Portishead – Third

 

 

Portishead - Third - Mercury – 2008

 

Oscuro y perfecto. Estos dos adjetivos son los que podrían resumir el nuevo trabajo de Portishead. Los de Bristol vuelven por todo lo alto, sentando cátedra sobre qué se entiende cómo downtempo y más aún, sobre el género muerto trip-hop, que en ningún caso vuelven a recuperar y asentarse en él como en su primera época. Portishead consigue sonar viejo, sonar clásico y a la vez dar una lección de modernidad en su propio terreno.

Ya de primeras “Silence” nos hace retomar el recuerdo de quién era esa joven rubia que cantaba como si se fuera a romper. Beth Gibbons ahora entona (ya que ella va más allá del simple canto normal) con una solemnidad helada “Did you know when you lost?” nada más empezar, y luego lo personifica en su persona. Aquí ya se firma la distinción del resto. Portishead no plasman en una canción un estribillo para conseguir que sea pegadiza, que se recuerde fácilmente, sino se plasma con una fuerza asombrosa y la canción va buscándolo para crear ese valor.

Pero no hablamos de trip-hop, es un elemento que hay que aclarar cuanto antes. El género como tal murió a mediados de los noventa, por mucho que la prensa y la industria quisiesen inventar el término post-trip-hop, con el apogeo y la repetición de un sonido demasiado delicado para pasar a ser comercial, demasiado delicado para que las series de turno pusiesen “Roads” en los momentos más melancólicos y funcionase por la maravilla de canción. El trip-hop murió en cuanto se hizo grande, y ahora los de Bristol deciden tras diez años hacer su cóctel más unido que nunca.

Las preguntas de siempre son si está al nivel de Dummy (1994, Go! Discs), de si la vuelta sería por el camino fácil, etcétera. ¿De qué sirven? Third es Third y no Dummy, no son los de antes, ni quieren serlo. Es sencillamente algo diferente, y he aquí la maniobra perfecta. De haber mantenido todo igual como tantos otros grupos de trip-hop, los palos hubiesen caído sin piedad, y ahora en cambio sólo hay alabanzas.

El punto cumbre cambia según la perspectiva de cada uno. El disco lo componen once temas, dando un total de 50 minutos, otra sorpresa para los tiempos que corren de diez canciones de dos minutos. Con tanto material para elegir, y de buena calidad, cada uno mirará hacia una parte. “Machine Gun” es mi elección para disfrutar con ellos de nuevo. Oscura como pocas, hermética y a la vez tan emocionante. Se juntan dos vías desde la lejanía y la cercanía con que al final la canción es percibida.

Aunque una es poco para todo lo que hay aquí encerrado, el combo “We Carry On”, “Plastic” y “The Rip” te deja en vilo sin poder apartar el oído en ningún segundo. Desde las subidas de la última en una base buena base, hasta “Plastic”, con una línea más cercana a su obra previa.

Third se construye como el álbum que todos esperábamos y que teníamos miedo de escuchar por si habían perdido la magia. Portishead despeja las dudas, ellos habrían podido publicar este trabajo en su época de apogeo y han esperado 10 años, cuando las aguas ya ni se movían, para decir: Hemos vuelto. ¡Y de qué manera! Encima este trabajo no será algo anecdótico, prometen seguir en activo durante más tiempo.

 

para Hipersonica

 

Portishead – Machine Gun

Goldfrapp – Seventh Tree

 

 

Goldfrapp - Seventh Tree - Mute - 2008

 

Ha vuelto, la jovencita que hacía la back vocal a Tricky hace años ha vuelto. Y no ha regresado de cualquier manera, ella ha retomado, para bien, su perfecto debut titulado Felt Mountain (2000, Mute). Esos años fueron los del estallido del downtempo en todas sus ramificaciones, música lenta desde el punto de vista electrónico que envolvía todos los aspectos. Los actuales cuentan con demasiada masificación innecesaria para un género al que hay que mimar si se quiere algo más que una aportación efímera al recopilatorio de turno. Pocos grupos ya se distinguen del resto, y hasta que Boards of Canada se quite las telarañas y plantee otro largo, se deriva sin un rumbo fijo e insulso. Por suerte, Goldfrapp coge las riendas, se planta seria ante el reto de superar su montaña y casi lo consigue; casi, porque ese trabajo es difícil de mejorar.

