Ciudad Bohemia

VV. AA. - You Don’t Know: Ninja Cuts - Ninja Tunes - 2008

Este 2008, los amantes de la electrónica estamos de suerte, dos de los buenos nombres traen referencia bajo el brazo. Uno de ellos es Portishead con Third (2008, Island), candidato desde su salida a encabezar las listas de lo mejor del año; y el otro es este recopilatorio de la mano de Ninja Tunes, sello emblemático donde los haya.

La historia comenzó en 1991. Los cimientos empezaron a construirse desde la nada de la mano de dos nombres que revolucionarían la electrónica a partir de ese momento: Matt Black y Jonathan More, ambos más conocidos como el dúo Coldcut, hasta esa fecha con un 12” —What’s That Noise? (1989, Tommy Boy)— y un exitoso remix de “Paid in Full”, entre muchas otras referencias, dando que hablar. El año en que giraban por Japón, la pareja tiene la idea de formar lo que sería uno de los sellos más importantes para la electrónica, tanto para un público especializado, como para el generalista.

Establecidos en Londres, el colectivo Ninja Tunes estuvo siempre atento de qué pasaba en Estados Unidos, país con una importante escena en cualquier terreno y donde bien podían salir grupos como Rhythm and Rhythm o Model 500 de una ciudad como Detroit y redefinir el techno de la nada. Aún así, los grandes nombres del sello provienen como es lógico de Reino Unido (Bonobo, Roots Manuva —Big Dada, el sello con el que publica, es de Ninja—, The Cinematic Orchestra…), y de Canadá, donde tienen otra de las sedes del sello: descubrimientos tales como Kid Koala o Amon Tobin.

La nómina de artistas que han firmado para Ninja Tunes es tan larga como buena. Un sello con tales músicos no podía dejar escapar la ocasión de publicar un recopilatorio cada cierto tiempo, y más si lo que se celebran son los 18 años de existencia.

Para la ocasión han juntado lo mejor de cada casa con sus artistas punteros, creando un lanzamiento de referencia en nada menos que tres cedés, donde se dan cita desde nombres tan importantes como DJ Shadow hasta cLOUDDEAD. Un sonido final uniforme y en total más de seis horas y cuarto de música, ocasión única para acercarse a un género asombroso si aún no se conoce, o de repasar los grandes hits y de disfrutar de las nueve inéditas que incluye este recopilatorio.

Como es tanto material qué mejor que ir por partes y revisar de forma resumida los artistas que dejaron huella en el sello y las nuevas promesas de la electrónica.

El sello ha tenido uno de sus fuertes en la revisión del hip-hop en todas sus líneas. Pese a que DJ Shadow (quien participa aquí con “Bring Madlib Up”) o DJ Krush no están en su catálogo sino en Mo’ Wax, bien podrían incluirse en su lista de artistas. Sus artistas más importantes en la revisión del género son: Roots Manuva, Mike Ladd, y cLOUDDEAD.

Roots Manuva es uno de los artistas en los que el micrófono es más un arma que un mero instrumento para cantar. La fuerza que desprende este londinense llamado Rodney Smith, es asombrosa. Letras duras y un debut como fue Brand New School Hand (1999, Big Dada), le sirvieron para ir asentándose como nombre clave en la revisión del dub desde la electrónica, siempre con la parte social detrás. La prueba de ello se puede ver en “Juggle Tings Proper”, single elegido de su presentación.

Mike Ladd es otro de esos nombres raros en su tratamiento de la música. Quizás en un principio su música no entra por ser menos convencional, pero cuando empieza uno a habituarse a su sonido queda asombrado por la visión del estadounidense en las bases y en la manera de construir los temas. Con Big Dada firmó un 12” muy conocido y que ahora recupera: “Blah Blah” tiene la dureza de una base de ambient breakbeat y un fraseo más como acompañamiento que como letra. Pese a fichar luego por !K7 Records, ha estado muy ligado a Ninja Tunes, ya sea produciendo algún álbum, como participando en estos recopilatorios.

Por último, en ésta parte, están cLOUDDEAD, mi favorito de los raritos del hip-hop (Subtle son los otros). Formados alrededor de 2000, su trayectoria es mínima pero sobresaliente. Un solo álbum les valió para demostrar su potencial. Ten (2004, Big Dada) fue su cima y su separación, después para verles habría que ir al nuevo grupo Why? o a Odd Nosdam. Pese a no ser oficial, y limitarse sólo a un montaje de diapositivas, el vídeo de “Rifle Eyes” es una muestra de lo comentado.

En la parte de la marisma denominada downtempo Ninja Tune ha sabido unir un buen número de referencias, entre ellas las de nombres como: Bonobo, Blockhead y The Cinematic Orchestra.

Simon Green es el hombre tras que se encuentra tras Bonobo. Animal Magic (2000, Tru Thoughts) fue su presentación en largo que luego reeditó Ninja Tunes al ficharle. Un músico que mejoraría en Days To Come con versiones de otros artistas, entre ellas la incluida en este recopilatorio: “Nightlite” es un tema redondo, de los que no paras de bailar una y otra vez y quieres que vuelva a sonar para disfrutar de su ritmo, además, la voz de Bajka Zero complementa muy bien a la parte electrónica.

Blockhead, por su parte, en 2004 firmó uno de los discos redondos del género. Music by Cavelight (2004, Ninja Tune) es una delicia, melodías pausadas y ambientes que envuelven en cada tema. Desde la apertura con “Insomniac Olympics” ya queda uno enganchado al disco. El uso de las trompetas entre la base electrónica es todo un acierto.

Y otro de los nombres claves del sello ha sido (y es) The Cinematic Orchestra. Desde 1999 llevan creando su propio sonido, mezclando el jazz con la electrónica sin cortarse un pelo. Man With a Movie Camera (2003, Ninja Tunes) fue su salto a un público mayor, aunque la perla la habían firmado dos años atrás con Every Day. Ahora recuperan tres temas: un remix por Susumu Yokota, un directo y una versión para radio de “To Build A Home”. El vídeo recupera ésta última en directo, donde es asombrosa, sin tantos ornamentos, más desnuda.

En otro apartado están los talentos descubiertos en Canadá; dos nombres: Amon Tobin y Kid Koala. Sin extenderme mucho, porque esto da para artículos y artículos, el primero destaca en el eclecticismo de su música, lo mismo apuesta por un folk electrónico que por la parte más experimental. Mientras que Kid Koala es conocido como uno de los mejores turntablistas, aquí selecciona “Slew Test 2” para demostrarlo.

