado en blanco al estilo Revolver, letras, imágenes, y dibujos. Un regalo para los coleccionistas y los amantes por las referencias tan cuidadas. Además de esta edición, publicó como es normal una sencilla, un vinilo doble y el mismo año un disco de remezclas del propio álbum llamado Guerolito(2005, Interscope Records). Por si quedaba alguna duda de crisis en el mercado discográfico su sello apostaba por la diversidad.
El material ofertado varía entre grandes temas convertidos en hits antes de ser escuchados, toda la parte que abre el trabajo, y otros de menor pegada según avanzan las canciones, aunque la menor pegada de Beck son temas como “Hell Yes”, “Chain Reaction” o “Earthquake Weather”, material que otros se rifarían por contar con ello entre sus discos. Pero esto se debe a la gran fuerza de “E-Pro”, “Girl” y “Que Onda Guero“, después de esta trilogía los demás parecen menores aunque no sea así. Entre medias temas como “Send a Message to Her”, puro Beck, “Rental Car” con una similitud al primero clara, se quedan en el limbo de ambas mitades.
El buen compendio entre imagen y su música añade otro punto al resultado final, ya de por sí alto. Beck para algunos es un monstruo y con cada disco lo sigue demostrando.
Si alguien echaba de menos a la guapa irlandesa que por los 90 firmaba éxitos bailables para todos bajo el pseudónimo de Moloko, ahora vuelve a tener la oportunidad de recuperarla pero con la experiencia del trabajo bien hecho y de una larga trayectoria. Como el mejor vino, según han ido pasando los años, Róisín Murphy ha ido madurando, perfeccionando un sonido que muchas han intentado pero en el que demuestra ser la reina cada vez que publica un nuevo trabajo.
Overpowered (2007, EMI) contaba con el posible miedo de ser su segundo trabajo en solitario, la presión de superar su maravillosa presentación con Ruby Blue (2005, Echo) y de seguir diferenciándose del resto con sus canciones. Al principio llegó el anticipo de cómo iba a sonar, de por dónde iban a ir los tiros. El single Let Me Now (2007, EMI) enseñaba a una Murphy que dejaba de lado su paso con el gran Herbert, con la mezcla de jazz, funk y house, para potenciar de nuevo este último género como lo hiciese con Moloko. Un single triunfal, pegadizo, y directo a la pista de baile. También estaba bien acompañado con algunos remixes variando más a la pista si cabe.
Pese a contar con un tema tan pegadizo, el elegante sonido de su presentación se echaba de menos, algunos esperábamos una continuación por todo lo alto, un posible Bodily Functions(2001, Studio !k7) pero a la irlandesa, con Murphy sustituyendo a Siciliano en la parte vocal. Ya la llegada de Overpowered destapó cualquier incógnita. ¿Había algo que sonase a lo soñado? No. Todo lo que había era baile, puro baile.
La canción que abre el disco decepciona en comparación con los grandes hits que firmó con Moloko, pero “You Know Me Better” rompe con cualquier esperanza de ver a la rubia bajo un jazz modificado para ella expresamente y la lleva al house más pegadizo en el que el funk sigue estando presente. Genial a la hora de encauzar la canción con su voz hacia el terreno que quiera, así “Checkin’ On Me” se adueña de la influencia de las grandes del soul y se hace con el tema entre subidas y bajadas como si fuese Diana Ross. Y ya para rematar después del single inicial continúa “Movie Star” con la potente base, con los juegos de ella consiguiendo unos agudos geniales y un resultado final de lo mejor del trabajo.
No sólo se dedica a romper el esqueleto a quien quiera atreverse a bailar sus canciones, “Primitive” la baja el tempo en un tema más oscuro, “Dear Miami” sigue con cierto aíre apagado en el que la base y las dobles voces son perfectas; como el final donde “Tell Everybody” mezcla de nuevo el funk con su voz y “Scarlet Ribbon” firma la más lenta e intimista del trabajo. Un trabajo con una calidad de nuevo asombrosa, recuperando la estela de Moloko, de su gusto por el house y sobre todo por la elegancia, aunque esto no se transmita igual a la hora de elegir la portada.
Presentación en largo para Gregor Tresher, uno de los productores alemanes más importantes del último año; con razón los lectores de la revista Raveline le votaron como mejor del 2006 en éste campo. Tresher sigue con el prestigioso label de Munich Great Stuff Recordings e intenta demostrar el por qué de su importancia en la escena, llevar el éxito de sus hits sueltos a grandes dosis sin cansar al oyente. Y el resultado es de nota, continúa mezclando un techno bailable con su querido electro del que tanto ha bebido en sus influencias. Ritmo no le falta, abriendo desde el inicio con “Black Rain” la cual cuenta con unos beats marcados de base que dejan paso a una serie de temas con un buen nivel. La subida empieza en “Running Systems” con la mezcla entre un bajo potente y ritmos intermedios que se mantienen constantes bajando al final; la canción que da título al disco muestra una tendencia más electro que las anteriores, intercala diferentes ritmos a través de ecos y loops mínimos que rompen en la mitad; “Syncopia” con unos bajos duros va dando paso a ritmos electro que se mezclan para el baile; ya en “Painkiller” el nivel es superior esperando una subida que engancha; y el hit del disco llega a la mitad, con “Full Range Madness”, éste tema ya rompió en el 2006 apareciendo en la Cocoon Compilation F, con él retoma su buen hacer a la hora de enfocar su producción a la pista de baile, apoyándose en una subida fuerte que mantiene el tipo para después bajar y retomar al rato entre agudos y graves. Posteriormente el nivel es menor, quizás por el impacto de éste tema o por una longitud en las pistas que las hace demasiado repetitivas, algunas de ellas cuentan con un enganche fuerte pero les falta algo más. “Benthos” arriesga mostrándose más desnuda, “Now People” rápida en base y ritmos agudos intermedios, asegura también dosis de baile; y cierra más tranquilo en “Good life”. En conjunto un buen disco con el que disfrutar tanto solo como en la pista cuando empiece a sonar, cuenta con un hit imparable y eso ya le vale para seguir su buena racha.
Había que hacerlo… se retrasaba la fecha de publicación de la Sesión un día tras otro y no podía dejarse de lado como hasta ahora se hizo; Beck merecía su sesión para bailar con él y agradecerle su música de la forma más modesta posible: disfrutándo con él. Puro electro-pop que es imparable, se mete dentro y no sale, los beats usados en las bases llevan la palabra movimiento con ellos incorporada. Muchos podrán detestarle porque ya no es el “Loser” que decía ser cuando empezó y toda la prensa “independiente” (¿de qué?) le coronó como nuevo gurú de los desamparados-pajilleros- compulsivos-solitarios-con-una-guitarra-en-la-mano-libre, pero no lo necesita, discos como “The Information” (2007) siguen dando la lección a todos los envidiosos de que es un fuera de serie. Muchos vendrán a criticarle por su supuesta bajada de pantalones a la industria musical, pero que alguien lo demuestre… él, mientras llega ese momento, lanza hit tras hit, total nada… Por si quedaba alguna duda… Beck apunta arriba, él es el líder de sí mismo.