No hay ningún reflejo de sus dos discos anteriores, nada que recoja el insulso Supernature (2005, Mute), donde se la veía intentando repetir los hits de Black Cherry (2003, Mute) en vano. Aquí sólo hay tranquilidad y mucha pausa para afrontar las canciones, las bases son suaves, sin tratar de conseguir en alguna la efectiva pista de baile. Al contrario que Róisin Murphy, cuyas carreras podrían verse con algunas similitudes en relación al cambio de su trabajo inicial a su segundo, y la parte grupal anterior precediendo a la posterior andadura en solitario, Seventh Tree no busca el hit aislado, sino que la obra guarda en sí una concepción global, como los buenos discos de éste género, donde puedes aislar una canción y emocionarte, pero al coger el conjunto, la sensación es mayor.

El comienzo corre de la mano de una emotiva “Clowns”, en la que Alison Goldfrapp consigue un fraseo lento y pausado perfecto en la unión con la base. Después de este tema, las expectativas ya comentadas de ver a la londinense hacernos bailar, no existen. Pero de esto ya se encargan versos como los del comienzo de “Little Bird”, la segunda de abordo, y un estribillo con “Where we were free” que te deja helado. Como tercera perla para adornar este gran comienzo se presenta “Happiness”, un hit sin aspecto de hit, una canción pegadiza a la vez que ensoñadora, una combinación de voz y parte instrumental en base que podría firmar una de las mejores del año. Después de este trío de ases baja un poco el asunto, debido a canciones como “A&E”, en la que el hombre falsete llamado MIKA se podría ver y eso no le beneficia en absoluto (casualmente es la canción elegida como primer single), al igual que en “Caravan Girl”, más del estilo de una Madonna o una Kyle Minogue en horas bajas. Pero esas dos excepciones son las únicas que pueden decir algo malo del trabajo, “Eat Yourself”, donde incluso se puede ver una aproximación al folk de grupos como CocoRoise, y “Cologne Cerrone Houdini”, más pausada y con toques jazzy, se hayan entre medias, y ya “Road to Somewhere”, el downtempo más dulce cayendo bien al estribillo; “Some People”, con una calma excelente; y “Monster Love”, el cierre ideal de este trabajo, suben el listón bajado por las dos mencionadas, con cambios buenos de ritmo, aprovechando el juego de la voz de Alison y con bases más trabajadas.

Un trabajo para disfrutar de la Goldfrapp más pausada e íntima. A priori puede verse como un trabajo fácil que deriva al synth pop más tranquilo, pero luego se alza como uno de sus mejores discos. Otro que sin duda se colará, como con hicieron sus dos primeros trabajos, entre lo destacado del año desde la parte electrónica.

 

para Retro Música

 

Goldfrapp – A&E

Gorillaz – D-Sides

 

 

Gorillaz - D-Sides - Parlophone - 2007

 

Cuando se intenta explotar demasiado la rueda pasa lo de siempre, o bien se explota antes de llegar, o bien cuando llega a la meta la alcanza sin aíre y por tanto, sin fuerzas. Gorillaz y sus muñecos han experimentado esto último unido a lo primero. Repiten la misma fórmula con la que publicaron G-Sides (2002, Parlophone) pero no consiguen la frescura de muchas canciones de dicho trabajo.

El anterior caras B con remixes poseía una revisión de la reciente trayectoria de la banda digital muy acertada en ciertos tema, entre los que destacaron “19-200 (Soulchild Remix)” y “Clint Eastwood (Phi Life Cypher Jersion)”, ahora la segunda entrega carece de esa pegada.