Y ya entre las nuevas propuestas de Ninja Tunes, se encuentran Pop Levi, anticipando un tema de su próximo disco (“Dita Dimone”), y entre muchos otros, Daedelus con su canción “Fair Weather Friends”, oscura y con una buena combinación de voces dando el ritmo. Su videoclip merece la pena verlo, animación digital en blanco y negro a medida para la canción.

En definitiva, un recopilatorio que sí merece la pena hacer un desembolso por él, ya que lo que hay en él sólo es material del bueno, nada de añadidos para complementar ni intermedios tan habituales en este tipo de discos. You Don’t Know: Ninja Cuts es una obra para disfrutar horas y horas, sin necesidad de dar al repeat porque tienes suficientes canciones como para llenar días y días. Ninja Tune pone la guinda dulce a una mayoría de edad bien llevada, ¡felicidades!

para Hipersónica

Como le decía a Antonio Baños, guitarra y voz de Los Carradine, es un placer poder hablar sobre política con un grupo en la actualidad a la vez que se habla de música y del último trabajo publicado. Falta bastante implicación por parte de la música actual en este campo. En los años sesenta hubo una unión entre música y protesta, en los setenta de nuevo surge la relación, y en los ochenta va a tumbos. Desde los noventa en adelante, ya no es lo mismo. Al parecer tiene que haber una situación social dura para que surjan grupos reivindicativos (The Clash, Bob Dylan, Patti Smith,…) y la supuesta tranquilidad de estos años ha podido dejar de lado la protesta frente a otros temas más típicos como la vida cotidiana y sus amores. Los Carradine traen consigo críticos versos bajo el brazo frente a la tranquilidad de la sociedad. Un disco como Sospechoso Tren de Vida pide guerra desde el comienzo y encima ahora nos enteramos de que habrá continuación en breve. Mientras esperamos, Antonio Baños nos habla sobre el grupo.

¿Cómo ha sido recibido Sospechoso Tren de Vida por la crítica, el público, vuestras familias y vuestros perros (si es que tenéis)?

La reacción ha sido diversa según miremos esos colectivos. La crítica mucho mejor de lo que esperábamos. El público mucho más cariñoso de lo que merecemos. Nuestras familias con estupor y preocupación. No tenemos perros pero sí hijos. Creo que convencerles fue duro pero muy satisfactorio.

Ahora en España faltan grupos que junten el punk pop con letras protestas aceptables y que el resultado final sea una canción buena. ¿Cómo veis la situación? ¿Volvéis a cubrir este hueco?

Muchas gracias por lo de las canciones buenas. Lo cierto es que hace muy poquito que los grupos vuelven a cantar en español y empiezan a currarse letras. Yo creo que en poco tiempo el hueco estará muy bien cubierto. Por ahora, ahí estamos.

¿La escena española posibilita a grupos con una propuesta como la vuestra o está más volcada en la música de fácil consumo?

¡Cómo nos gustaría que nos consumiesen fácilmente! Por ahora nosotros jugamos en otra liga y luchamos más por la supervivencia que por la Champions.

Billy Bragg, ¿Qué os dice ese nombre?

Para nosotros es un referente de cómo estar en el mundo de la música. Tanto por integridad como por actitud en el escenario, respecto a la industria y a lo que significa ser un punk con todas las letras a los 50 años y con camisas de franela. Además nos encanta su música. En cuanto a sus letras, hemos fusilado directamente su método de mezclar en la misma canción una historia de amor con temas sociales o políticos.

¿Cómo fue vuestra experiencia al tocar con él?

Conocer a tus ídolos ya es algo muy gratificante pero cuando los ídolos son exactamente igual a como esperas que sean, la cosa ya es la hostia. Fue él a quién se le ocurrió tocar con nosotros. El tipo llegó, le tocamos la canción y al instante ya nos estaba proponiendo arreglos para el tema. Todo humildad y simpatía. Eso es punk.

Ya habéis tocado con uno de vuestros ídolos, ¿con quién querríais tocar ahora?

Como es imposible tocar con peores músicos que nosotros, pues con gente que lo hace muy bien y nos gusta. En activo hay varios músicos con los que nos gustaría colaborar. Y puestos a pedir, con Glutamato, Siniestro y, ya que estamos, los Violent Femmes, por supuesto.

¿Tenéis alguna canción preferida de este último disco?

Creo que cada uno tiene la suya. Estamos muy satisfechos de cómo suena “Vietnam Sentimental” y nos gustan mucho algunas más lentas y quizá más tiernas que parece que no han tenido tanta suerte como “Antinana” y “Satélite”. Es que somos unos sentimentales.

La mía es “No Es Que Fuera Mod”, ¿qué historia tiene detrás?

Un día un carradine descubrió antiguas fotos de su padre. Estaba montado en una lambretta, con gafas de sol, en batería con otras lambrettas más y en una playa, mirando al mar podía ser Brighton y que estuviesen esperendo a los rockers pero no. Mi padre no es que fuera mod, es que era un macarra.

Efectivamente, el hombre lo máximo que sabía de música moría con Paquito el chocolatero pero la playa y la moto y la actitud “que te meto tío” era casi mod aunque sin saberlo. Luego se llevó a su novia (la madre de un carradine) de vacaciones a Mallorca montados en lambretta y de ahí la historia. Nosotros estuvimos cercanos (algunos más que otros) a la escena mod, es cierto. Incluso teníamos amigos que llevaban zapatos de ante y americanas de tres botones…

Habéis vuelto y habéis firmado un disco bien bueno, pero ¿qué va a haber a partir de ahora?

Durante mayo volvemos al estudio de Santi García (Ultramarinos). Vamos a grabar un disco de 8 canciones que irá junto a un libro infantil ilustrado por Juanjo Sáez que, si todo va bien, saldrá en navidad. Es un librodisco que pretende descubrir lo divertido que es el rocanrol a los chavales. Si uno solo apaga la PSP y se pone a mover las caderas, aunque sea un rato, ya valdrá la pena.

“Vietnam Sentimental” se centra en una situación actual y a la vez pasada ¿qué Vietnams hay hoy en día? ¿Se confundía Ernesto Guevara cuando dijo que EE.UU. sería destruido con la aparición de varios Vietnams?

El doctor Guevara iba bastante confundido, el hombre. Eso es cierto. Hoy tenemos dos tipos de Vietnams, los visibles (Irak, Palestina, África) y ahora nos meten en otros más sutiles pero quizá más peligrosos como la especulación con las reservas de alimentos, los biocombustibles, la peligrosísima economía financiera… Son Vietnams que nos los mantienen a media luz porque su crueldad nos afecta a todos

¿Cuál es el mayor problema de nuestra sociedad actual y por qué?

