Artículos 30-09-08

Sigo sin actualizar el blog, lo mío no tiene nombre, pero es que el tiempo no da tregua… Hoy van algunos artículos que recuerdo, me dejaré varios…

Mondosonoro:

Sambassadeur – Entrevista

Ratatat – LP3

Hipersónica:

Aquí siempre hay muchos, dejo otra vez el link general

Natxo Sobrado

Propósito de hoy: actualizar casi diariamente (bien matizado el casi).

PD: me acabo de dar cuenta que justo acabo de publicar con un mes de diferencia del anterior… esto no puede ser.

Justice – DVNO

 

 

Justice – DVNO – Ed Banger – 2008

 

Como las cosas buenas, Justice se disfruta más en pequeñas cantidades, sin entender esto desde un punto de vista negativo, más bien todo lo contrario. Su primer álbum fue un bombazo, † (2007, Ed Banger) despertó a cualquiera que creía que la electrónica había perdido las ganas de marcha (aunque esto es como el rock, miles dicen que ha muerto y cada año demuestra que está vivo y coleando), puso de nuevo a Francia en el mapa de los primeros puestos, cuando Air había pasado a un segundo lugar ya. Y aún hoy se siguen publicando más 12” extraídos de su obra maestra.

Es por eso que su disfrute es mejor en pequeñas dosis, canción por canción. En vez de escuchar toda la traca sin descanso, es preferible ir a un tema y ver los diferentes remixes que han hecho otros artistas de la canción en cuestión. La electrónica esto lo tiene muy claro desde los inicios: los hits son los que triunfan frente al LP como concepción cerrada. De ahí que podamos disfrutar de 12” donde una canción es revisada cinco veces, como es el caso que nos concierne ahora.

DVNO es otra de las cabezas de serie de †; rápida, cogiendo del techno lo mejor: la fuerza de la base, y del electro la otra parte: pura oscuridad y unos ritmos alocados. Así dan con un hit bailable, pegadizo y directo para cualquier amante de este sonido. Por si no fuera poco su versión original, la banda nos muestra otra versión, más cruda, sucia y con dos minutos más de metraje. A cuál mejor.

Después, otros artistas aportan su remix y lo hacen con altibajos. El mix de Sunshine Brothers desnuda a la canción, quitándola el ritmo alocado, convirtiéndola en un tema de house simplón en comparación con lo que es la original. Por el contrario, el mix de LA Riots es de los buenos, de los que priman los beats para dar al tema aún más fuerza, así, entre constantes breaks y cambios de ritmo, dejan una gran revisión. Mientras, el de Surkin y el de Petits Pilous, están entre medias, buenos ganchos, pero sin mejorar la original.

El ejercicio debe ser muy difícil cuando se tiene un tema como éste, en el que el ritmo ya está perfectamente casado, donde la pegada está garantizada. DVNO es una referencia indispensable para los amantes de Justice, y también para todos aquellos a los que les guste sentir el baile en sí mismos.

 

para Hipersónica

 

Born Ruffians – Red, Yellow And Blue

 

 

Born Ruffians – Red, Yellow And Blue – Warp Records – 2008

 

Warp Records es Warp, ya se sabe. Menos es más y sólo cuando lo has asimilado. No golpea de frente y desaparece el efecto, más bien es al contrario, haciéndote quitar capas y disfrutando cuando conoces ya todos los ingredientes, ahí es cuando el disco alcanza la magia de un sello único (de los más valiosos para algunos). Figuras como Aphex Twin o más actualmente, Mäximo Park -quien saludó de lejos a la generación hype y siguió por su lado, ya que nunca estuvieron juntos- y sobre todo Battles, así lo demuestran. Ahora su nueva propuesta es Born Ruffians, pop, sí, indie, también, pero con los antecedentes del sello comentados: sorpresa.

Desde Canadá, con un EP ya en el mercado –Born Ruffians (2006, Warp Records), el trío formado por Luke Lalonde, Mitch Derosier, Steven Hamelin es como una esponja del buen pop, donde se mezcla un pop naïf, un folk libre, psicodelia y bastante de aprendizaje en la cuestión melódica. Destacan en el uso de las voces y las guitarras tan bien, ninguna parte queda menor a otra, aparentemente simple, lo más difícil lo consiguen para que parezca un juego de niños.

Y es casualmente esto lo que presenta Red, Yellow and Blue, un buen juego para divertirse, aferrarse a la idea del buen pop sin repeticiones (y eso que en este disco priman las estructuras repetidas), donde el estribillo está presente, los coros también y las guitarras se juntan con la batería para marcar el ritmo, no para irse por su lado.

Es un álbum de once canciones que no destaca ninguna por libre, son buenas pero cuando verdaderamente alcanza su buen sabor es cuando se ha escuchado mucho y los once temas forman un todo unificado. Desde la inicial, “Red, Yellow & Blue”, como si de un juego se tratase, a la última, “Red Elephant”, el compendio de lo presenciado hasta llegar a ella.

Alegría constante, “Hummingbird” cumple esa función, y delicadeza en letras narradas, “Hedonistic Me” escoge el tempo exacto para su historia. Las guitarras son riffs en muchos casos repetidos sin parar, pero suaves, sin llegar a cansar, creando una simpatía en el oyente (“Foxes Mate For Life”).

No será el disco del año, pero por momentos crece y descubre a un trío que desde el nombre ya promete. Un grupo con la calidad del sello y con un pop de la alta escuela.

 

para Hipersónica

 

Born Ruffians – “Hummingbird”

Tu Madre – Entrevista

 

 

Tu Madre son un grupo a escuchar, de los que divierten y enganchan tras unas escuchas, pero no les hables de Sibyl Vane, ellas rechazan compararse con sus paisanas pese a parecerse mucho, lo cual es un verdadero halago para este trío barcelonés formado por Lios, Elena Goliat y Jangla. Por ahora cuentan con un EP publicado que ya analizaba ayer mismo, de los que te alegran el día cuando se descubre; por no hablar ya de su diseño. Son canciones directas, con una línea musical sencilla pero atractiva. Como ya comentaba con su disco, referentes en los que se ve desde Bikini Kill hasta Patti Smith, así ningún disco puede decepcionar. Las tres miembros de Tu Madre nos hablan sobre su proyecto.

¿Por qué Tu Madre? ¿Acaso la filosofía y Freud afecta tanto como algunos dicen?

Errrrr. Creo que Freud inventó la palabra “histérica”. Yo qué coño sé. Supongo que todas nos hemos preguntado cómo es tener una polla alguna vez, pero no sé si lo definiría como “envidia del pene”, como dice Freud.

En el MySpace pone: “Nació de una borrachera, con planes frustrados de montar un grupo que tocara con el coño al aire, pero acabó cocinando patatas con jamón para sus reto…” ¿Surgió así Tu Madre?

Sí, más o menos.

¿A qué es debida la elección de un formato tan peculiar como es el mini-CD digipack en 3″?

Pues que es muy bonito y nos gusta, porque barato no es…jajaja. También, como nuestro disco se puede descargar por internet pensamos que estaría bien que el disco físico fuera un objeto que quisieras tener.

Tras dejar pasar un rato “La Nueva”, aparece una parte a capella con una letra casi gore ¿Por qué esta sorpresa?

De hecho la letra de esta canción es una nana tradicional, antigua. En aquella época se era gore con más ligereza, basta ver los cuentos de los hermanos Grimm. Es una canción que cantamos en directo, y nos pareció apropiada como canción fantasma…

Estáis en la misma discográfica que Tarántula y Joe Crepúsculo, ¿cómo es la relación con ellos?

Producciones Doradas es nuestra discográfica y nuestro amigo (porque de momento lo lleva una sola persona). Su música nos encanta. Vincent Leone es el sex symbol del siglo 21. (moder)

¿Cómo surgió la idea de diseñar el insert como un pañuelo con los puntos y todo?

Surgió a partir de los dibujos que nos hizo Lilli Hartmann para el disco. En la portada sale una chica cosiéndose la pierna (al abrir el disco se entiende el por qué), y pensamos que lo lógico era que toda la información del disco apareciera bordada, en un pañuelo. Así que le pedimos uno a Vicente, de Tarántula, que es de los pocos que conocemos que aún usa pañuelos de tela, y tuvo la amabilidad de darnos uno limpio. Nos turnamos con el pañuelo, y cada una cosió su parte…

Puede que el primer nombre que venga a la cabeza sea el de Sibyl Vane, encima más tras su separación. ¿Os parecéis a ellas? ¿Las conocéis al ser de la misma zona?