Pese a estar dividido en dos discos, no significa que haya más material para disfrutar de Gorillaz, es más bien una desilusión presenciar canciones nuevas de la banda que decepcionan en comparación a sus otros hits. Así el primer CD está formado por nuevos temas sólo tiene dos que pueden llamar algo la atención, como son “We Are Happy Landfill”, una aproximación al Beck más electro, oscuros y con un buen ritmo; y “Hong Kong”, donde Damon Albarn lleva el proyecto hacia terrenos ya explorados con el Think Tank (2006, Parlophone) de Blur, en una canción muy lenta con una fuerte influencia de la música que pone nombre al tema. Salvando estas dos canciones, las demás parecen estar de mero relleno.

Es el caso de “Hongkongaton”, “Highway (Under Construction)”, “68 State”, por sólo citar tres ejemplos, en las que parece más un juego que temas inéditos para los seguidores, grupo al que parece ir dirigido en exclusiva este doble compacto. Porque sino nadie es capaz de explicar temas de tan baja calidad y monótonos, otros se quedan a mitad de camino intentando salvar al resto, como “The Swagga” o “Rockit”, pero el daño ya está hecho.

Si alguien apostaba por los mixes como salvadores, que tire la toalla también. Ni siquiera DFA firma su correspondiente con la calidad a la que nos tienen acostumbrados. Una base de breakbeat mantenida durante doce minutos para variar en diferentes partes y ahogar la voz inicial de Albarn. El remix que más se esperaba al ver quién lo firmaba, y uno de los que más decepcionan, aunque el de Stanton Warriors con “Feel Good Inc” es quizás el vencedor en cuanto a peor calidad. Por suerte, en estas cuestiones de aportar la visión personal de cada artista, también hay algunos que dan su mejor cara. La misma canción que coge DFA la cogen Soulwax y Junior Sanchez, consiguiendo ambos, sendos mixes muy recomendables para la pista. Y el mejor lo firman, para no variar, Hot Chip, llevándose a su terreno “Kids With Guns”.

En conjunto, un disco prescindible, canciones inéditas sin necesidad de haberse publicado, mixes que van entre bajones y subidas, y un tropezón en el camino de Gorillaz de cara a su tercer largo. Quizás la rueda esté demasiado usada y por eso Albarn ha dejado caer en varias ocasiones un parón temporal de la banda electrónica.

 

para Retro Música

 

Gorillaz – ‘Rockit’

Gotan Project – Inspiración-Espiración

 

 

Gotan Project – Inspiración-Espiración – Discographs – 2004

 

Es posible el rechazo de esta música debido a su origen, a su punto de partida, y a la gran trayectoria de un género como el tango, aunque habría que olvidarse desde un primer momento que lo presente es un tango antiguo, clásico, hermoso, para dejar paso a un nuevo estilo muy dependiente de éste, pero que aporta otra sonido final muy logrado. El tango no es el único ejemplo de sonido tradicional mezclado con otras músicas, desde el afro beat de Fela Kuti a la nueva visión de la brasileira por los diferentes artistas electrónicos como Gilles Peterson engloba en sus recopilatorios. Aunque en general toda la tradición musical ha sufrido sus constantes cambios para bien.

Para más inri la procedencia del trío no es el país donde este género empezó, sino que es París donde son considerados como grandes estrellas; ya se sabe, el gusto por el tango en la capital francesa ha sido siempre muy fuerte. Philippe Cohen Solal, Eduardo Makaroff, Christoph H. Müller son los músicos en los que se apoya el proyecto y que por 2000 ya tenían su primera referencia, sólo un año después de su formación. Igual de rápido llegó su aclamado primer LP, La Revancha del Tango (2001, ¡Ya Basta!). A partir de aquí se les abrieron todas las puertas.