La codicia. Y el lenguaje. Hoy, palabras como agresivo, ambicioso, expansivo, éxito, no tienen ningún freno moral. Y eso alimenta la codicia. En otras palabras, que se premia la actitud hijoputa y se desprecia lo comunitario, lo retributivo, lo generoso. De ahí salen los demás problemas

¿Y España? ¿Va bien o seguimos trabajando en ellou?

España vive instalada en una ficción democrática desde hace muchos años. La crítica al sistema pasa por tribunales, la prensa está en dos o tres manos y, lo que es jodido, hemos basado la riqueza del país en fortalecer a las constructores y a los bancos (que son los mismos).

Ahora no hay pasta pero lo peor es que no hay cultura democrática (ni de la otra) ni criterio, ni opinión ni nada. Es lo más parecido a Resident Evil que existe en el mundo real, un país zombificado

para Hipersónica

Los Carradine - No es que fuera mod

Jose James - The Dreamer - Brownswood Recordings - 2008

Tras una portada negra, una cara entre claroscuros y una pose con apariencia arrogante y sensual, Jose James presenta su puesta en largo. Desde Brooklyn, llega un debut esperado dentro de la comunidad jazz debido a que Jose James no es ningún desconocido, habitual del circuito y con singles publicados dejando con la miel en los labios a la espera del largo.

Es difícil relacionarle con un estilo concreto o una voz similar, motivo por el cual adquiere más valor, ya que el estadounidense posee el don en su sonido de aunar de nuevo el soul y el jazz en uno solo. El término inventado para aunar estos artistas puede ser el de future jazz pero aún así The Dreamer (2008, Brownswood Recordings) se escurre entre los huecos que encuentra a su paso. De lo que si uno tiene claro cuando escucha a Jose James es que está ante un gran artista, de los que te emocionan y te hacen sentir el verdadero placer transmitido por la música, en especial por el jazz y sus variantes.

A la vez que suena clásico suena moderno, la nueva escuela neoyorquina promete en su reformulación de un género nunca estático, pero no será hasta dentro de un buen tiempo cuando se llegue a valorar el talento de algunos artistas como en su época se hiciese con otros tantos (Charlie Parker entre ellos). El talento del músico de Brooklyn se ve en la participación que tiene en su propio trabajo, donde siete de las diez canciones son escritas por él, al igual que la producción y los arreglos, parte fundamental del trabajo.

Muchos de los temas giran en torno al piano, las partes de solos se conceden a él con Nori Ochiai como protagonista, quien también ayuda en la composición, y a su vez se complementan con el bajo medido de Alexi David, ayudante en los arreglos; por último, la parte de su banda base es complementada por una batería de las buenas del jazz, invisible y casi sin presencia, pero crucial en la mediación de los tempos, Steve Lyman es quien se sienta tras ella.

La sensualidad y la emoción que transmite le hace acercarse a referentes citados por él mismo como es Marvin Gaye, pero sólo para dotar a las melodías de un cuerpo más pausado y soulero, sin olvidar a sus otros referentes entre los que se encuentran John Coltrane (¿a alguien no ha influido este genio?) y Billie Holiday.

Lo mismo consigue una canción como “Park Bench People” donde hasta el funk echa un cable en el ritmo, de los más pegadizos del trabajo; hasta un guiño al jazz de grupos como De Phazz en “Love”, evitando cualquier estereotipo para conseguir emocionar desde un principio.

La clase de Jose James es palpable en un disco asombroso, lleno de matices, de regalos al oyente y buenas canciones atemporales, difícil logro hoy en día. Un artista que de seguir así llegará muy alto en el jazz actual.

para Hipersónica

José James - Park Bench People

Nadadora - La Química Que Nos Une - Jabalina Música - 2008

La banda gallega publica un mini CD en la misma línea que sus compañeros de sello, Souvenir, hicieron el año pasado con Extras 64 (2007, Jabalina Música). En esta ocasión, a priori, el resultado final tendría que sorprender más por el cambio que hacen hacia la electrónica, ya que los franceses el cambio hacia el electro lo habían hecho en su último largo —64 (2007, Jabalina Música)— con grandes resultados. Pero el cambio de rumbo dado por Nadadora no sorprende tanto, quizás porque no dejan de ser remixes y revisiones de sus temas ya publicados, lavados muy poco la cara.

Nadadora ve en este mini CD una declaración de intenciones, de decir al público que ya no van a ahondar por terrenos más oscuros como nos tenían acostumbrados en anteriores discos, donde la mezcla entre pop y rock se hacía siempre bajo una capa tenue de sonidos. Ahora ellos quieren probar con la electrónica, apostar por el sonido de beats y loops antes que de nuevo por las guitarras empastadas.

La única canción inédita del álbum es “Septiembre No Está Tan Lejos”, donde mantienen su sonido característico hasta ahora, con su mejor valor: el dúo de voces que hacen Sara Atán y Gonzalo Abalo, una oposición de timbres para crear un buen sonido. En esta canción la parte electrónica está presente, pero se limita a una base bastante simple y mantenida desde el inicio hasta el final. El cambio, por tanto, no va por una vía más radical.

Para la ocasión, cuentan con nombres del panorama independiente nacional para que revisen sus temas. De “El Bosque” se encarga Dorian —también complementado con el videoclip del tema hecho por 77Pandas—, la da más minutos, todos ellos con largas partes instrumentales, pero modificando las voces de la pareja que no quedan como en el original, perdiendo frente a la versión previa.

El resto se lo reparten entre Jaime de Souvenir (“Después de Todo”), Javi de Standard (“A=B=C”) y Homeboy, quien se encarga de “La Forma”, con el mejor resultado de todos variando hacia planteamientos cercanos a grupos como The Filed Mice o más lejanos, a New Order; es el único remix que ofrece una visión más propia de esta revisión, ya que el resto no modifican tanto la original, añadiendo bases a las voces, modificándolas a éstas un poco y ahí se queda el juego.

Hasta ahora Nadadora había defendido un sonido oscuro e intimista, veremos qué cambios habrá en el siguiente LP tras la línea de La Química Que Nos Une.

para Hipersónica

Nadadora - El bosque

Glasvegas - Promo - Columbia - 2008

The Cure, The Smiths u otros referentes, nombres que cuando se escucha el material de Glasvegas vienen a la cabeza. Estos chicos son una banda escocesa, concretamente de Glasgow, que parecen haberse escuchado a The Beach Boys y después a Sebadoh sin tener muy clara la mezcla que podían obtener de ellos. Lo suyo es un pop con guitarras apagadas y bastante lo-fi, mandar a la voz de James al fondo con un leve eco para ocultar todo, e intentar firmar hits pegadizos.