(Ya empezamos, esto va a ser un verdadero coñazo) Creo que el único parecido es que somos tres chicas que tienen un grupo, pero creo que hacemos música muy diferente. Y sí, ¡las conocemos! pero somos muy diferentes.

Yo creo que sí que hay bastantes similitudes, e incluso que podrías tapar el hueco que han dejado, sonáis igual de agresivas y a la vez graciosas, sólo es cuestión de tiempo. ¿Creéis que podéis con ello?

De tapar, no creo que tapemos ningún hueco, y si tapáramos uno sería el de la escalera, no el de Sibyl Vane.

La letras son un punto fuerte, entre desinhibición pura y versos sin complejos, ¿qué tenéis en la cabeza a la hora de escribirlas?

Cuando mejor salen es cuando la cabeza está hueca, que es cuando salen solas y ni te enteras. Otras tardan mucho en gestarse, empiezan por una imagen, una sensación física, o una frase que oyes decir a alguien, y poco a poco se te va acumulando la letra entorno a eso.

En especial me gusta la de Prematuro, algunos versos son directos y graciosos ¿Tiene alguna historia detrás?

Prematuro nació en la sala de espera de un hospital de Igualada mientras esperaba que mi hermana pariera a su primer retoño, los nervios y emoción provocaron que Marc y yo empezáramos a lanzar frases sobre la idea de prematuro, palabra que se asocia directamente con la maternidad y nada… de ahí nació.

¿Qué habrá tras esta maqueta? ¿Tendremos más Tu Madre?

¡Síííííí!!! Se ha añadido un nuevo elemento al grupo encargado de reventar tímpanos, se llama sintentaynueve y es un sinte del setenta y nueve.

Respecto a la profesionalización, ¿es algo imposible ahora mismo?

Francamente lo veo bastante imposible, pero tampoco creo que sea algo que busquemos.

¿Cómo anda la movida por Barcelona y alrededores?

En Barna la movida a nivel musical la verdad es que está bastante bien, hay muchos grupos que nos gustan, y vienen a tocar muchos grupos de fuera que no llegan a otras ciudades. Quizá se eche de menos más comunicación e intercambio con otras ciudades españolas…

¿Y las discográficas más grandes, hay algo con alguna ahora o en un futuro?

No, para nosotras hacer lo que estamos haciendo y contar con Producciones Doradas ya es suficiente, creo que no nos imaginamos haciendo algunas cosas que en las discográficas, por muy pequeñas que sean, piden hacer para sacar unas perras.

 

para Hipersónica

 

Tu Madre – Adiós Cerdo

Tu Madre – Tu Madre

 

 

Tu Madre - Tu Madre – Producciones Doradas - 2008

 

Para los que lamentamos la separación el año pasado de Sibyl Vane puede haber un remedio, en este caso casero, hogareño, más cerca de lo que nunca pensaste: en Tu Madre. Curioso nombre para el trío barcelonés formado por Lios (bajo y voz), Elena Goñat (batería y voz) y Jangla (guitarra, piano y voz). Estas tres chicas comparten muchas similitudes con, casualmente, las tres chicas que dejaron una buena obra bajo Sibyl Vane. Hacen punk-pop sin pretensiones, nada de buscar el hype, el disco de oro o la perfección técnica. Aquí más bien lo que se busca es una melodía mínima mantenida y una letra llamativa.

Bikini Bill, Ramones, Patti Smith, y PJ Harvey, la primera, la Polly Jean que no tenía miedo de gritar y coger la guitarra para distorsionarla al máximo; todos estos nombres son de los que beben Tu Madre. En una maqueta cuidadosamente diseñada (el formato elegido es el mini-CD de 3” con digipack) nos encontramos con un insert que asemeja un pañuelo real con el bordado característico de hace unos cuantos años. Hasta ese aspecto nos intentan recordar a nuestras madres.

El trabajo tiene seis temas, de los cuales dos son instrumentales (“Auua”, una pista fuerte para empezar; y “La Nueva”, con el piano entre medias). La canción que más destaca es “Prematuro”, melodía constante y unas subidas con las guitarras a la máxima distorsión, a destacar versos como “Es prematuro ponerse a follar sin llegarse a presentar (…) Es prematuro que me comas el culo. Ponerse a comer quicos cuando aún no tienes dientes”. También destaca “El Puñal” con mayor presencia del piano.

Un buen conjunto de canciones que apuntan a unas futuras Sibyl Vane, o por lo menos a un grupo que llene su vacío dejado. Todo es cuestión de tiempo, pero tras escuchar sus canciones Tu Madre prometen.

 

para Hipersónica

 

Tu Madre – Prematuro

Pop Levi – Never Never Love

 

 

Pop Levi - Never Never Love - Counter Records – 2008

 

Quien fuera una de las cabezas de Ladytron vuelve a publicar nuevo disco. Tras The Return to Form Black Magick Party (2006, Counter Records) ahora llega el turno de su segundo asalto al mercado discográfico con Never Never Love, un trabajo inestable y demasiado lineal tras mucho tiempo de escucha.

La mecha la perdía igual en su anterior referencia, pero ahora es más notable este ir a menos del artista inglés. Puede comenzar con unos hits pegadizos, de los que no se puede evitar moverse cuando se escucha el ritmo de base, canciones directas a la pista, pero luego le va la balada lenta de un pop pegajoso, incluso similar a Robbie Williams. La cara y la cruz de un artista que promete aunque no goce del aíre suficiente nunca para llegar a la meta como primero.

Así es Never Never Love: una gran subida, el inicio bueno que se pide a un disco de electro-pop, adictivo y rápido. Unas bases cuidadas y la voz en su justo sitio. “Wannamama” es el trallazo directo que se quiere marcar todo artista si sólo publica un single, aunque Pop Levi parece tener en mente en este momento sólo publicar dos o tres singles, ya que hay que esperar a “Dita Dimone”, que ya comenté con el recopilatorio de Ninja Tunes, bebiendo de una influencia disco y de música negra; y a la mejor del largo, el golpe fresco al estilo Los Campesinos o Beck, “Oh God (What Can I Do?)” es marcha, es baile y es fiesta; una pena que no repita lo mismo con el resto.

Similar al cambio que dio Norman Cook con su Palookaville (2004, Skin), pero sin el buen hacer del ex The Housemartins, ni tampoco con las colaboraciones estelares suyas (Damon Albarn, Botsy Collins,…). Never Never Love apuesta por un sonido estático cuando le gusta bajar la intensidad y derivar al pop vía “Love Your Straight” o “Calling Me Down” (balada Robbie Williams idéntica), casualmente coinciden este tipo de canciones en el final del LP y es por eso que su escucha llega a un momento en que se vuelve densa y tediosa.

Con la idea de lo que pudo haber sido (“Never Never Love” o “Mai’s Space” no dejan mal sabor de boca), así es el segundo largo de un artista polifacético y con más horas bajas que altas. El formato EP, o incluso 7”, se antoja de nuevo como preferido para una criba más selectiva.

 

para Hipersónica

 

Pop Levi – ‘Never Never Love’

Jardín de la Croix – Pomeroy

 

 

Jardín de la Croix - Pomeroy - Not Label - 2008

 

Una bomba, una explosión de adrenalina, así es el primer disco de Jardín de la Croix. Sin palabras te quedas cuando escuchas el trabajo de un grupo que apenas llevan dos años y que grabaron este material en unos meses tras juntarse en Moratalaz (Madrid). El género post-rock se les queda corto, más bien lo que tenemos es un cóctel de math rock del bueno, sí, el de los grandes referentes; con un rock progresivo como base en muchas partes.

Para mí este género es uno de los mejores que existen cuando se hace bien, cuando hay originalidad tras las guitarras y no sólo riffs repetidos ad nauseam. Sorprende ver cómo dos de los mejores valores de la escena española, como son Muzak y desde ahora otro de mis favoritos: Jardín de la Croix; no tengan discográfica. Si bien Muzak publica bajo Trastienda y con Last Exist como managers, no deja de ser una discográfica que ofrece todo su catálogo de forma gratuita y con pocas ventas. Por no hablar de que los madrileños, con un producto tan bien acabado como es Pomeroy, se hayan tenido que autoeditar el CD. Así va la industria…

Está claro que Jardín de la Croix no llenará estadios, ni siquiera sonará de forma fácil y pegadiza en radios o Internet, pero es que no intentan eso. A través del math rock intentan rendir un homenaje a unas canciones instrumentales que recuerdan a Don Caballero desde un inicio, pero sin copiarlos, recuerdan a los inicios de The Mars Volta, cuando el grupo era pura dinamita y también tienen a Mogwai como aliados cuando tienen las partes más tranquilas.