Para esta referencia fue Philippe Cohen Solal quien decidió hacer un DJ set seleccionando las canciones favoritas del grupo y las que más habían influido en su sonido. Así no podían faltar grandes como Astor Piazzolla, Chet Baker, y Aníbal Troilo; combinados con la influencia de la nueva electrónica de Peace Orchestra (uno de los innumerables alias de Kruder & Dorfmeister) y por qué no, también el hip hop de J-Zone, todo tiene cabida en este set.

Así la mezcla de jazz, tango y electrónica que consiguen en “‘Round About Midnight” es genial, crece al final tras mantenerse constante durante toda la canción consiguiendo un ritmo muy pegadizo; la “Cruz del Sur” es la más bailable y movida de todo el trabajo; sorprende ver a Calexico por terrenos tan alejados de los suyos firmando el remix de “La Del Ruso”, y el buen resultado que obtienen; también otro remix que triunfa es el firmado por Peter Kruder en “Trico”, tema que no desentonaría nada en su discografía.

En conjunto un experimento de agradecer, la fusión bien entendida y respetando los orígenes sin hacer canciones baratas para sacarse un dinero y etiquetarlo bajo la inabarcable etiqueta world music.

 

para Retro Música

 

Gotan Project – Santa Maria (Del Buen Ayre)

Herbert feat Dani Siciliano – Bodily Functions

 

Herbert feat Dani Siciliano – Bodily Functions – Studio !K7– 2001

 

2001 se convirtió para la carrera de Matthew Herbert en su punto de inflexión, todo lo que había hecho hasta ahora había servido para dar formar al tercer disco y a su vez sólo habían sido procesos de aprendizaje culminados en esta gran obra. De la misma manera, todo la labor posterior se ve bajo la influencia, y exigencia, de Bodily Functions (2001, Studio !K7). La pega se encuentra en la publicación de un trabajo tan redondo y que los demás se perciban de forma menor, cuando tendría que ser lo contrario; reconocer los méritos de este disco al igual que los siguientes dentro de su contexto. Scale (2006, Studio !K7) fue el disco que continuó la fórmula, un trabajo infravalorado porque se quería una segunda parte del anterior y Herbert no lo quiso así, presentó algo más bailable, muy influenciado por su colaboración con Roisin Murphy en su aventura en solitario.Antes de su tercer largo el genio londinense ya había sorprendido a muchos con su presentación –1000 Lbs (Phono)–, en la que daba una visión particular del house, adelantándose a lo que vendría después de países como Alemania. También había experimentado su parte reivindicativa y experimental en sus diversos alias, bajo Wishmountain o Radio Boy, proyectos que dan más valor aún a la carrera del británico. Pero el momento especial, donde cambia su sonido hacia terrenos más jazzy, se halla a mediados de los 90 cuando conoce a su actual pareja sentimental y artística Dani Siciliano en un viaje a San Francisco. Así Around The House (1998, Phonography) es la obra a caballo entre un sonido y otro, la trayectoria de Siciliano en el jazz influye gratamente al eclecticismo de Herbert y el resultado no se hace esperar.

Son catorce canciones que componen un conjunto perfecto, desde la confluencia en un mismo punto de géneros tan variados como el deep house del que Herbert era tan afin, hasta un acid jazz más cercano a la elegancia del lounge neoyorquino. Predominan los medios tempos a los que Dani Siciliano saca el máximo rendimiento con su voz, suave, tranquila y con juegos acertados evitando la monotonía que otros discos del género traen consigo. La variedad llega desde el inicio, templado con “You’re Unknown to Me”, a la que continua “It’s Only” poniéndonos en situación de qué va a venir después. “Suddenly” y “Leave Me Now” combinan los distintos elementos creando una atmósfera insuperable; “You Saw It All” es de las pocas canciones donde colabora con alguien que no sea su pareja; Luca Santucci es quien añade un toque dub a todo lo anterior.