Las similitudes en la actualidad podrían darse por la vía fácil de Interpol o The Killers, aunque los escoceses parecen preferir a The Jesus & Mary Chain para centrarse en un sonido propio. Han tenido la suerte de empezar con un apoyo por parte de algunos medios bastante importante: la NME concedió a su single “Daddy’s Gone” segunda mejor canción de 2007 y les comparó con el efecto sorprendente que trajeron consigo Arctic Monkeys; Alan McGee, capo de Creation Records (la lista es interminable: Oasis, Primal Scream…) y unos de los gurús del indie británico les ha dado su apoyo también; e incluso la hija de Elvis, Lisa Marie Presley se ha declarado fan del grupo. Padrinos no les faltan (también hay que contar que la discográfica que está detrás es la multipoderosa Universal), pero las canciones tampoco abundan.

Personalmente no veo ningún atractivo al grupo más allá de la fórmula oscura que podría tener cierto tirón al principio pero que llega a cansar si se prolongan las repeticiones. Si bien no lo hacen del todo mal, prefiero rescatar los discos que se echan a la espalda y disfrutar con ellos antes que con el nuevo intento de hype por parte de algunos sectores como todo apunta.

Tendrán su público, nadie lo duda, “Daddy’s Gone” o “I’m Gonna Get Stabbed” son carne de hit si a uno le gustan los grupos mencionados, pero a mí no me entusiasman más allá de ciertas partes resultonas. Ahora es cuestión de cada uno, al igual que These New Puritans se venden como el grupo del momento y no tienen más que una canción, Glasvegas pueden dar de que hablar de aquí a unos meses (si es que antes no se les olvida o sale otro hype para continuar el funcionamiento de la máquina). Por ahora para escucharlo hay que ir a Internet, donde, casualmente, está filtrado un promo con lo que apunta ser su primer disco.

para Hipersónica

Glasvegas - Daddy’s Gone

The Stoichkovs - Vulgarian Varieties - Molusco Discos - 2008

Un disco que nada más comenzar te haga mirar la fecha de publicación para ver si te has confundido de referencia, en general, merece la pena. Con este trabajo pasa, Vulgarian Varieties tiene un inicio que te hace recordar la explosión del sonido del rock and roll blanco maravillado por los ritmos que los músicos negros llevaban practicando desde tiempo ha en Estados Unidos. La pena es que esa sensación de rhythm and blues blanco desaparece según avanza el trabajo, pero menos es nada.

The Stoichkovs son una banda de Albacete, formada por Carlos Donate, Edu Ferre, Fran García y Ángel Luis Carlos. Se forman en 2007 y en sin casi tiempo preparan una maqueta y ganan el XX Memorial Alberto Cano, obteniendo el primer premio, la mejor canción con “My Addiction” y encima al mejor instrumentista (Edu Ferre). Un inicio bastante favorable.

Tras este hecho Molusco Discos les da la posibilidad de firmar su primer disco y así aparece Vulgarian Varieties, donde la banda manchega rinde homenaje a sus grupos favoritos: The Cramps, Jon Spencer Blues Explosion o The Flamin’ Groovies, todos ellos nombres de cabecera de un género un tanto olvidado y muy recomendable.

Lo que nos encontramos son guitarras establecidas en buenos riffs, potencia y el buen gusto por la tradición desde un prisma actual. Llama la atención que un grupo albaceteño haya apostado por este sonido frente al pop británico tan de moda (la verdad es que nunca ha dejado de estarlo).

Es un álbum un poco más largo que un mini CD pero sin superar los 24 minutos, así que hay poco minutaje para disfrutar de The Stoichkovs, se echa en falta algún que otro tema de más. La producción ha estado en manos de Pepe Cifuentes (Chucho, Mercromina) y han contado con colaboraciones como la de Honky Tonky Sánchez (Ex Mercromina) o Rosendo (Ex Franky Franky) para complementar el sonido de la banda.

Se abre con una instrumental, donde también entra su gusto por el cine de serie B, titulando la canción con un claro guiño a este cine (“Rock ‘N’ Roll Invaders”); le sigue la mejor del álbum, “I’m Your Man” —nada que ver con la canción de idéntico título de Leonard Cohen—, con un buen ritmo y unos riffs alegres rocanroleros. La subida continúa con “Civilization” y “My Addiction”, en la que baja un poco el acelerador. Ya con “The Other Side” parecen cambiar un poco de sonido, actualizándolo más, estilo Queens of the Stone Age; “Red Apple Influence” es la más dura del todas y para finalizar la preferencia por otra instrumental típica como es “Old Train Song”.

Un recomendable trabajo para disfrutar con canciones directas y pegadizas sin perder el hilo de todo lo hecho hace años en este campo.

para Hipersonica

The Stoichkovs - Naked Stone (Live XX Memorial Alberto Cano)

The Concretes - Hey Trouble - Licking Fingers -acid house 2007

The Concretes son una banda sueca; y sí, hacen pop. ¿Qué es otra recién salida entre tanto estallido de tierras nórdicas? No. Ellos llevan desde 1995 en activo y ahora ha dado la casualidad de haberse dado a conocer a un mayor número de personas (ya se sabe, un grupo de cierto sonido tiene éxito y a mirar alrededor a ver qué grupos hay similares). In Colour (2006, Licking Fingers) fue su salto hacia mercados internacionales, pero detrás dejaban un buen número de álbumes y trabajos de menor duración.

Sin casi tiempo para saborear In Colour, y sin tiempo para la banda entre tanto concierto, se publica Hey Trouble (2007, Licking Fingers). No es un mal disco, tampoco es un mal disco, pero le falta mucho para ser un álbum que recordar debido a la rapidez con que se consumen las cosas y luego se olvidan, además, muchos contemporáneos actuales suyos han ido firmando discos cada vez mejores y eso sube el nivel mucho. Sólo hay que escuchar los discos de Club 8 o Acid House Kings, por mencionar el nombre de Johan Angergård como figura clave dentro del pop sueco actual.

Aún así, el colectivo de siete músicos mantiene un sonido característico basado en cuidadas melodías, tranquilas y suaves, quizás más apagadas que nunca, pero evitando notar la ausencia en la parte vocal de Victoria Begsman, ahora bajo el pseudónimo Taken by Trees. Para ello, Maria Eriksson y Lisa Milberg son las nuevas protagonistas para poner voz a las letras.

El sonido más tenue se puede ver en todas las canciones, desde “Keep Yours”, con ciertos aíres folk de los que siempre han bebido, a “A Whale’s Heart”, mantenida y evitando casi el término twee al que se le había asociado con anterioridad. Quizás la banda haya querido dar un paso en busca de un sonido más trabajado con los referentes habituales del género (desde The Beatles hasta Belle & Sebastian); no todo podía ser alegría y felicidad sino que a veces es mejor dar más importancia a guitarras y baterías para crear otro estado de ánimo. Aquí prefieren incluso apostar por instrumentales y variación como hacen en “Didion”.