No es fácil conseguir que una canción instrumental de nueve minutos se haga pasar como una de dos, desde el punto de vista de accesible y nula repetición. Un tema como es “Boston Steamer”, con 9 min y 25 exactamente, se convierte en el más destacado del conjunto. El más tranquilo en un inicio pero con unas variaciones y unas subidas que a uno le vuelven loco. Es un tema redondo, y de ser extranjeros, ya hubiesen sido alabados por muchos medios.

Y no sólo acaba el trabajo en una canción: “Suomi” se aferra a un riff más potente en combinación de otros más pausados; “Jesse Harding” tiene un inicio de género, con la tranquilidad que sabes que en cuanto pueda se va a convertir en dureza, como así pasa; “Antioquia” prefiere el experimento con otros sonidos sobre los que luego va añadiendo guitarras; y “Synaesthesia” juega entre subidas y bajadas.

Un trabajo redondo, que convierte a estos cuatro madrileños (Ander, Pablo, Hugo e Isra) en un grupo a tener muy presente para los amantes de las guitarras matemáticas, experimentales y ensoñadoras. Como juego se reservan una sorpresa final en un tema “oculto”, donde el flamenco aparece entre oscuridad y en segundo plano. Otra incógnita más sumada a los títulos de las canciones. Pomeroy es de lo mejor que se ha publicado este año en España y no tiene discográfica. Esperemos que en breve podamos leer que hay una continuación suya.

 

para Retro Música

 

Jardín de la Croix – Live

Los Vengadores – Primeras Impresiones

 

 

Los Vengadores - Primeras Impresiones - Universal Music Spain - 2008

 

Quizás las primeras impresiones sean equivocadas, pero nadie puede evitarlas, sino no serían primeras impresiones. La música de Los Vengadores tiene ese aspecto que puede causar un frenazo por estos primeros impulsos. A quien no le guste Melón Diesel (tiempo ha), toda la onda de Pereza y demás grupos, con Los Vengadores lo tiene un poco difícil ya que su música gira alrededor del pop/rock español característico de los últimos años.

Los Vengadores no tienen nada que ver con la mítica serie de los 60, es un grupo de Madrid que ahora presenta su segundo disco con Universal tras Sí. El sonido está bastante trabajado (detrás de ellos se encuentra Fernando Montesinos, productor de bandas como Pereza, El Hombre Gancho, La Pulquería…) pese a que las canciones se hacen un poco repetidas una tras otra, en las que las letras de amor y desamor se suceden con apariencia de mini hits vía 40 Principales.

Como decía DJ Yoda en la Rockdelux de mayo, de todo se puede sacar algo de provecho, y aquí el tema que más destaca es “Si No Vuelves Hoy” donde la combinación con los coros está bien lograda y el ritmo igual. Quizás “Verde” también se destaque algo más del resto con la voz de Coque Martín más tranquila.

Pero otros temas como “Perdón” o “Nadie Como Tú” son la repetición de lo mismo todo el rato, bien hecho sí, pero falta una mejoría en las letras que parecen las típicas cartas de amor de un adolescente a su novia. Canciones con estribillo y ritmo fácil, que tendrán en determinado público una buena acogida.

 

para Hipersónica

 

Los Vengadores -  Mañana

No Reply – Drunkology

 

 

No Reply - Drunkology – Universal Music Spain – 2008

 

La marcha está asegurada, el eclecticismo también. El grupo No Reply se presenta en largo, de la mano de Universal, con la misma propuesta que les ha valido para ser un éxito desde algún tiempo dentro del panorama de conciertos de Madrid y otras ciudades españolas. Se dice que ahora un disco es más bien un material más de marketing que sirve a los conciertos y a que la gente se escuche y baje (lo de comprar ya se va negando cada vez más) la música del grupo para que después recuerden su nombre y vayan a su espectáculo. Drunkology puede aspirar a ello, a ser la prolongación de su directo, a ser el material que les valga para expandirse por la geografía de nuestro país, ya que canciones y calidad, no les falta. Pero también es un disco que recomendar para disfrutar con él.

No Reply son ocho jóvenes artistas que entienden la música como Jamie Cullum entiende a Frank Sinatra, los clásicos desde una perspectiva moderna, además de estar bajo un prisma cuidado y con todo sobre la mesa. El jazz, el swing y el ska, incluso el dixieland, tienen su sitio en la propuesta de la joven banda, donde entre trompetas y bajo todo puede ocurrir.

En especial destacan cuando tocan los terrenos del jazz y sus aledaños, cuando prefieren confundir el límite entre un género y otro, temas como “Dick Crazy” que no desentonarían en un club neoyorquino de los sesenta u otros como “Bad Joke” en los que el ritmo varía más, prefiriendo los constantes cambios entre la voz de Alejandro Serrano. Las adaptaciones de la música de la que beben también se hacen un hueco, cogiendo el clásico “Summertime” (de Gershwin) y culminando con un contrabajo y una suave voz de Pahola Gutiérrez, y “Everything Happens to Me”, inmortalizada, como todas las que tocaba, por Sinatra.

Cuando derivan hacia el reggae y el ska, el fogonazo no es tan pegadizo, aunque sí que guarda su gancho; están más en la línea de grupos como The World/Infierno Friendship Society o Ska Cubano. “Walls” contagia, tiene una buena melodía, y en especial una letra reivindicativa (“Yes, pray… but don’t for hand guns.” “Everything you dreamed is burning down!”)

Todo esto lo acompañan de una pequeña botellita de un whisky conocido en el formato promo, un obsequio que no necesita su música. Nada de alcohol para poder disfrutar del ritmo o la energía de estos músicos. Ellos ya la ofrecen en cada tema y en directo tienen que ser pura dinamita.

 

para Hipersónica

 

No Reply – Bad Joke

Gnarls Barkley – The Odd Couple

 

 

Gnarls Barkley - The Odd Couple - Atlantic - 2008

 

La excéntrica pareja de dos genios, como son Danger Mouse (productor que toca algo y lo engrandece hasta lo máximo posible) y Cee-Lo (una voz y una forma de cantar como las grandes figuras de la música negra, y a la altura en el hip-hop de otros tan importantes como Jay-Z) no podían haber elegido mejor título para titular su segundo asalto. The Odd Couple, o la extraña pareja en español, tiene justo eso, la extrañeza de que no son Gnarls Barkley los que suenan según pones el disco, según recuerdas las maravillas que presentaron bajo su debut.

La mayor traba que tiene este trabajo, a la hora de acceder a él, es acordarse de St. Elsewhere (2006, Warner). Una perfecta combinación de hits con electrónica y música negra que daba en la diana sin dilación, con “Crazy” o “Smiley Faces” como buques insignias para tirar adelante. En cambio The Odd Couple no tiene eso, no tiene hits, no tiene canciones que puedas ver un ritmo pegadizo, que te hagan bailar o disfrutar sin parar. Para entender bien este trabajo hay que olvidarse de la electrónica y el ritmo, hay que poner la mente en blanco y recordar la época del soul con gente como Sam Cooke o Sly and the Family Stone, pero eso sí, en su vena más lenta, nada de recordar el Stand! (1969, Epic) de los segundos, hay que ver a un Al Green influenciado, eso sí, bajo la psicodelia que Sly o Funkadelic tenían en su momento. Entonces ahí sí, el disco crece, y de qué manera.

“Run (I’m a Natural Disaster)” es el hit que todas las bandas lanzaban para poder competir en las radiofórmulas y tener así al público ganado y poder experimentar en el resto de canciones. Danger Mouse, productor y principal cabeza pensante del sonido de la pareja extraña, parece tener esa idea en la mente: arriesgar lo máximo, sin establecerse en lo fácil (si hubiese habido una continuación de su debut el camino hubiese ido rodado…) pero también satisfacer a alguna que otra persona para no cortar tanto por lo brusco. Por tanto, “Run…” es un dardo directo, de los que escuchas y tienes que subir el volumen para aprovecharlo al máximo. Pero ahí se acaba, ya no hay más, la velocidad, la electrónica, las ganas de fiesta se dejan de lado para apuntar alto al llamado neo soul.