Y no sólo se apoya en estos sonidos, el jazz se va haciendo un hueco con temas completamente instrumentales sin casi ornamentos eléctricos. “I Know” con un piano y un gran contrabajo ayudado de la batería; al igual que “About This Time Each Day” en la que prefiere bajar la intensidad con el predomino del piano. Estos experimentos Matthew Herbert los continuará dos años después con su banda firmando Goodbye Swingtime (2003, Accidental), entre altibajos constantes a la hora de enfocar el jazz.

La joya del trabajo la reserva para el final en la que “The Audience” brilla por sí sola. Un funk eléctrico combinado con lo ya mencionado, Siciliano pone voz y deja ver lo que firmaría tres años después en Likes… (2004, Studio !K7), Herbert también descubre la fórmula usada en Ruby Blue (2005, Echo) con unos instrumentales mantenidos y culminados arriba de forma impecable.

Bodily Functions se ha ganado el puesto de forma merecida entre lo mejor del siglo XXI, tanto de electrónica como en general, al igual que se ha convertido en uno de los discos más influyentes dentro de su género. Matthew Herbert es un artista único, desde conseguir melodías de simples ruidos a intentar cambiar el mundo de forma utópica con su música.

 

para Retro Música

 

Herbert – The Audience

Vacabou – Twelve Songs Inside

Vacabou – Twelve Songs Inside – Primeros Pasitos – 2007

Segunda entrega del grupo afincando en Mallorca formado por Juan Feliu y Pascale Saravelli. Se presentaron al mercado con un gran debut homónimo hace ya cuatro años y desde ese momento no han parado de crecer. Despertaron el interés tanto de crítica como de público, y no contentos con ello exportaron el disco a diferentes países en los que siguieron recibiendo alabanzas. Países donde es difícil hacerse de notar, y en los que la música procedente de España tiene escasa, por no decir nula, presencia en el mercado. Desde Gran Bretaña a EE.UU. pasando por Francia, de donde es originaria Pascale Saravelli. La gran baza con la que cuenta el dúo es la atemporalidad de su música, la facilidad con la que atrapa al receptor, y sobre todo, con lo universal de su propuesta.

Se mueven en una frontera cada vez más confusa y difuminada, donde el pop deja paso a la electrónica y viceversa. La tranquilidad del downtempo está presente en todas las canciones del disco, en ocasiones hay titubeos hacia un lounge suave y en otras es el post-trip-hop el que influencia las bases. En Vacabou (2003) la presencia de Portishead era mayor, dejando de lado el componente oscuro de la banda de Bristol sí que derivaban a registros parecidos, sobre todo en la concepción de la voz frente a la melodía. Twelve Songs Inside por el contrario se sitúa en terrenos más cercanos al pop que a la electrónica.

Lo que no cambian es la delicadeza con la que abordan la música. Es en este aspecto donde el disco adquiere el gran nivel que contiene. Canciones como “Febrero” o “Someone, Somewhere” demuestran el porqué levantó tantos elogios su anterior disco. Alegre y cuidado a la vez, el resultado conmueve a cualquiera. En “The Earth (Just Without Us)” Juan Feliu es quien toma el protagonismo en las estrofas, dejando paso en el estribillo a su compañera de reparto recordando así los grandes duetos de los 70 a dos voces. Junto a este tema destaca “Musco Memerois”, lento, pausado y oscuro; y “Time Zone Trip” en el que el lounge se mezcla con tempos rápidos y pausados.

Un desarrollo muy cuidado desde el principio hasta el final. Desde el diseño físico del trabajo, el cual ya merece la adquisición y unos cuantos elogios a FCM Darder por la gran obra hecha, a la sensación de tranquilidad que transmite el disco en constantes escuchas. Y algo muy destacable en un género donde no se suele dar: las letras compaginan a la perfección con la melodía y la voz, no son mero trámite que se unen con los beats de una base constante. Colores y sensaciones como los elementos que construyen el diseño, muy recomendado para disfrutarlo.

para Muzikalia

Vacabou – To Russia In White