Un trabajo pausado que viene bien escuchar pero sin que despierte pasiones. El pop lo saben hacer muy bien y lo han demostrado desde la publicación de su primer largo en 2000, crean melodías pegadizas a ratos (“Oh Boy”) pero les falta dar otro paso más.

para Retro Música

The Concretes - ‘Kids’

Helen Love - It’s My Club And I’ll PLay What I Want To - Elefant Records - 2008

El bubblegum es uno de los términos más curiosos para denominar a un género. Cuando el empalagamiento está tan alto y el twee pop o el jangle pop se han quedado en la estacada a varios kilómetros, aparece ese magnífico adjetivo que viene a resumir todo aquel pop dulce y alegre exclusivo para aquellos amantes acérrimos a las gominolas.

Helen Love es un grupo cabecera del género, con cuatro largos a sus espaldas y varios EPs. Desde Gales, llevan nada menos que dieciséis años abordando la pista de baile con una fórmula pegadiza y eléctrica, donde el pop guarda unos estribillos que repetir mientras los Ramones se cuelan entre las bases y el ritmo. Alegría no les falta a las tres chicas.

Las canciones parecen ser afrontadas como pequeños hits aislados del resto, todas ellas buscan su pelotazo o su dosis de éxito. Aquí es donde tienen su punto fuerte, por lo que el formato LP les sobrepasa a veces. La escucha de dieciséis cortes, pese a que la mayoría están entre los dos y los tres minutos, puede hacerse demasiado larga. Los 7” o los EPs son más acertados para un género que si bien es gracioso e interesante, una hora sin parar puede convertirse en algo repetitivo por la similitud en las canciones, las cuales siempre apuestan por un estribillo, una base repetida y pocos cambios.

El primer tema que abre el largo es el mejor de todos ellos, también publicado con anterioridad en formato 7” por Elefant Records. “It’s My Club” es un trallazo de electro-pop europeo bajo el punto de vista ramoniano, presentes incluso en la narración que hace una segunda voz y que ilustra varias acciones que estarían ocurriendo en el club de Helen Love. Tras esta invitación pocos se pueden resistir a entrar dentro a bailar, aunque sólo sea unos temas.

La fiesta continúa con “Dance On”, una graciosa “You Better Learn Karate”, más punks en “Honolulu Superstar” o el toque de Los Campesinos en “New Squad Attacking Formation”. Un LP que como añadido tendría que tener un insert que dijese: Después de escucharse varias veces sin parar, se recomienda pasar por el dentista para revisar la dentadura en búsqueda de nuevas caries. Demasiado dulce si la escucha se prolonga.

para Retro Música

Helen Love - “Long Hot Summer”

Souvenir - Extras 64 - Jabalina Música - 2007

Souvenir retoman el formato mini-CD para complementar a su disco más innovador hasta la fecha: 64 (2007, Jabalina). El dúo de Pamplona cautivó desde sus inicios con sus acercamientos a la chanson francesa de la mano de figuras como Françoise Hardy, y el año pasado decidió salirse de lo que hasta ahora les había caracterizado, derivando hacia la pista de baile. Ahora, con tres remixes, una inédita, y una cover, pretenden seguir apostando por el mismo sonido. El primer mix lo firma el sueco Johan Agebjörn (compositor y productor de Sally Shapiro), llevando a la canción a terrenos del house y del electro sin un instante de bajada, Miqui Puig se encarga de “Une Semaine en Ballon” manteniendo el medio tempo y consiguiendo un tema muy atractivo; por su parte, Jaime Cristobal revisa “Accident À Londres” pero la oscurece más, perdiendo ese acercamiento al dance-punk que atraía de la original. El nuevo material, con “Si Tu Sais Pas” y la versión de “Hanging on the Telephone” (Blondie), mantiene el electro-pop elegante de 64, ya que Souvenir sigue teniendo ese gran valor como propio: un pop cuidado y mimado.

para Mondosonoro

Souvenir - Allô, allô

Trembling Blue Stars - Exploring the Shadows - Elefant Records - 2007

Uno de los grupos que más se han asentado en el twee pop retoma el formato EP para sacarle el mayor partido tras la publicación en el mismo año de su último disco, The Last Holy Writer (2007, Elefant). Robert Wratten es el hombre del proyecto, al igual que en The Field Mice, su grupo de culto e ignorado en su época.

Tras seis discos, el talento de los londinenses no se agota sino que continúa mejorando en melodías y letras, prueba de ello es el ya mencionado largo. Y por si fuera poco, la creatividad les sobra y tienen tiempo para grabar material sin casi nada de tiempo entre referencia y referencia (dos años de media más EPs entre medias).

Poner de nuevo sobre la mesa el nombre de Belle & Sebastian a un músico como Wratten es innecesario y equivocado. Pese a que los chicos de Stuart Murdoch son más conocidos que Trembling Blue Stars, éstos comenzaron un año antes, por no hablar de los primeros años de The Field Mice. Quizás ambos se hayan estado influenciando pero cada uno con sus métodos después. Lo que sí está claro es el gusto de ambas formaciones por las melodías claras, muy luminosas y alegres. Todo lo que por la zona nórdica europea se está haciendo ahora, muchos otros llevan tiempo en ello.

La apertura del EP es la mejor del trabajo, “Beautiful Blank” es el hit que siempre alegra el día con un pop pegadizo y bien trabajado, a lo que hay que añadir la buena aportación de Annemari Davies a la voz, restándole protagonismo en un tema a Wratten. Las siguientes ya son de su dominio, entre tranquilas melodías, el pase de la voz femenina a la back vocal y unos estribillos disimulados para semejar calma.

“As Easy As Being Alone” es menos rápida que la primera pero más que “Outside Looking Elsewhere”, más desnuda y con querencia por cierto folk americano en la guitarra y el fraseo. Por último, “And Then Silence” remata la bajada en el ritmo hacia una intimidad mayor y la guitarra con leves punteos.

Trembling Blue Stars siguen en plena forma, ofreciendo su cara más alegre a la vez que reflejan el interior cuando quieren. Una maniobra difícil a la hora de juntar varias canciones y que a ellos parece no costarles nada.

para Retro Música

Trembling Blue Stars - November Starlings

Hidrogenesse es un grupo que si no existiera habría que inventarlo. Indispensables y marcianos. Inteligentes y graciosos. Sencillez y eclecticismo. Los polos opuestos se ven en su música tan unidos como los versos sobre animales o de máquinas. Genís Segarra tiene en Carlos Ballesteros a su pareja idílica para tener un elegante affaire mientras Manolo Martínez, la otra mitad de Astrud, decide descansar. Son ambos componentes quienes nos responden a un buen número de preguntas, explicando su filosofía o confirmando que no existe ningún rumor sobre una posible separación de Astrud. Bestiola es su última maniobra de locura presentada este año.