Ahora es “Surprise” la que puede aunar bien lo que apuntan a hacer en el futuro. La mezcla es perfecta, una base tranquila, pausada y con una leve subida para el estribillo, mientras que la voz de Cee-Lo cada vez gana más enteros al situarse y recordar a los clásicos. Irónicamente, la canción que puede simbolizar el cambio es la misma que dice en uno de sus versos: “Don’t be surprised!”, función que hasta ahora Gnarls Barkley no han dejado de hacer. “Going On” tiene la estructura idéntica, de partes con más marcha y breaks más pronunciados, mientras que de fondo parece escucharse un órgano de iglesia. Como “Blind Mary”, más pop.

Por la vía lenta, de balada y más desnuda, le sigue el tema “No Time Soon”, una dura canción de amor emotiva, con un buen uso del coro en toda la canción; también “Who’s Gonna Save My Soul?”, estructura y mensaje igual que las tradicionales; y “Neighbours” más oscura.

Lo han vuelto a hacer, The Odd Couple es para escépticos que quieran comprobar que un grupo puede dar una vuelta de 360º y seguir siendo explosivo. Cuesta hacerse a la idea de la desaparición del ritmo, pero cuando se adueña de uno el disco, no te suelta, sino que cuanto más lo escuchas crece y crece, en especial la voz de Cee-Lo. Tienen una cultura música tan extensa que la próxima jugada puede ser otra de quitarse el sombrero.

 

para Hipersónica

 

Gnarls Barkley – Run

Hipo – Tormentoscopio

 

 

Hipo - Tormentoscopio - Maqueta - 2008

 

El hecho de descubrir nuevos grupos gracias a maquetas es un placer, en especial, si tras esa maqueta te encuentras temas tan buenos como los que el grupo pacense Hipo ofrece en su segunda entrega bajo este formato, con el título: Tormentoscopio.

Hipo ha sido elegido por el festival Contempopranea como grupo revelación de 2008, por delante de otros como Klaus & Kinski o Band Apart. El premio del festival llega tras un 2007 en el que fueron finalistas del mismo certamen y del I Concurso de maquetas del Lemonpop; ganando además el I Concurso de maquetas de Badajoz. Un grupo que no ha dejado pasar las oportunidades que los concursos dan a los noveles, aunque sólo sea para que amplíen el alcance y el número de seguidores.

Detrás del grupo se encuentra Emiliano Fernández (también en Cajón de Sastre), cabeza pensante e impulsor de Hipo desde que en 2002 grabase una maqueta de forma casera. Está acompañado a partir de 2006, fecha en la que empieza de verdad Hipo, por Noemí Castillo, Joaquín Pagador y Rodrigo Gómez.

Son sólo cinco canciones pero convertidas en auténticas perlas cuidadas en un pequeño mini CD (el diseño es impecable) que crecen desde la sencillez. Es el recuerdo a un indie pop neblinoso, a un lo-fi que Sebadoh tocaba en algunos palos. Hipo más bien prefieren la tranquilidad antes que la potencia, aunque “Después de un Tiempo” sea un instrumental atractivo, de la mano de las guitarras, que tendrían que explotar más en próximas referencias. La aproximación a nombres del extranjero como Trembling Blue Stars y su pop hermético puede verse en “Una Línea Roja”, próxima a los primeros La Buena Vida, después Ama y ahora Nadadora (sin contar su último experimento electrónico). Dicho tema, entre finos punteos y tanta oscuridad en el susurro de la voz de Emiliano Fernández, crece cuando llega el final, más crudo y distorsionado.

“El antes y el después” va por la misma línea, casi inteligible la voz, pausado y hermoso. “Cajon de Sastre” se mantiene en la pequeña burbuja creada por las guitarras, y “Negociación” con apariencia de una subida tras un riff mantenido durante toda la canción y el dúo de voces con Noemí Castillo.

Hipo es una cita que no podrá faltar en el Contempopranea de este año. Ahora a la espera de poder disfrutar de nuevas canciones tan rápido como fue el paso de Apéndice (su anterior maqueta) a este Tormentoscopio. Una propuesta: Si este grupo lo cogiese como productor Julio de la Rosa, ¿qué saldría? Seguro que magia.

 

para Hipersónica

 

Virüs – Manual del Perfecto Cardiaco

 

 

Virüs - Manual del Perfecto Cardiaco - Subterfuge Records - 2008

 

Desde Barcelona, y por segunda ocasión, tenemos la propuesta de Virüs, un grupo con la mirada muy puesta en los ochenta, en especial en la época del post-punk británico. Lo cual no tiene que llevar a pensar que tenemos aquí otro proyecto de hype y que cantan en inglés canciones de más o menos pegada. Virüs prefieren el español para abordar su música y en los referentes, aunque su primer contacto es con la escena ya mencionada, son más próximos a grupos de por aquí que a Joy Division y compañía, viendo la huella que dejó la Movida madrileña en cada canción del largo.

Manual del Perfecto Cardiaco es la continuación de Sintonía Nuclear, el trabajo que les valió para presentarse en 2006 con Subterfuge Records tras ganar el Proyecto Demo de 2004. LA diferencia entre ambos trabajos se ve en el ambiente. Si su primero prefería más tenebrismo, atmósferas más apagadas y menos fuerza; el segundo va por un campo contrario. Siguen los mismos elementos, siguen las voces masculinas de Olatz y Charly muy presentes, pero ahora se sitúan con más presencia y fuerza; siguen las melodías oscuras entre bajo y batería principalmente, pero también se modifican para sonar más claros.

Detrás de los mandos, y como responsables de los cambios dos conocidos de la escena española: Juanjo Reig (Krakovia) y Guille Mostaza (Ellos, Krakovia) —además de contar con David Kano (Cycle, Krakovia) en la mezcla y masterización—. Con nombres así, (salvo Guille Mostaza que podría ser más pop) la intensidad del disco era de esperar.

Este cambio les da más papeletas para sonar mejor, con referentes como Alaska y Dinarama muy presentes (“El Baile de los Huesos” y “Sidecar de Hielo” recuerda mucho a ellos), sólo que el protagonismo de las voces prefiere caer en el componente masculino, algo que Alaska habría variado; también otros nombres como Los Nikis en su fuerza y habilidad para firmar hits pegadizos (“Escalofrios” bien podía haber sonado veinte años atrás en El Imperio Contraataca); y cómo no, Aviador Dro se pasa también pero sin sonar tan eléctricos (“Gugenheigen”).

Virüs abordan su propuesta entre guitarras y contundencia, en vez de caer en las manos del techno-pop como hacían los grupos a los que suenan; su campo es el electro-rock muy cercanos al punk y Manual del Perfecto Cardiaco se convierte en su mejor baza para contagiar a la gente.

 

para Hipersónica

 

Virüs – Stalingrado

Los Invisibles – Entrevista

 

 

Una ilustración propia de un boceto de Roy Lichtenstein o de Andy Warhol, es lo único que tenemos como imagen virtual de Los Invisibles, no hay más, ni fotos promocionales del grupo, ni siquiera una sencilla fotografía de los miembros de la banda. Los Invisibles en sí no son ni siquiera un grupo como tal, son un conjunto de amigos que se han reunido varias veces a hacer algunas canciones y se les ocurrió grabarlas. La diferencia con el resto de grupos es que tras estas sesiones de amiguetes se encontraban músicos profesionales muy destacados de la escena española, encabezados por Banin Fraile (más conocido por ser el teclista y guitarra de Los Planetas), en lo que puede ser un proyecto personal del andaluz con el apoyo de, entre otros, Florent Muñoz, también guitarra planetero y de Julián Méndez, ex bajista de Lori Meyers. Por ahora sólo hay una maqueta para escuchar, con canciones que a algunos les atraen más que a otros (“Hikikomori” la más destaca de ellas), pero Banin Fraile, quien nos habla del grupo, avanza que Los Invisibles en un futuro próximo le gustaría que fuese un proyecto más serio. Empecemos desde cero a conocerles.

¿De dónde viene el nombre del grupo?

De un tebeo de un escritor escocés, Grant Morrison. Lo recomiendo a cualquiera que tenga ganas de algo nuevo y excitante, aunque ya se han filtrado muchas cosas de él en el cine, Matrix lo fusila, pero ellos al menos fueron los primeros.

¿Con qué miembros ha contado el grupo?

Es un proyecto abierto, de hecho han entrado y salido ya algunas personas, pero los más participativos han sido Jose, batería, Julián, bajista y Floren. Ahora tengo planeado grabar algunas canciones con Limousine, un grupo buenísimo de Córdoba que sacaron un par de discos con Mushroom Pillow, también con un grupo nuevo de Granada, Possopotare, un curioso dúo de synth-pop ruidoso que prometen mucho, gente joven con ilusión y ganas que es lo habitualmente escasea cuando se ha pasado a la treintena.

¿Cuándo empezó el grupo como tal, año?

Antes que nada me gustaría decir que en realidad Los Invisibles no son un grupo como tal porque no ensayamos ni tocamos en directo, por ahora sólo nos juntamos para grabar. La primera vez fue hace un año aproximadamente.

¿Influencias?

La lista sería tan larga que me pasaría una hora diciéndote grupos y artistas porque son muchos años descubriendo y escuchando pero sin tengo que decirte algunos que he seguido escuchando y que me siguen gustando como el primer día esos podrían ser Brian Eno, Beach Boys, Van der Graaf generator, Velvet Underground, Neu, The Sonics, Kevin Ayers, R Stevie Moore, Ramones, Silver Apples, Syd Barret, Serge Gainsbourg, Psychedelic Furs, Mercury Rev, Broadcast, Morricone, Mancini… son los primeros que se me vienen a la cabeza.

¿Según está el panorama actual es posible dedicarse a la música en exclusiva?

Yo lo hago con dificultades pero reconozco que fuera de los circuitos de la industria es muy difícil.

¿Cómo veis la escena española?

Hace tiempo que no surge un movimiento que capte la atención del público como lo hicieron en su momento otros pero siguen saliendo grupos buenos con cosas que decir como Tarántula, Triángulo de amor bizarro o Tachenko por citarte tres que empiezan por T.

¿Existe un futuro?

El futuro te lo buscas tú, siempre va a ver gente inquieta que no se conforme y que quiera hacer algo diferente, es cierto que cada vez tienen a la gente más separada y alienada, estamos en pleno comienzo de siglo XXI y no ha habido esa euforia de otros principios de siglo, es como si el ser humano hubiera dejado de creer en si mismo, ya no hay grandes planes. La época de las ideologías pasó para dejarnos el pensamiento único que por ahora resiste, pero no sé por cuanto tiempo, la civilización se descompone justo ahora que es cuando más la necesitamos.

Muchos grupos dicen que la única manera de impulsar su carrera es por los conciertos, en los que se consiguen mantener mejor que con los discos, ¿compartís esta opinión? Unido a esto, las infraestructuras con que se cuentan en España en relación a salas es mínima… ¿Así cómo podemos disfrutar de la música? El sonido es infame en muchas, el aforo…

Eso está clarísimo, los grupos no pueden vivir de las ventas de discos, y menos ahora, la música grabada se ha convertido en una mera herramienta promocional. Pero siempre va a ver un público del objeto, ahora ha surgido un nuevo interés por las reediciones en vinilo por ejemplo. Respecto a lo de las infraestructuras es lo que hay, yo creo que tampoco hay que ponerse muy exigente, un concierto es una celebración, cualquier sitio es bueno.

En vuestro MySpace decís: “Los Invisibles, debieran dejar de serlo.” ¿Cuáles son las razones que justificarían este cambio? ¿Cuál es la propuesta de Los Invisibles al panorama musical?

Desarrollar nuestra creatividad al margen de nuestros otros grupos, tratar de dar con algo nuevo, seguir haciendo lo que nos gusta, compartir lo que pensamos y vivimos con los demás, comunicarnos de la mejor manera que sabemos hacerlo.

Las letras son de amor, relaciones, amistad… pero no se abordan estos temas desde los tópicos, sino que juegos como el Risk o cargas sociales, hacen de las letras un gran valor en las canciones ¿Qué tienen de especial?

Lo que tengan de especial deben vérselo los demás, nosotros no somos los más indicados para decir eso. Para mí las letras son tan importantes como la música, las canciones son la unión de esas dos cosas.

Unido con la anterior, hay una carga social ya mencionada, J decía que quizás la primera canción protesta de Los Planetas es “Reunión En La Cumbre”, y es del 2007… Vosotros primera maqueta y ya estáis metidos en el tema, ¿Es así? ¿Tiene que usarse la música como plataforma?

No necesariamente, la música y el arte en general se hacen para ofrecerle a la gente la visión del artista, los artistas han tenido siempre la capacidad de ver lo que viene o de mostrar con clarividencia como son las cosas, la sociedad en la que vivimos por ejemplo, con implicaciones políticas o sin ellas. Han habido artistas que se han comprometido de una forma muy militante, hoy desgraciadamente ha pasado a ser algo simplemente estético.

Respecto al protagonismo que alcanzas con este proyecto podría decirse que es casi un proyecto personal ¿Necesitabas expresarte con más libertad fuera de Los Planetas?

Desde luego, en Los planetas los papeles están muy definidos, a veces resulta aburrido, y por otro lado poco rentable, pelearte por una idea que aunque prevalezca nunca se te va a reconocer.

¿Cómo es contar con grandes compañeros como Florent, Julian y Jose?

Son músicos intuitivos y rápidos, con una gran cultura musical y personas diferentes al resto con una forma personal y única de ver las cosas.

Todos los seguidores queremos más tras finalizar la primera escucha de los cuatro temas, ¿Habrá algo en breve de Los Invisibles?

Por ahora seguiremos colgando en myspace lo que vayamos terminando, no puedo decirte si haremos algo más serio en el futuro.

¿Y las discográficas?… ¿Nadie se ha interesado por vosotros? Es algo que dudo mucho, o ¿es que no queréis seguir por ahí?

Como te digo, por ahora no ha surgido la coyuntura necesaria para montar el grupo en serio, sacar disco e irse de gira. Estar en una compañía exige ciertos compromisos que por ahora no podríamos asumir así que seguiremos haciéndolo a nuestra manera.

Pregunta obligada, ¿Qué tal la experiencia de cantar los cuatro temas?

Hacía tiempo que no cantaba y tuve que acostumbrarme otra vez, pero no le di muchas vueltas, lo hice como me salió en ese momento y así quedó.

¿Dónde fue grabado y quién lo produjo?

Lo grabamos en un estudio de Granada, Producciones Peligrosas y luego en mi casa grabé las voces. No hubo ningún productor, lo hicimos nosotros, fue una grabación rápida de un par de días.

¿Los Invisibles será algo duradero con vistas a un futuro no muy lejano o es un grupo con el que divertirse y desconectar de Los Planetas?

Por ahora es más bien lo segundo pero me gustaría que se convirtiese en lo primero.

 

para Hipersónica

 

Ladytron – Velocifero

 

 

Ladytron – Velocifero - Nettwerk - 2008

 

El grupo de Liverpool, que en 2002 atrajo la atención de muchos con su primer álbum Light & Magic (2002, Telstar) y que ya llevaban desde 1999 juntos haciendo música, vuelve tras tres años de descanso sin publicar un LP (ya que los formatos menos sí que los han cuidado durante esta etapa y sobre todo las actuaciones en directo). Ladytron consiguió situar el término indie electronic en un punto totalmente opuesto al que en ese momento estaba, donde se relacionaba más con aspectos tranquilos, mínimos, de ahí la denominación de indietronica y la posición de Laly Puna como grupo de referencia. Los ingleses preferían la oscuridad antes que los ambientes minimalistas.

Witching Hour (2005, Island) fue su gran paso, les fichaba ya una multinacional y podían situarse entre los grandes de la electrónica con un notable trabajo. Quizás ahora se esperaba una continuación o algo superior, como suele pasar cuando se escucha a un buen grupo, que siempre se quiere más, nada de rebajar las expectativas. Y esto Velocífero no lo cumple, no es el tramo ascendente que se podría esperar del cuarteto, (en 2005, Pop Levi les decía adiós para dedicarse en solitario).

Velocifero es más bien una montaña rusa en la que hay que agarrarse muy fuerte en las subidas y a la vez soltar las manos para disfrutar de la emoción, pero con pronunciadas bajadas que hacen que uno se tenga que tapar los ojos (oídos) para no presenciar lo que no espera.

Las subidas están en un inicio soberbio del trabajo. La electrónica germana y Kraftwerk vuelven a ser los referentes a los que aferrarse para firmar temas como “Black Cat”, un rompe pistas como Underworld firmaba en su época de esplendor: una escucha y ya es imparable. La fórmula está clara: distorsión, mucha oscuridad y situar las voces de las dos cantantes (Mira Aroyo y Helena Marnie) al fondo, con cierta distancia y eco respecto a la base marcada. Se puede ver en la mencionada, en “Ghosts” —primer single del disco—, en “Runaway” y en “Deep Blue”, el corte que salva el disco en la recta final, directo y con una atmósfera creada asombrosa.