Para mí, los mejores grupos son los que crean su propio universo y sonido y experimentan con él. Vosotros sois uno de esos y cada canción es algo única. ¿Cómo entendéis vosotros la música?

Nos gustan los grupos que cuando los escuchas sólo puedes compararlos con cosas que han hecho ellos, que te hacen creer que no necesitas más, ni otros grupos ni otras canciones que las ellos hacen.

¿Y qué es Hidrogenesse? ¿Cuál es su filosofía?

Hidrogenesse es Carlos y Genís haciendo canciones juntos, pensando en la música y pensando en los demás. Queremos hacer canciones memorables, que la gente las use y las sienta como suyas. Nuestro rollo es el anti-autor.

¿Cuándo os comprasteis el primer vinilo de Kraftwerk y cuál fue?

El Trans-Europe Expresse o el Electric Cafe… Aunque nuestro favorito es Radioactivity.

¿Qué veis en la música alemana para que sea tan importante en vuestra música?

Cosas nuevas que no salen de los putos Beatles. Ideas, sonidos y estructuras endémicas de ese país, pasando de la tradición anglosajona. Es lo más cercano al folklore que puede interesarnos. Pero todo esto sólo se dio del 72 al 82, y sólo en algunos discos concretos de algunos artistas. No tenemos un conocimiento enciclopédico de la música alemana.

Ahora publicáis Bestiola tras el buen recibimiento que tuvo Animalitos. Decís que no es un nuevo disco, sino que es: Animalito: 39 minutos de música sin interrupción. Sintetizadores y baterías. Glam drone rock electrónico. Al principio entra como un disco menor, de canciones con menos calidad que las publicadas y parece que la maniobra es de reírse un poco del oyente tras el éxito anterior. Luego las canciones se antojan incluso mejores que las primeras, yo ahora no paro de escucharlo y me fascina ¿A qué se debe entonces este lanzamiento?

El disco lo hemos hecho con la misma ilusión, el mismo trabajo y el mismo cariño que los anteriores. No tiene temas nuevos, ni canciones inmediatas, pero precisamente queríamos escapar de la tiranía del álbum que tiene que tener 10 singles potenciales. Queríamos hacer música porque sí. Si además sirve de antídoto al hype, mucho mejor.

¿Y por qué nuevas versiones en vez de temas nuevos? ¿Teníais la necesidad de revisar algunas canciones que antes no tenían el sonido que os gusta ahora?

La idea era sacar un single de Animalitos con unas caras B, pero nos parecía pobre volver a meter la misma versión que en el disco, y esto se ha ido complicando hasta completar un álbum entero de 10 temas. Hemos preferido tardar más y hacer cosas nuevas con las canciones.

¿Cuál es vuestro tema favorito que ha quedado mejora ahora que antes?

Para nosotros Vuelve conmigo a Italia, con las baterías de Alfonso Melero y los nuevos pianos, por fin tiene un sonido a la altura del mito (la discoteca italiana).

Habéis compuesto una canción a partir de Morrissey, otra para unos animales, otra para unos tejanos, a Góngora e incluso a una máquina. ¿Qué os queda por reflejar en vuestras letras?

Los temas en los que estamos trabajando son: los viejos, las tormentas, las hermanas y el siglo XVIII. Tenemos material para toda una carrera.

A veces me he preguntado qué pasaría si no existiese Hidrogenesse, como no encuentro respuesta, os paso la pregunta a vosotros. ¿Qué pasaría?

Si te refieres a que no hay nadie parecido, estamos de acuerdo. De eso se trata. Si hubiera otros, si no cambiara nada sin nosotros, no habría necesidad de que nosotros existiéramos.

¿En Animalitos qué se esconde tras la aparente inocencia de los animales?

La inocencia es una idea humana. No procede pensar así en los animales. Es como el mito de que los niños son inocentes. Lo que es verdad es que los animales, a diferencia de las personas, no son capaces de ser malvados.

En vuestra web ofrecéis una completa información de vuestras canciones, desde la explicación pormenorizada de las letras hasta los programas que habéis usado para componerlas. Muchos músicos no quieren explicar sus canciones porque les parece innecesario, como desnudar y explicar un cuadro de arte moderno. Vosotros en cambio parecéis al revés. ¿A qué se debe tanta información y explicación?

En parte, Hidrogenesse es un método de autoayuda, y nos parece muy bien que la gente sepa cómo lo hacemos, aunque nuestras explicaciones sean bastante caprichosas. En el fondo, es un entretenimiento más que damos a la gente.

Empezasteis un poco tanteando terreno y ahora estáis como uno de los referentes dentro de vuestro género. ¿El ascenso ha sido imparable, no?

Hemos decidido usar más el grupo (sacar más discos, dar más conciertos) y la gente de momento está en sintonía, y está usando mucho el grupo también.

¿Ahora Hidrogenesse puede vivir de la música o sigue siendo imposible?

Tocando una media de dos conciertos al mes podemos vivir de la música.

¿Qué será de Hidrogenesse en el futuro? ¿Cuándo algo nuevo como disco?

El futuro será bastante parecido al presente, en general, no sólo respecto a Hidrogenesse. Estamos componiendo nuevas canciones, pero no tenemos agenda.

¿Con Astrud está todo bien? La caída del cartel de la 4º Edición del Low Club On Stage daba nos motivos un tanto intrigantes.

Los motivos que dieron los del Low Club On Stage deben ser una confusión o un malentendido. Astrud decidió entrar en un periodo de vacaciones, que puede llegar a año sabático, o quedarse en semestre académico.

Carlos, tú te dedicas bastante a dibujar. ¿Cómo surge este placer? Tus dibujos varían bastante de unos a otros, pero sobre todo prima la búsqueda de unas formas simples, claridad en el diseño. ¿Qué te inspira para hacer los grabados u otros dibujos que ilustran las canciones?

Dibujar no es un placer. Verlos acabados a veces sí. Para hacerlos no me inspira nada. Sólo tengo que encontrar una imagen que me guste pero la quiera ver simplificada en trazos, o composición, etc.

En 2003 hubo una exposición en Madrid que recogió la obra de varios músicos bajo el título “Los colores de la música”. Carlos Ballesteros tenía dos. ¿Cómo es tu faceta de pintor? ¿Cuáles son tus pintores claves?