Las bajadas, por su parte, van de la mano de “Kletva”, donde dejan la oscuridad para preferir un tema pop anodino, y en “They Have You A Heart, They Gave You A Name”, donde incluso podrían acercarse a los “experimentos” que hacen algunos dinosaurios para renovar su carrera musical entre pantis y coreografías. “Tomorrow” ya es caso aparte.

Un trabajo que trae a los mejores Ladytron y a los más simplones, con buenos hits y con un criterio de selección que tendría que haber sido más riguroso para no dejar colar esos temas menores entre los grandes. Aún así, Ladytron siguen sonando potentes cuando quieren (y pueden).

 

para Hipersónica

 

Ladytron – Black Cat

VV. AA. – You Don’t Know: Ninja Cuts

 

 

VV. AA. - You Don’t Know: Ninja Cuts - Ninja Tunes - 2008

 

Este 2008, los amantes de la electrónica estamos de suerte, dos de los buenos nombres traen referencia bajo el brazo. Uno de ellos es Portishead con Third (2008, Island), candidato desde su salida a encabezar las listas de lo mejor del año; y el otro es este recopilatorio de la mano de Ninja Tunes, sello emblemático donde los haya.

La historia comenzó en 1991. Los cimientos empezaron a construirse desde la nada de la mano de dos nombres que revolucionarían la electrónica a partir de ese momento: Matt Black y Jonathan More, ambos más conocidos como el dúo Coldcut, hasta esa fecha con un 12” —What’s That Noise? (1989, Tommy Boy)— y un exitoso remix de “Paid in Full”, entre muchas otras referencias, dando que hablar. El año en que giraban por Japón, la pareja tiene la idea de formar lo que sería uno de los sellos más importantes para la electrónica, tanto para un público especializado, como para el generalista.

Establecidos en Londres, el colectivo Ninja Tunes estuvo siempre atento de qué pasaba en Estados Unidos, país con una importante escena en cualquier terreno y donde bien podían salir grupos como Rhythm and Rhythm o Model 500 de una ciudad como Detroit y redefinir el techno de la nada. Aún así, los grandes nombres del sello provienen como es lógico de Reino Unido (Bonobo, Roots Manuva —Big Dada, el sello con el que publica, es de Ninja—, The Cinematic Orchestra…), y de Canadá, donde tienen otra de las sedes del sello: descubrimientos tales como Kid Koala o Amon Tobin.

La nómina de artistas que han firmado para Ninja Tunes es tan larga como buena. Un sello con tales músicos no podía dejar escapar la ocasión de publicar un recopilatorio cada cierto tiempo, y más si lo que se celebran son los 18 años de existencia.

Para la ocasión han juntado lo mejor de cada casa con sus artistas punteros, creando un lanzamiento de referencia en nada menos que tres cedés, donde se dan cita desde nombres tan importantes como DJ Shadow hasta cLOUDDEAD. Un sonido final uniforme y en total más de seis horas y cuarto de música, ocasión única para acercarse a un género asombroso si aún no se conoce, o de repasar los grandes hits y de disfrutar de las nueve inéditas que incluye este recopilatorio.

Como es tanto material qué mejor que ir por partes y revisar de forma resumida los artistas que dejaron huella en el sello y las nuevas promesas de la electrónica.

El sello ha tenido uno de sus fuertes en la revisión del hip-hop en todas sus líneas. Pese a que DJ Shadow (quien participa aquí con “Bring Madlib Up”) o DJ Krush no están en su catálogo sino en Mo’ Wax, bien podrían incluirse en su lista de artistas. Sus artistas más importantes en la revisión del género son: Roots Manuva, Mike Ladd, y cLOUDDEAD.

Roots Manuva es uno de los artistas en los que el micrófono es más un arma que un mero instrumento para cantar. La fuerza que desprende este londinense llamado Rodney Smith, es asombrosa. Letras duras y un debut como fue Brand New School Hand (1999, Big Dada), le sirvieron para ir asentándose como nombre clave en la revisión del dub desde la electrónica, siempre con la parte social detrás. La prueba de ello se puede ver en “Juggle Tings Proper”, single elegido de su presentación.

Mike Ladd es otro de esos nombres raros en su tratamiento de la música. Quizás en un principio su música no entra por ser menos convencional, pero cuando empieza uno a habituarse a su sonido queda asombrado por la visión del estadounidense en las bases y en la manera de construir los temas. Con Big Dada firmó un 12” muy conocido y que ahora recupera: “Blah Blah” tiene la dureza de una base de ambient breakbeat y un fraseo más como acompañamiento que como letra. Pese a fichar luego por !K7 Records, ha estado muy ligado a Ninja Tunes, ya sea produciendo algún álbum, como participando en estos recopilatorios.

Por último, en ésta parte, están cLOUDDEAD, mi favorito de los raritos del hip-hop (Subtle son los otros). Formados alrededor de 2000, su trayectoria es mínima pero sobresaliente. Un solo álbum les valió para demostrar su potencial. Ten (2004, Big Dada) fue su cima y su separación, después para verles habría que ir al nuevo grupo Why? o a Odd Nosdam. Pese a no ser oficial, y limitarse sólo a un montaje de diapositivas, el vídeo de “Rifle Eyes” es una muestra de lo comentado.

En la parte de la marisma denominada downtempo Ninja Tune ha sabido unir un buen número de referencias, entre ellas las de nombres como: Bonobo, Blockhead y The Cinematic Orchestra.

Simon Green es el hombre tras que se encuentra tras Bonobo. Animal Magic (2000, Tru Thoughts) fue su presentación en largo que luego reeditó Ninja Tunes al ficharle. Un músico que mejoraría en Days To Come con versiones de otros artistas, entre ellas la incluida en este recopilatorio: “Nightlite” es un tema redondo, de los que no paras de bailar una y otra vez y quieres que vuelva a sonar para disfrutar de su ritmo, además, la voz de Bajka Zero complementa muy bien a la parte electrónica.

Blockhead, por su parte, en 2004 firmó uno de los discos redondos del género. Music by Cavelight (2004, Ninja Tune) es una delicia, melodías pausadas y ambientes que envuelven en cada tema. Desde la apertura con “Insomniac Olympics” ya queda uno enganchado al disco. El uso de las trompetas entre la base electrónica es todo un acierto.

Y otro de los nombres claves del sello ha sido (y es) The Cinematic Orchestra. Desde 1999 llevan creando su propio sonido, mezclando el jazz con la electrónica sin cortarse un pelo. Man With a Movie Camera (2003, Ninja Tunes) fue su salto a un público mayor, aunque la perla la habían firmado dos años atrás con Every Day. Ahora recuperan tres temas: un remix por Susumu Yokota, un directo y una versión para radio de “To Build A Home”. El vídeo recupera ésta última en directo, donde es asombrosa, sin tantos ornamentos, más desnuda.

En otro apartado están los talentos descubiertos en Canadá; dos nombres: Amon Tobin y Kid Koala. Sin extenderme mucho, porque esto da para artículos y artículos, el primero destaca en el eclecticismo de su música, lo mismo apuesta por un folk electrónico que por la parte más experimental. Mientras que Kid Koala es conocido como uno de los mejores turntablistas, aquí selecciona “Slew Test 2” para demostrarlo.

Y ya entre las nuevas propuestas de Ninja Tunes, se encuentran Pop Levi, anticipando un tema de su próximo disco (“Dita Dimone”), y entre muchos otros, Daedelus con su canción “Fair Weather Friends”, oscura y con una buena combinación de voces dando el ritmo. Su videoclip merece la pena verlo, animación digital en blanco y negro a medida para la canción.

En definitiva, un recopilatorio que sí merece la pena hacer un desembolso por él, ya que lo que hay en él sólo es material del bueno, nada de añadidos para complementar ni intermedios tan habituales en este tipo de discos. You Don’t Know: Ninja Cuts es una obra para disfrutar horas y horas, sin necesidad de dar al repeat porque tienes suficientes canciones como para llenar días y días. Ninja Tune pone la guinda dulce a una mayoría de edad bien llevada, ¡felicidades!

 

para Hipersónica

Los Carradine – Entrevista

 

 

Como le decía a Antonio Baños, guitarra y voz de Los Carradine, es un placer poder hablar sobre política con un grupo en la actualidad a la vez que se habla de música y del último trabajo publicado. Falta bastante implicación por parte de la música actual en este campo. En los años sesenta hubo una unión entre música y protesta, en los setenta de nuevo surge la relación, y en los ochenta va a tumbos. Desde los noventa en adelante, ya no es lo mismo. Al parecer tiene que haber una situación social dura para que surjan grupos reivindicativos (The Clash, Bob Dylan, Patti Smith,…) y la supuesta tranquilidad de estos años ha podido dejar de lado la protesta frente a otros temas más típicos como la vida cotidiana y sus amores. Los Carradine traen consigo críticos versos bajo el brazo frente a la tranquilidad de la sociedad. Un disco como Sospechoso Tren de Vida pide guerra desde el comienzo y encima ahora nos enteramos de que habrá continuación en breve. Mientras esperamos, Antonio Baños nos habla sobre el grupo.

¿Cómo ha sido recibido Sospechoso Tren de Vida por la crítica, el público, vuestras familias y vuestros perros (si es que tenéis)?

La reacción ha sido diversa según miremos esos colectivos. La crítica mucho mejor de lo que esperábamos. El público mucho más cariñoso de lo que merecemos. Nuestras familias con estupor y preocupación. No tenemos perros pero sí hijos. Creo que convencerles fue duro pero muy satisfactorio.

Ahora en España faltan grupos que junten el punk pop con letras protestas aceptables y que el resultado final sea una canción buena. ¿Cómo veis la situación? ¿Volvéis a cubrir este hueco?

Muchas gracias por lo de las canciones buenas. Lo cierto es que hace muy poquito que los grupos vuelven a cantar en español y empiezan a currarse letras. Yo creo que en poco tiempo el hueco estará muy bien cubierto. Por ahora, ahí estamos.

¿La escena española posibilita a grupos con una propuesta como la vuestra o está más volcada en la música de fácil consumo?

¡Cómo nos gustaría que nos consumiesen fácilmente! Por ahora nosotros jugamos en otra liga y luchamos más por la supervivencia que por la Champions.

Billy Bragg, ¿Qué os dice ese nombre?

Para nosotros es un referente de cómo estar en el mundo de la música. Tanto por integridad como por actitud en el escenario, respecto a la industria y a lo que significa ser un punk con todas las letras a los 50 años y con camisas de franela. Además nos encanta su música. En cuanto a sus letras, hemos fusilado directamente su método de mezclar en la misma canción una historia de amor con temas sociales o políticos.

¿Cómo fue vuestra experiencia al tocar con él?

Conocer a tus ídolos ya es algo muy gratificante pero cuando los ídolos son exactamente igual a como esperas que sean, la cosa ya es la hostia. Fue él a quién se le ocurrió tocar con nosotros. El tipo llegó, le tocamos la canción y al instante ya nos estaba proponiendo arreglos para el tema. Todo humildad y simpatía. Eso es punk.

Ya habéis tocado con uno de vuestros ídolos, ¿con quién querríais tocar ahora?

Como es imposible tocar con peores músicos que nosotros, pues con gente que lo hace muy bien y nos gusta. En activo hay varios músicos con los que nos gustaría colaborar. Y puestos a pedir, con Glutamato, Siniestro y, ya que estamos, los Violent Femmes, por supuesto.

¿Tenéis alguna canción preferida de este último disco?

Creo que cada uno tiene la suya. Estamos muy satisfechos de cómo suena “Vietnam Sentimental” y nos gustan mucho algunas más lentas y quizá más tiernas que parece que no han tenido tanta suerte como “Antinana” y “Satélite”. Es que somos unos sentimentales.

La mía es “No Es Que Fuera Mod”, ¿qué historia tiene detrás?

Un día un carradine descubrió antiguas fotos de su padre. Estaba montado en una lambretta, con gafas de sol, en batería con otras lambrettas más y en una playa, mirando al mar podía ser Brighton y que estuviesen esperendo a los rockers pero no. Mi padre no es que fuera mod, es que era un macarra.

Efectivamente, el hombre lo máximo que sabía de música moría con Paquito el chocolatero pero la playa y la moto y la actitud “que te meto tío” era casi mod aunque sin saberlo. Luego se llevó a su novia (la madre de un carradine) de vacaciones a Mallorca montados en lambretta y de ahí la historia. Nosotros estuvimos cercanos (algunos más que otros) a la escena mod, es cierto. Incluso teníamos amigos que llevaban zapatos de ante y americanas de tres botones…

Habéis vuelto y habéis firmado un disco bien bueno, pero ¿qué va a haber a partir de ahora?

Durante mayo volvemos al estudio de Santi García (Ultramarinos). Vamos a grabar un disco de 8 canciones que irá junto a un libro infantil ilustrado por Juanjo Sáez que, si todo va bien, saldrá en navidad. Es un librodisco que pretende descubrir lo divertido que es el rocanrol a los chavales. Si uno solo apaga la PSP y se pone a mover las caderas, aunque sea un rato, ya valdrá la pena.

“Vietnam Sentimental” se centra en una situación actual y a la vez pasada ¿qué Vietnams hay hoy en día? ¿Se confundía Ernesto Guevara cuando dijo que EE.UU. sería destruido con la aparición de varios Vietnams?

El doctor Guevara iba bastante confundido, el hombre. Eso es cierto. Hoy tenemos dos tipos de Vietnams, los visibles (Irak, Palestina, África) y ahora nos meten en otros más sutiles pero quizá más peligrosos como la especulación con las reservas de alimentos, los biocombustibles, la peligrosísima economía financiera… Son Vietnams que nos los mantienen a media luz porque su crueldad nos afecta a todos

¿Cuál es el mayor problema de nuestra sociedad actual y por qué?

La codicia. Y el lenguaje. Hoy, palabras como agresivo, ambicioso, expansivo, éxito, no tienen ningún freno moral. Y eso alimenta la codicia. En otras palabras, que se premia la actitud hijoputa y se desprecia lo comunitario, lo retributivo, lo generoso. De ahí salen los demás problemas

¿Y España? ¿Va bien o seguimos trabajando en ellou?

España vive instalada en una ficción democrática desde hace muchos años. La crítica al sistema pasa por tribunales, la prensa está en dos o tres manos y, lo que es jodido, hemos basado la riqueza del país en fortalecer a las constructores y a los bancos (que son los mismos).

Ahora no hay pasta pero lo peor es que no hay cultura democrática (ni de la otra) ni criterio, ni opinión ni nada. Es lo más parecido a Resident Evil que existe en el mundo real, un país zombificado

 

para Hipersónica

 

Los Carradine – No es que fuera mod

Jose James – The Dreamer

 

 

Jose James - The Dreamer - Brownswood Recordings - 2008

 

Tras una portada negra, una cara entre claroscuros y una pose con apariencia arrogante y sensual, Jose James presenta su puesta en largo. Desde Brooklyn, llega un debut esperado dentro de la comunidad jazz debido a que Jose James no es ningún desconocido, habitual del circuito y con singles publicados dejando con la miel en los labios a la espera del largo.

Es difícil relacionarle con un estilo concreto o una voz similar, motivo por el cual adquiere más valor, ya que el estadounidense posee el don en su sonido de aunar de nuevo el soul y el jazz en uno solo. El término inventado para aunar estos artistas puede ser el de future jazz pero aún así The Dreamer (2008, Brownswood Recordings) se escurre entre los huecos que encuentra a su paso. De lo que si uno tiene claro cuando escucha a Jose James es que está ante un gran artista, de los que te emocionan y te hacen sentir el verdadero placer transmitido por la música, en especial por el jazz y sus variantes.

A la vez que suena clásico suena moderno, la nueva escuela neoyorquina promete en su reformulación de un género nunca estático, pero no será hasta dentro de un buen tiempo cuando se llegue a valorar el talento de algunos artistas como en su época se hiciese con otros tantos (Charlie Parker entre ellos). El talento del músico de Brooklyn se ve en la participación que tiene en su propio trabajo, donde siete de las diez canciones son escritas por él, al igual que la producción y los arreglos, parte fundamental del trabajo.

Muchos de los temas giran en torno al piano, las partes de solos se conceden a él con Nori Ochiai como protagonista, quien también ayuda en la composición, y a su vez se complementan con el bajo medido de Alexi David, ayudante en los arreglos; por último, la parte de su banda base es complementada por una batería de las buenas del jazz, invisible y casi sin presencia, pero crucial en la mediación de los tempos, Steve Lyman es quien se sienta tras ella.

La sensualidad y la emoción que transmite le hace acercarse a referentes citados por él mismo como es Marvin Gaye, pero sólo para dotar a las melodías de un cuerpo más pausado y soulero, sin olvidar a sus otros referentes entre los que se encuentran John Coltrane (¿a alguien no ha influido este genio?) y Billie Holiday.