Hace ocho años que no pinto. El último que pinte fue dos hombres en una piscina, que usamos para la portada de nuestro primer single “Así se baila el siglo XX”. Mis pintores favoritos son: Andy Warhol, Francis Bacon, Alex Katz, Ribera, Zurbarán, John Currin y David Hockney.

para Hipersonica

Hidrogenesse - Fuig llop fuig llop fuig

Tarántula - Esperando a Ramón - Not Label - 2006

Con la publicación en solitario de la aventura de Joe Crepúsculo en Escuela de Zebras, volví a rescatar la presentación en largo con su grupo Tarántula, hacía mucho que no lo escuchaba y es un placer volver a él. Tarántula se arriesgó, evitó el mercado, las discográficas, la distribución y todo lo relacionado con el mecanismo para finalmente publicar un LP y prefirió apostar por Internet para el acceso gratuito a Esperando a Ramón; es más, en su propia web facilitan todo (carátulas incluidas) para hacerse una copia de su disco como si fuese original. Sólo la maniobra ya les vale un aplauso.

El proyecto que firman los barceloneses es un sonido que parte desde el rock con buenas influencias y bastante presentes. Esto no significa un menor valor, sino todo lo contrario, la chulería que a veces toman desde el rock and roll tradicional, la manera de afrontar los temas como unos Derribos Arias modernos y la apariencia de haberse empapado de todo la generación del post-punk y cierto sonido de Madchester, les hace sonar con una buena mezcla pero (lo más importante) desde su punto de vista, algo no tan habitual cuando se habla de tantas influencias. Tarántula reavivan la magia del sonido inglés oscuro y deprimente de grupos como PIL o Bauhaus pero sin caer en la fórmula de Interpol & CIA, sino con unas letras buenas y la preferencia por el español.

Los puntos fuertes se encuentran con “Empresarios y Secretas”, un hit desde la primera ocasión, rápido y directo, con crudeza y oscuridad, la fuerza del post-punk bien entendida en la letra y complementada con partes instrumentales en medio; “Hay Que Ser Hombre” irónica y graciosa como pocas, destrozando el estereotipo de hombre duro; “Tarántula” más alegre y propia de la new wave además de la Movida madrileña vía Derribos; y “Amarraje”, otro dardo directo que abre bien el disco. Cuatro destacadas aunque podrían ser la mayoría.

Tarántula siguen en vivo y esperemos que en no mucho podamos disfrutar de la segunda entrega, porque ahora somos nosotros quienes les esperamos. Un buen rock para tirar del carro como hacen Standstill y ahora Triángulo de Amor Bizarro, necesarios como los que más para no olvidar que las guitarras tienen un gran valor. Como dice su grito de batalla: “Larga vida a Tarántula”.

para Retro Música

Tarantula - Empresarios y Secretas (Live)

Uke - Uke - Jabalina Música - 2007

Si se busca el significado de Uke, uno se encuentra con lo contrario transmitido por la música. Uke es un término usado en el mundo del manga para designar a las personas pasivas en una relación homosexual. Ahora si se atiende al componente musical se percibe todo menos la pasividad de sus elementos. Más bien lo que se transmite con ella es la sencillez desde el minimalismo y la tranquilidad de éste.

Laura Soriano y Roberto Martín son los dos protagonistas que están detrás de Uke. La manera de abordar las canciones se entiende mejor si se ve la experiencia previa de Roberto con Niza, donde el pop se convertía en pequeñas y delicadas composiciones; pena de su separación en 2004. Desde 2005 empieza a andar el nuevo dúo y Jabalina les ficha rápidamente para publicar su EP Boreal (2006, Jabalina). Una gran presentación que prometía.

Ahora en su primer largo, el grupo parece construirse sobre sí mismo desde la elección del título homónimo. Se puede ver alguna que otra influencia o similitud, como Yann Tiersen o Pascal Comelade, pero detrás de ellos hay bastante cultura musical, desde el jazz hasta la electrónica, con el downtempo y el ambient como géneros donde esparcirse.

Ganan en la creación de melodías soñadoras y atmósferas únicas, canciones que no se unen a ninguna moda o sonido concreto, sino que se establecen en sus propios elementos y se disfrutan por completo al obligarte a percibir cada matiz y sensación transmitida. Son como los buenos libros que te hacen implicarte dentro para descifrar los distintos significados, Uke plantea en cada corte varios niveles de sonido que descifrar e ir distinguiendo del resto.

“Puntillismo” es un comienzo perfecto, desde la leve percusión y la cuerda, hasta la tranquilidad que transmite. “No Somos Bolcheviques” presenta, no sólo a Uke siguiendo la tradición de la música del Este con el acordeón, sino la gracia en cada título (después vendrán “Uke Y La Masonería” o “Piedra, Papel, Tijera”). “Sístole” se va a terrenos electrónicos donde cualquier sonido puede ser introducido para complementar a la base, en este caso, como posteriormente en “La Rosa de los Vientos”, una lata de refresco abriéndose es el elemento que añade la distinción al único tema donde las voces juegan el papel más importante. También en esta línea está “Mesa De Tenis”, aunque la lata es sustituida por una pelota de ping pong, como hizo Javi P3z Orquesta en su Sports (2004, Hitop Records).

Una puesta en largo cuidada y trabajada, apostando por un sonido agradable y firmando un disco con el que disfrutar sin pensar en que eso ya lo has oído anteriormente en otro grupo.

para Retro Música

Uke - Mesa de tenis (Live at Barbarella, 2007)

Astrud - Todo Nos Parece Una Mierda - Sinnamon Records - 2005

Lo mejor de irse a comprar música sin una idea fija es que puedes acabar encontrando algo que no esperabas o no pensabas comprar. El otro día en una visita habitual a unos grandes almacenes en el centro de Madrid me pasó justo esto. Tras la mezcolanza que hay ahora en la sección “Pop/Rock Español” te encuentras buenas joyas que rescatar por poco dinero. Antes estaban mejor colocadas y era más cómoda la búsqueda pero qué se le va a hacer.

Ahora entre Bisbales y Perezas, te encuentras con Single, La Buena Vida o Astrud, al principio molesta, pero cuando encuentras algo inesperado, reconforta aún más. Todo Nos Parece Una Mierda (2005, Sinnamon Records) fue el EP elegido para disfrutar con la clase del dúo barcelonés tras el pase por caja.

Este EP tuvo una edición limitada en una caja de madera perfecta y cuidada para coleccionistas y avispados que la compraron casi antes de salir y por tanto se agotó en seguida. Para los demás nos conformamos con una también cuidada edición en digipack para este tipo de lanzamientos.