Lo mismo consigue una canción como “Park Bench People” donde hasta el funk echa un cable en el ritmo, de los más pegadizos del trabajo; hasta un guiño al jazz de grupos como De Phazz en “Love”, evitando cualquier estereotipo para conseguir emocionar desde un principio.

La clase de Jose James es palpable en un disco asombroso, lleno de matices, de regalos al oyente y buenas canciones atemporales, difícil logro hoy en día. Un artista que de seguir así llegará muy alto en el jazz actual.

 

para Hipersónica

José James – Park Bench People

 

Nadadora – La Química Que Nos Une

 

 

Nadadora - La Química Que Nos Une - Jabalina Música - 2008

 

La banda gallega publica un mini CD en la misma línea que sus compañeros de sello, Souvenir, hicieron el año pasado con Extras 64 (2007, Jabalina Música). En esta ocasión, a priori, el resultado final tendría que sorprender más por el cambio que hacen hacia la electrónica, ya que los franceses el cambio hacia el electro lo habían hecho en su último largo —64 (2007, Jabalina Música)— con grandes resultados. Pero el cambio de rumbo dado por Nadadora no sorprende tanto, quizás porque no dejan de ser remixes y revisiones de sus temas ya publicados, lavados muy poco la cara.

Nadadora ve en este mini CD una declaración de intenciones, de decir al público que ya no van a ahondar por terrenos más oscuros como nos tenían acostumbrados en anteriores discos, donde la mezcla entre pop y rock se hacía siempre bajo una capa tenue de sonidos. Ahora ellos quieren probar con la electrónica, apostar por el sonido de beats y loops antes que de nuevo por las guitarras empastadas.

La única canción inédita del álbum es “Septiembre No Está Tan Lejos”, donde mantienen su sonido característico hasta ahora, con su mejor valor: el dúo de voces que hacen Sara Atán y Gonzalo Abalo, una oposición de timbres para crear un buen sonido. En esta canción la parte electrónica está presente, pero se limita a una base bastante simple y mantenida desde el inicio hasta el final. El cambio, por tanto, no va por una vía más radical.

Para la ocasión, cuentan con nombres del panorama independiente nacional para que revisen sus temas. De “El Bosque” se encarga Dorian —también complementado con el videoclip del tema hecho por 77Pandas—, la da más minutos, todos ellos con largas partes instrumentales, pero modificando las voces de la pareja que no quedan como en el original, perdiendo frente a la versión previa.

El resto se lo reparten entre Jaime de Souvenir (“Después de Todo”), Javi de Standard (“A=B=C”) y Homeboy, quien se encarga de “La Forma”, con el mejor resultado de todos variando hacia planteamientos cercanos a grupos como The Filed Mice o más lejanos, a New Order; es el único remix que ofrece una visión más propia de esta revisión, ya que el resto no modifican tanto la original, añadiendo bases a las voces, modificándolas a éstas un poco y ahí se queda el juego.

Hasta ahora Nadadora había defendido un sonido oscuro e intimista, veremos qué cambios habrá en el siguiente LP tras la línea de La Química Que Nos Une.

 

para Hipersónica

 

Nadadora – El bosque

Glasvegas – Promo

 

 

Glasvegas - Promo – Columbia - 2008

 

The Cure, The Smiths u otros referentes, nombres que cuando se escucha el material de Glasvegas vienen a la cabeza. Estos chicos son una banda escocesa, concretamente de Glasgow, que parecen haberse escuchado a The Beach Boys y después a Sebadoh sin tener muy clara la mezcla que podían obtener de ellos. Lo suyo es un pop con guitarras apagadas y bastante lo-fi, mandar a la voz de James al fondo con un leve eco para ocultar todo, e intentar firmar hits pegadizos.

Las similitudes en la actualidad podrían darse por la vía fácil de Interpol o The Killers, aunque los escoceses parecen preferir a The Jesus & Mary Chain para centrarse en un sonido propio. Han tenido la suerte de empezar con un apoyo por parte de algunos medios bastante importante: la NME concedió a su single “Daddy’s Gone” segunda mejor canción de 2007 y les comparó con el efecto sorprendente que trajeron consigo Arctic Monkeys; Alan McGee, capo de Creation Records (la lista es interminable: Oasis, Primal Scream…) y unos de los gurús del indie británico les ha dado su apoyo también; e incluso la hija de Elvis, Lisa Marie Presley se ha declarado fan del grupo. Padrinos no les faltan (también hay que contar que la discográfica que está detrás es la multipoderosa Universal), pero las canciones tampoco abundan.

Personalmente no veo ningún atractivo al grupo más allá de la fórmula oscura que podría tener cierto tirón al principio pero que llega a cansar si se prolongan las repeticiones. Si bien no lo hacen del todo mal, prefiero rescatar los discos que se echan a la espalda y disfrutar con ellos antes que con el nuevo intento de hype por parte de algunos sectores como todo apunta.

Tendrán su público, nadie lo duda, “Daddy’s Gone” o “I’m Gonna Get Stabbed” son carne de hit si a uno le gustan los grupos mencionados, pero a mí no me entusiasman más allá de ciertas partes resultonas. Ahora es cuestión de cada uno, al igual que These New Puritans se venden como el grupo del momento y no tienen más que una canción, Glasvegas pueden dar de que hablar de aquí a unos meses (si es que antes no se les olvida o sale otro hype para continuar el funcionamiento de la máquina). Por ahora para escucharlo hay que ir a Internet, donde, casualmente, está filtrado un promo con lo que apunta ser su primer disco.

 

para Hipersónica

 

Glasvegas – Daddy’s Gone

The Stoichkovs – Vulgarian Varieties

 

 

The Stoichkovs - Vulgarian Varieties - Molusco Discos - 2008

 

Un disco que nada más comenzar te haga mirar la fecha de publicación para ver si te has confundido de referencia, en general, merece la pena. Con este trabajo pasa, Vulgarian Varieties tiene un inicio que te hace recordar la explosión del sonido del rock and roll blanco maravillado por los ritmos que los músicos negros llevaban practicando desde tiempo ha en Estados Unidos. La pena es que esa sensación de rhythm and blues blanco desaparece según avanza el trabajo, pero menos es nada.

The Stoichkovs son una banda de Albacete, formada por Carlos Donate, Edu Ferre, Fran García y Ángel Luis Carlos. Se forman en 2007 y en sin casi tiempo preparan una maqueta y ganan el XX Memorial Alberto Cano, obteniendo el primer premio, la mejor canción con “My Addiction” y encima al mejor instrumentista (Edu Ferre). Un inicio bastante favorable.

Tras este hecho Molusco Discos les da la posibilidad de firmar su primer disco y así aparece Vulgarian Varieties, donde la banda manchega rinde homenaje a sus grupos favoritos: The Cramps, Jon Spencer Blues Explosion o The Flamin’ Groovies, todos ellos nombres de cabecera de un género un tanto olvidado y muy recomendable.

Lo que nos encontramos son guitarras establecidas en buenos riffs, potencia y el buen gusto por la tradición desde un prisma actual. Llama la atención que un grupo albaceteño haya apostado por este sonido frente al pop británico tan de moda (la verdad es que nunca ha dejado de estarlo).

Es un álbum un poco más largo que un mini CD pero sin superar los 24 minutos, así que hay poco minutaje para disfrutar de The Stoichkovs, se echa en falta algún que otro tema de más. La producción ha estado en manos de Pepe Cifuentes (Chucho, Mercromina) y han contado con colaboraciones como la de Honky Tonky Sánchez (Ex Mercromina) o Rosendo (Ex Franky Franky) para complementar el sonido de la banda.

Se abre con una instrumental, donde también entra su gusto por el cine de serie B, titulando la canción con un claro guiño a este cine (“Rock ‘N’ Roll Invaders”); le sigue la mejor del álbum, “I’m Your Man” —nada que ver con la canción de idéntico título de Leonard Cohen—, con un buen ritmo y unos riffs alegres rocanroleros. La subida continúa con “Civilization” y “My Addiction”, en la que baja un poco el acelerador. Ya con “The Other Side” parecen cambiar un poco de sonido, actualizándolo más, estilo Queens of the Stone Age; “Red Apple Influence” es la más dura del todas y para finalizar la preferencia por otra instrumental típica como es “Old Train Song”.

Un recomendable trabajo para disfrutar con canciones directas y pegadizas sin perder el hilo de todo lo hecho hace años en este campo.

 

para Hipersonica

 

The Stoichkovs – Naked Stone (Live XX Memorial Alberto Cano)