Genis Segarra y Manolo Martínez recuperaban el tema convertido en emblema de Performance (2005, Sinnamon Records), Todo Nos Parece Una Mierda, acompañado de tres más, irónicamente englobados bajo una aproximación a la canción protesta (según dice la banda), dos bonus track y dos videoclips. Aunque sólo sea por ver el clip de “Hay Un Hombre Hombre en España” ya es recomendable hacerse con el EP.

El formato EP es uno de los mejores para ofrecer más material a los seguidores de un grupo y meter quizás canciones que no meterían en álbumes pero que no por ello tienen que ser malas (vale, “Café con Cebolla” puede ser la excepción, pero no deja de tener su gracia cuando se ve que el punto de partida son los pasodobles). También es económico y tiene un encanto especial.

“Todo Nos Parece Una Mierda” fue una de las canciones que marcó a Astrud, creaba o grandes críticas contra ella, o grandes aplausos por parte de otros. Personalmente, me parece uno de los mejores temas de su discografía, con una letra muy hiriente e irónica, al igual que consiguen con “Hay Un Hombre en España”, el otro tema por el que es conocido este trabajo. En ésta canción, la pareja apuesta por reírse de todos los superhombres españoles que creen hacer de todo y luego lo único que hacen soltar aíre por la boca.

El resto de temas son “Nuestros Poetas”, una revisión a la tradición literaria española enfocada desde la crítica a quienes entran a la vida de los autores sin abordar la obra, y sólo quedándose en lo superficial y en lo sensacionalista; “És Que Sí” es un tema donde colabora Desirée García y hecho para el programa catalán 12 Punts, además de ser una de las candidatas para Eurovisión de 2004; y por último, “No Tengo Miedo” es ya conocida por los seguidores del grupo, aparecida en Un Mystique Determinado y ahora revisada de nuevo.

Un trabajo para seguir disfrutando del toque tan especial de uno de los dúos más particulares del panorama español. Ahora están en un período de descanso, mientras muchos ya esperamos más material de ellos.

para Retro Música

Astrud - Hay un hombre en España

Lori Meyers - Directo sala Joy Eslava - Madrid - 23-04-08

El grupo granadino presentó su nuevo disco en Madrid ante un público totalmente entregado a sus canciones y en una sala que presentaba un lleno hasta la bandera. Sin duda la Joy Eslava ya se les queda pequeña a unos Lori Meyers cuyo nombre ha terminado de dar el salto a la primera división. Y eso se hace evidente más que nunca en sus directos, en los que la mitad del tiempo el público hace los coros a Noni. Cronolánea es un buen disco en el que el grupo ha preferido madurar el sonido con melodías más trabajadas, pero a la hora de llevarlo al directo a los granadinos todavía les falta rodar esa parte del repertorio. En Madrid, la voz de Noni no sonó tan clara en vivo como en el estudio y en muchas ocasiones sonaba demasiado apagada y sepultada por las guitarras. Además las nuevas canciones resultan menos inmediatas que pasados hits del calibre de “Mujer esponja” o “Tokio ya no nos quiere”, que volvieron a recuperar para disfrute de sus incondicionales, y que -no es casualidad- resultaron los de más pegada. En cualquier caso disfrutamos de un magnífico concierto de una banda que (¡grandes noticias!) pese a sus saltos de gigante todavía no ha parado de crecer.

para Mondosonoro

Lori Meyers - Luces de Neón

Battles - Mirrored - Warp Records - 2007

Más tarde o más pronto se acaba llegado a ciertos lugares más alejados de lo común. Ya sea desde el jazz, donde se descubre el free jazz y a nombres como Albert Ayler, desde la electrónica, accediendo a la IDM con Aphex Twin, o el que nos concierne ahora, desde el rock, descifrando qué es el math rock de la mano de Don Caballero. Terrenos a veces difíciles en el sonido debido a la lejanía de los parámetros comunes, pero una vez la permanencia se asienta, se convierten en terrenos asombrosos y necesarios para innovar.

Battles pertenecen al terreno cuya meta es variar y evitar un sonido efectista que radiar en cualquier radio fórmula. No es casual este hecho, tampoco parten de la nada y se lanzan a dar palos de ciego sin ninguna justificación. Desde 2003 llevan en activo publicando varios EPs fantásticos y girando con su show por diferentes lugares. Sólo que hasta que ninguna compañía grande les echó el ojo, no pudieron publicar su primer largo. Tal compañía es Warp Records, calidad y caché unidos en terrenos donde no es causal encontrar a varios de los mejores nombres de la música más rompedora (por ejemplo, el mencionado Aphex Twin).

Tampoco son unos novatos en el mercado musical ya que todos ellos son músicos consagrados y han participado en proyectos similares a éste, sólo que de menor relevancia o sin haber conseguido tanta fama como lo han hecho ahora con Battles. Así, Ian Williams proviene de Don Caballero y de Storm and Stress; John Stanier de Helmet, de The Mark of Cain y de Tomahawk; Tyondai Braxton, hijo del importantísimo Anthony Braxton, está también en solitario y ha llegado a actuar con TV on the Radio y con Prefuse 73, entre muchos otros; y por último, Dave Konopka viene de Lynx. Con un perfil así, es fácil hablar de súper grupo sin ninguna atadura.

Mirrored es su arma en el sentido más literal del término. Un arma que refleja toda la fuerza de un género asombroso y enigmático, donde otros como Shellac ya abrieron camino a inicios de los noventa. Sus guitarras y baterías parecer salirse en cada canción sin un punto limitado para acabar la melodía, cambiando los cánones de estrofa-estribillo-estrofa, aquí eso son nimiedades que sólo coartarían el resultado final.

El fogonazo comienza con “Race : In”, manteniendo con la batería y ritmos marcianos entre medias; le siguen “Atlas”, pura adrenalina en siete minutos con un momento álgido y un ritmo con toqueteos a la electrónica y al krautrock muy presentes; “Ddiamondd” prefiere añadir una parte vocal aguda y rápida para añadir el toque de locura al corte; “Tonto” ya merece ser elegida como unas de las mejores desde la selección del título hasta el frenético ritmo dado en las guitarras; y ya después está “TIJ”, donde los aparatos se ven como más experimento que instrumentos en sí. Entre medias quedan “Rainbow” con unos breaks pegadizos, “Snare Hangar”, la única que apuesta por los dos minutos, si obviamos el intermedio de “Prismism”; y “Race:Out”, cerrando con algunos de los elementos escuchados en la primera pista. Quizás “Leyendecker” y “Bad Trails”, sean las únicas que bajen un poco la buena impresión del resto